Klasik müzik -Classical music

Viyana'da 2006 Mozart Yılı için performans sergileyen bir yaylı dörtlüsü

Klasik müzik , genellikle Batı halk müziği veya popüler müzik geleneklerinden farklı olduğu düşünülen Batı dünyasının sanat müziğini ifade eder. "Klasik müzik" terimi Batı dışı sanat müziği için de geçerli olduğundan , bazen Batı klasik müziği olarak ayırt edilir . Klasik müzik, özellikle polifoni kullanımıyla, müzikal formunda ve armonik organizasyonunda genellikle formalite ve karmaşıklık ile karakterize edilir . En azından dokuzuncu yüzyıldan beri, öncelikle yazılı bir gelenek olmuştur ve sofistike bir notasyonelsistemin yanı sıra analitik , eleştirel , tarih yazımına , müzikolojik ve felsefi uygulamalara eşlik eden literatür. Batı Kültürünün temel bir bileşeni olan klasik müzik, besteleri, kişilikleri ve inançları tarihini temelden şekillendiren bireysel veya besteci gruplarının bakış açısından sıklıkla görülür .

Batı Avrupa'daki kiliselerin ve kraliyet mahkemelerinin himayesinde kök salmış erken ortaçağ müziği , düşüncesini ve teorisini etkileyen antik Yunan ve Roma müziğiyle birlikte , esas olarak dini , tek sesli ve vokaldi. Günümüze ulaşan en eski müzik el yazmaları, Karolenj İmparatorluğu'na (800-888), Batı'nın düz ilahisinin kademeli olarak Gregoryen ilahisi olarak adlandırılan şeyle birleştiği zamana aittir . Saint Gall Manastırı , Saint Martial Manastırı ve Saint Emmeram's Abbey'de müzik merkezleri varken , 11. yüzyılda personel notasyonunun gelişimi ve ortaçağ müzik teorisyenlerinin artan çıktısı görüldü . 12. yüzyılın ortalarında Fransa, Avrupa'nın en büyük müzik merkezi haline geldi: dini Notre-Dame okulu ilk olarak organize ritimleri ve çoksesliliği tam olarak keşfederken, laik müzik şair-müzisyen soyluların önderlik ettiği ozan ve trouvère gelenekleriyle gelişti. Bu, mahkemenin sponsor olduğu Fransız ars nova ve İtalyan Trecento ile doruğa ulaştı ve bu , aşırı ritmik çeşitliliğin stilistik bir hareketi olan ars subtilior'a dönüştü . 15. yüzyılın başlarından başlayarak , etkili Fransız-Flaman Okulu'nun Rönesans bestecileri, koro müziğini, özellikle kitle ve motet olmak üzere yeni standartlara getirerek, İngiliz içerikli angloise'deki armonik ilkeleri inşa ettiler . Kuzey İtalya kısa süre sonra, Roma Okulu'nun kısa İngiliz Madrigal Okulu'na ilham veren madrigal gibi türlerde son derece sofistike polifoni yöntemleriyle uğraştığı merkezi müzik bölgesi olarak ortaya çıktı .

Barok dönem (1580-1750), yaygın pratik tonalitenin göreli standardizasyonunu ve ayrıca önemli büyüklükteki topluluklara dönüşen müzik aletlerinin artan önemini gördü. İtalya , operanın , solist merkezli konçerto türünün, organize sonat formunun ve ayrıca büyük ölçekli vokal merkezli oratoryo ve kantata türlerinin doğum yeri olarak baskın olmaya devam etti . Johann Sebastian Bach'ın savunduğu füg tekniği , Barok'un karmaşıklık eğilimini örnekledi ve bir tepki olarak daha basit ve şarkı benzeri galant müziği ve empfindsamkeit stilleri geliştirildi. Daha kısa ama çok önemli olan Klasik dönemde (1730-1820) Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn ve Ludwig van Beethoven gibi besteciler , senfoniler , yaylı çalgılar dörtlüsü ve konçertolar dahil olmak üzere mutlak müziğin geniş çapta hayranlık uyandıran temsilcilerini yarattılar . Sonraki Romantik müzik (1800–1910) , bunun yerine sanat şarkısı , senfonik şiir ve çeşitli piyano türlerinin önemli gemiler olduğu programatik müziğe odaklandı . Bu süre zarfında virtüözlük kutlandı, enginlik teşvik edildi, felsefe ve milliyetçilik gömülüydü - tüm yönler Richard Wagner'in operalarında birleşti . 20. yüzyıla gelindiğinde, popüler müziğin önemi büyük ölçüde artarken, üslup birliği yavaş yavaş dağıldı. Pek çok besteci , bazıları sericilik yerine tonaliteyi terk ederek , modernizm merceğinde geçmiş tekniklerden ve türlerden aktif olarak kaçınırken , diğerleri halk melodilerinden veya izlenimci duygulardan yeni ilham buldu. II. Dünya Savaşı'ndan sonra, izleyiciler ilk kez eski müziğe çağdaş eserler yerine değer verdiler; bu, ticari kayıtların ortaya çıkması ve yaygın olarak bulunmasıyla karşılanan bir tercih. 20. yüzyılın ortalarından günümüze kadar olan eğilimler arasında Yeni Sadelik , Yeni Karmaşıklık , Minimalizm , Hayalet müzik ve son zamanlarda Postmodern müzik ve Postminimalizm yer almaktadır . Giderek daha küresel hale gelen Amerika, Afrika ve Asya'dan uygulayıcılar önemli roller üstlenirken, senfoni orkestraları ve opera binaları artık dünyanın her yerinde boy gösteriyor.

Terminoloji ve tanım

ideolojik kökenler

(soldan sağa) 1904 Beethoven–Haydn–Mozart Anıtı'ndan Haydn, Mozart ve Beethoven . Üçü de genellikle Birinci Viyana Okulu'nun bir parçası olarak kabul edilir ve "Klasik" olarak anılan ilk besteciler arasındadır.

Hem İngilizce "klasik" terimi hem de Almanca eşdeğeri klassik , orijinal olarak Antik Roma vatandaşlarının en yüksek sınıfına atıfta bulunan Latince classicus kelimesinden türetilen Fransız classique'den geliştirildi . Roma kullanımında bu terim daha sonra saygın edebi şahsiyetleri ayırt etmek için bir araç haline geldi; Romalı yazar Aulus Gellius , Demosthenes ve Virgil gibi yazarları classicus olarak övdü . Rönesans'a gelindiğinde sıfat daha genel bir anlam kazandı: Randle Cotgrave'in 1611 A Dictionarie of the French and English Tongues adlı eserindeki bir giriş, günümüze kadar gelen en eski tanımlar arasındadır ve klasiği "klasik, formal [ sic ], orderlie, içinde due veya fit ranke; ayrıca, onaylı, Authenticall, Chiefe, Principall". Müzikolog Daniel Heartz bunu iki tanımla özetliyor: 1) "resmi bir disiplin" ve 2) bir "mükemmellik modeli". Gellius gibi, daha sonra Latince yazan Rönesans bilginleri de klasik antik çağın yazarlarına atıfta bulunmak için classicus'u kullandılar ; bununla birlikte, bu anlam yalnızca kademeli olarak gelişti ve bir süre için daha geniş klasik formalite ve mükemmellik ideallerine tabi oldu. Önemli Antik Yunan ve Roma örneklerinin bulunduğu edebiyat ve görsel sanatlar, sonunda klasik antik dönemle ilgili olarak "klasik" terimini benimsedi, ancak Rönesans müzisyenleri için o zamanın neredeyse hiçbir müziği mevcut değildi, bu da klasik müzik ile klasik müzik arasındaki bağlantıyı sınırladı. Greko-Romen dünyası .

18. yüzyıl İngiltere'sinde 'klasik' terimi "performanstaki belirli bir eser kanununu ilk kez temsil etmeye başladı." Londra , benzeri görülmemiş ve diğer Avrupa şehirleri tarafından emsalsiz, önemli bir halka açık konser müziği ortamı geliştirmişti. Kraliyet sarayı, büyük ölçüde İngiliz Milletler Topluluğu'nun dağılmasının ve Şanlı Devrim'in saray müzisyenlerine getirdiği istikrarsızlıktan, müzik üzerindeki tekelini yavaş yavaş kaybetmişti . 1672'de eski saray müzisyeni John Banister , Londra'daki bir tavernada halka açık popüler konserler vermeye başladı; popülaritesi, Londra'daki halka açık konserlerin önemini hızla başlattı. Hâlâ formalite ve mükemmellik ilkeleri üzerine inşa edilen "klasik" - veya daha sıklıkla "antik müzik" kavramı ortaya çıktı ve Heartz'a göre "yurttaşlık ritüeli, din ve ahlaki aktivizm, bu yeni müzik zevki inşasında önemli ölçüde yer aldı. ". Bu tür müziklerin icrası, Academy of Ancient Music tarafından ve daha sonra, başta George Frideric Handel olmak üzere seçkin 16. ve 17. bestecilerin eserlerinin yer aldığı Concerts of Antient Music serisinde uzmanlaştı . Fransa'da, XIV . Louis'nin saltanatı (  1638-1715 arası hükümdar ) kültürel bir rönesans gördü ve sonunda Molière , Jean de La Fontaine ve Jean Racine gibi yazarların klasik antik çağın başarılarını geride bıraktığı kabul edildi. Bu nedenle, Jean-Baptiste Lully'nin (ve daha sonra Christoph Willibald Gluck ) müziği gibi "klasik" olarak nitelendirildiler ve "l'opéra française classic" olarak tanımlandılar. Kıta Avrupasının geri kalanında, "klasiği" Greko-Romen Dünyasına benzer olarak tanımlamanın terk edilmesi daha yavaştı, çünkü kanonik repertuarların oluşumu ya minimaldi ya da üst sınıflara özeldi.

19. yüzyılın başlarındaki birçok Avrupalı ​​yorumcu, klasik müzik tanımlarında yeni bir birlik buldu: eski besteciler Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn ve ( sonraki eserlerinden bazıları hariç ) Ludwig van Beethoven'ı ortaya çıkan stile karşı "klasik" olarak yan yana getirmek. romantik müzik . Özellikle bu üç besteci, bazen "Viyana klasikleri" olarak adlandırılan Birinci Viyana Okulu'nda gruplandırıldı; bu , üçünden hiçbirinin Viyana'da doğmaması ve Haydn ile Mozart'ın şehirde geçirdiği minimum süre nedeniyle sorunlu olmaya devam eden bir bağlantı. Bu sık sık ifade edilen bir karakterizasyon olsa da katı bir karakterizasyon değildi. 1879'da besteci Charles Kensington Salaman şu bestecileri klasik olarak tanımladı: Bach , Handel, Haydn, Mozart, Beethoven, Weber , Spohr ve Mendelssohn . Daha genel olarak, bazı yazarlar "klasik" terimini, çeşitli bestecilerin, özellikle de yerleşik bir türde birçok eser üretenlerin saygın çıktılarını genel olarak övmek için kullandılar.

Çağdaş anlayış

"Klasik müzik" teriminin çağdaş anlayışı belirsiz ve çok yönlü olmaya devam ediyor. "Sanat müziği", "kanonik müzik", "kültürlü müzik" ve "ciddi müzik" gibi diğer terimler büyük ölçüde eşanlamlıdır. "Klasik müzik" terimi genellikle yalnızca Batı dünyasını ilgilendirdiği belirtilir veya ima edilir ve tersine, birçok akademik tarihte "Batı müziği" terimi klasik olmayan Batı müziğini dışlar. Diğer bir karmaşıklık da, "klasik müzik"in bazen benzer uzun ömürlü ve karmaşık özellikler sergileyen Batı dışı sanat müziğini tanımlamak için kullanılmasıdır; örnekler arasında Hint klasik müziği ( Karnatik ve Hindustani müziği ), Gamelan müziği ve Çin İmparatorluğu sarayının çeşitli stilleri yer alır ( örneğin yayue'ye bakın). Böylece 20. yüzyılın sonlarında "Batı klasik müziği" ve "Batı sanat müziği" gibi terimler bunu ele almak için kullanılmaya başlandı. Müzikolog Ralph P. Locke , "Batı dışı kültürlerden gelen Batı sanatı müziği türlerinin belirli uygulayıcıları" düşünüldüğünde "ilgi çekici bir karmaşıklık" yarattıklarından, her iki terimin de ideal olmadığını belirtiyor.

Müzikal formdaki karmaşıklık ve armonik organizasyon , klasik müziğin tipik özellikleridir. Oxford İngilizce Sözlüğü ( OED ), müzikle ilgili olarak "klasik" kelimesinin üç tanımını sunar:

  1. "kabul edilmiş mükemmellik"
  2. "popüler veya halk müziğinden farklı olarak, resmi bir müzik geleneğine ait, bunlarla ilgili veya onun özelliği"
  3. ve daha spesifik olarak, "uyum, denge ve yerleşik kompozisyon biçimlerine bağlılık ile karakterize edilen, 18. yüzyılın sonları ve 19. yüzyılın başlarındaki resmi Avrupa müziğiyle ilgili veya bunlarla ilgili".

Son tanım , 18. yüzyılın ikinci yarısından 19. yüzyılın başlarına kadar Avrupa müziğinin belirli bir üslup dönemi olan Klasik dönem olarak adlandırılan dönemle ilgilidir .

Tarih

Kökler

Batı klasik geleneği resmen erken Hıristiyan Kilisesi tarafından ve onun için yaratılan müzikle başlar. İlk Kilise'nin, zulüm gördüğü ve zulüm gördüğü pagan dininin bir hatırlatıcısı olduğu için, eski Yunan ve Roma'nın baskın müziğinden kendisini ayırmak istemesi muhtemeldir . Bu nedenle, Hıristiyan Kilisesi müziğinin ve dolayısıyla bir bütün olarak Batı klasik müziğinin önceki antik müzikten ne ölçüde etkilendiği belirsizliğini koruyor . Müziğe yönelik genel tutum, Antik Yunan ve Roma müzik teorisyenleri ve yorumcularından alınmıştır. Tıpkı Greko-Romen toplumunda olduğu gibi, müzik eğitimin merkezinde yer alıyordu; aritmetik, geometri ve astronomi ile birlikte müzik, Orta Çağ'da standart bir liberal sanat eğitiminin üst bölümünün dört konusu olan quadrivium'a dahil edildi . Müziğe olan bu yüksek saygı ilk olarak bilginler Cassiodorus , Seville'li Isidore ve özellikle Pisagor , Aristoteles ve Platon'dan gelen müzik perspektiflerinin aktarımı ve genişletilmesi ortaçağ müzik düşüncesinin gelişiminde çok önemli olan Boethius tarafından desteklendi. Bununla birlikte, bilim adamları, ortaçağ müzik teorisyenleri ve besteciler , Yunan ve Romalı seleflerinin yazılarını düzenli olarak yanlış yorumladılar veya yanlış anladılar. Bunun nedeni, Seville'li Isidore'un ( c.  559 - 636 ) "sesler insan tarafından hatırlanmadığı sürece yok olurlar, çünkü yazılamazlar aşağı", yüzyıllar önce Antik Yunan'ın sistematik notasyon uygulamalarından habersiz . Bununla birlikte, müzikolog Gustave Reese , ortaçağ müzisyenleri eserlerini - doğru yapıp yapmadıklarına bakılmaksızın - düzenli olarak okuduklarından, birçok Greko-Romen metninin Batı klasik müziği üzerinde etkili olarak kabul edilebileceğini belirtiyor.

Ancak, antik dünyadan bazı tartışılmaz müzikal devamlar var . Müzik ortamlarında tek seslilik , doğaçlama ve metnin egemenliği gibi temel hususlar , hem erken ortaçağda hem de neredeyse tüm eski uygarlıkların müziğinde öne çıkıyor. Özellikle Yunan etkileri, kilise modlarını ( Aristoxenus ve Pythagoras'ın geliştirmelerinin torunları ), pisagor akortundan temel akustik teoriyi ve ayrıca tetrakordların merkezi işlevini içerir . Aulos (bir kamış enstrümanı ) ve lir (küçük bir arp benzeri telli bir enstrüman) gibi eski Yunan enstrümanları, sonunda bir senfonik orkestranın birkaç modern enstrümanına yol açtı. Bununla birlikte, Donald Jay Grout , antik müzikten erken ortaçağa doğrudan evrimsel bir bağlantı kurmaya çalışmanın temelsiz olduğunu, çünkü performans veya pratikten değil, neredeyse tamamen Greko-Romen müzik teorisinden etkilendiğini belirtiyor.

Erken müzik

Ortaçağa ait

Vielle çalan müzisyen ( on dördüncü yüzyıl Ortaçağ el yazması )

Ortaçağ müziği, Batı Roma İmparatorluğu'nun 476'dan yaklaşık 1400'e kadar düşüşünden sonraki Batı Avrupa müziğini içerir. Plainsong veya Gregorian ilahisi olarak da adlandırılan tek sesli ilahi, yaklaşık 1100'e kadar baskın biçimdi. ayinleri Kilise genelinde standart hale getirmek için. Polifonik (çok sesli) müzik, Orta Çağ'ın sonlarında ve Rönesans'ta monofonik ilahilerden geliştirildi ve motetlerin daha karmaşık seslendirmeleri de dahil . Daha önceki ortaçağ döneminde , ağırlıklı olarak Gregoryen ilahisi olan ayinsel türden vokal müzik, tek , refakatsiz bir vokal melodi hattı kullanan monofonikti . Birden fazla bağımsız vokal melodisi kullanan polifonik vokal türleri, orta çağda gelişmeye başladı ve 13. yüzyılın sonlarında ve 14. yüzyılın başlarında yaygınlaştı. Önemli Ortaçağ bestecileri arasında Bingen'li Hildegard , Léonin , Pérotin , Philippe de Vitry , Guillaume de Machaut , Francesco Landini ve Johannes Ciconia sayılabilir .

Birçok ortaçağ müzik aleti hala var, ancak farklı biçimlerde. Ortaçağ enstrümanları arasında flüt , kayıt cihazı ve ud gibi telli telli çalgılar vardı . Ayrıca org ve kemanın (veya vielle ) erken versiyonları da vardı. Avrupa'daki ortaçağ enstrümanları en yaygın olarak tek başına, genellikle bir drone notasıyla birlikte veya bazen parçalar halinde kullanılmıştı. En azından 13. yüzyıldan 15. yüzyıla kadar enstrümanlar haut (yüksek, tiz, dış mekan enstrümanları) ve bas (daha sessiz, daha samimi enstrümanlar) olarak ikiye ayrıldı. Bazı enstrümanların kökleri , Orta Çağ İslam dünyasından benimsenen Doğulu atalara dayanmaktadır . Örneğin, Arap rebabı , lira , rebec ve keman da dahil olmak üzere tüm Avrupa yaylı çalgılarının atasıdır .

Rönesans

Rönesans dönemi 1400'den 1600'e kadardı. Enstrümantasyonun daha fazla kullanımı , çoklu iç içe melodik çizgiler ve ilk bas enstrümanlarının kullanımı ile karakterize edildi . Sosyal dans yaygınlaştı, bu nedenle dansa eşlik eden müzik formları standartlaşmaya başladı. Müziğin bir kadro üzerinde notaya alınması ve nota notasının diğer unsurları bu dönemde şekillenmeye başladı. Bu buluş , bir müzik parçasının bestesinin aktarımından ayrılmasını mümkün kıldı ; yazılı müzik olmadan aktarım sözlüydü ve her iletildiğinde değişebilirdi. Bir müzik notasıyla , bestecinin varlığı olmadan bir müzik eseri icra edilebilir. 15. yüzyılda hareketli tip matbaanın icadı , müziğin korunması ve iletilmesi üzerinde geniş kapsamlı sonuçlar doğurdu.

Chigi kodeksinden Kyrie of Ockeghem'in Missa Ecce ancilla Domini'sini gösteren ışıklı bir açılış

Birçok enstrüman Rönesans döneminde ortaya çıktı; diğerleri, daha önce var olan enstrümanların varyasyonları veya iyileştirmeleriydi. Bazıları günümüze kadar gelebilmiştir; diğerleri, yalnızca dönem enstrümanlarında müzik icra etmek için yeniden yaratılmak üzere ortadan kayboldu. Günümüzde olduğu gibi, enstrümanlar pirinç, teller, vurmalı ve nefesli olarak sınıflandırılabilir. Rönesans'ta pirinç enstrümanlar geleneksel olarak Lonca üyesi olan profesyoneller tarafından çalınırdı ve bunlar arasında sürgülü trompet , tahta kornet , valfsiz trompet ve çuval but vardı . Yaylı çalgılar arasında viyol , rebec , arp benzeri lir , hurdy-gurdy , lavta , gitar , cittern , bandora ve orpharion vardı . Yaylı klavyeli enstrümanlar arasında klavsen ve klavsen vardı . Vurmalı çalgılar arasında üçgen , Yahudi arpı , tef , çanlar, gümbürtü ve çeşitli davul türleri bulunur. Nefesli çalgılar arasında çift kamışlı şal ( obua ailesinin erken bir üyesi), kamış borusu , gayda , enine flüt , kayıt cihazı , dulcian ve crumhorn vardı . Basit boru organları vardı, ancak taşınabilir çeşitleri olmasına rağmen büyük ölçüde kiliselerle sınırlıydı. Baskı, aletlerin tanımlarının ve özelliklerinin standartlaştırılmasının yanı sıra kullanım talimatlarını da mümkün kıldı.

Rönesans'taki vokal müzik, giderek daha ayrıntılı bir polifonik tarzın gelişmesiyle tanınır. Tüm Rönesans dönemi boyunca devam eden başlıca litürjik biçimler, özellikle kutsal müzik bestecileri kendi tasarımları için laik biçimleri ( madrigal gibi) benimsemeye başladıkça, sonlara doğru diğer bazı gelişmelerle birlikte ayinler ve motiflerdi. Dönemin sonlarına doğru monodi, madrigal komedi ve intermedio gibi operanın erken dönem dramatik öncüleri görülür. 1597 civarında, İtalyan besteci Jacopo Peri , bugün opera olarak adlandırılan ilk eser olan Dafne'yi yazdı . Ayrıca günümüze ulaşan ilk opera olan Euridice'yi besteledi.

Önemli Rönesans bestecileri arasında Josquin des Prez , Giovanni Pierluigi da Palestrina , John Dunstaple , Johannes Ockeghem , Orlande de Lassus , Guillaume Du Fay , Gilles Binchois , Thomas Tallis , William Byrd , Giovanni Gabrieli , Carlo Gesualdo , John Dowland , Jacob Obrecht , Adrian Willaert bulunmaktadır . , Jacques Arcadelt ve Cipriano de Rore .

Ortak uygulama dönemi

Genel uygulama dönemi , tipik olarak, ortak uygulama tonalitesinin oluşumu ile dağılması arasındaki dönem olarak tanımlanır . Terim genellikle kabaca iki buçuk yüzyılı kapsar ve Barok, Klasik ve Romantik dönemleri kapsar.

Barok

Hurdy-gurdy , klavsen , bas viyol , lavta , keman ve barok gitar gibi barok enstrümanlar

Barok müzik, karmaşık tonal kontrpuan kullanımı ve sürekli bir bas hattı olan bir basso sürekli kullanımı ile karakterize edilir. Müzik, önceki tüm dönemlerin basit şarkılarına kıyasla daha karmaşık hale geldi. Sonat formunun başlangıcı, daha resmileştirilmiş bir tema ve varyasyon kavramı gibi canzona'da şekillendi . Müzikte ahenksizliği ve kromatikliği yönetmenin aracı olarak majör ve minör tonaliteleri tam şeklini aldı.

Barok dönemde, klavsen ve borulu orgla çalınan klavye müziği giderek daha popüler hale geldi ve yaylı çalgılardan keman ailesi, bugün genel olarak görülen biçimi aldı. Sahnelenen bir müzikal drama olarak opera, kendisini daha önceki müzikal ve dramatik biçimlerden ayırmaya başladı ve kantata ve oratoryo gibi vokal biçimler daha yaygın hale geldi. İlk kez vokalistler müziğe fazladan notalar eklemeye başladılar.

Eşit mizacı çevreleyen teoriler , özellikle akortu zor klavyeli enstrümanlarda daha geniş bir kromatik olasılık yelpazesini mümkün kıldığından, daha geniş bir uygulamaya konmaya başlandı. JS Bach eşit mizaç kullanmasa da , modern bir piyano genellikle akort edildiğinden, o zamanlar yaygın olan meantone sisteminden tüm tuşlar arasındaki modülasyonu müzikal olarak kabul edilebilir kılan çeşitli mizaçlara kadar mizaçlardaki değişiklikler, Well-Tempered Clavier'sini mümkün kıldı. .

Barok enstrümanlar, daha önceki dönemlere ait bazı enstrümanları (örneğin, hurdy-gurdy ve kaydedici) ve bir dizi yeni enstrümanı (örneğin, obua, fagot, çello, kontrbas ve fortepiano) içeriyordu. Şam, cittern , raket ve tahta kornet gibi önceki dönemlere ait bazı enstrümanlar kullanılmaz hale geldi . Yaylılar için temel Barok enstrümanlar arasında keman , viyola , viyola , viyola d'amore , çello , kontrbas , lavta , theorbo (genellikle basso sürekli parçaları çalar), mandolin , Barok gitar , arp ve hurdy-gurdy vardı. Nefesli çalgılar arasında Barok flüt , Barok obua , kaydedici ve fagot vardı . Pirinç enstrümanlar kornet , doğal boynuz , doğal trompet , yılan ve trombonu içeriyordu . Klavye enstrümanları arasında klavikord , teğet piyano , klavsen , boru organı ve daha sonra dönemde fortepiano (piyanonun erken bir versiyonu) vardı. Vurmalı çalgılar timpani , trampet , tef ve kastanyetleri içeriyordu .

Barok müzik ile onu izleyen klasik dönem arasındaki en büyük fark, Barok topluluklarda kullanılan enstrüman türlerinin çok daha az standartlaştırılmış olmasıdır. Bir Barok topluluğu, birkaç farklı türde klavyeli çalgıdan (örneğin borulu org veya harpsikord), ek telli akortlu çalgılardan (örneğin bir lavta), yaylı yaylılara, nefesli çalgılara ve üflemeli çalgılara ve belirlenmemiş sayıda bas çalgılarından birini içerebilir. sürekli bas (örneğin çello, kontrbas, viyola, fagot, yılan vb.).

Barok dönemdeki vokal gelişmeler, opera seria ve opéra comique gibi opera türlerinin ve oratoryolar ve kantatalar gibi ilgili biçimlerin gelişimini içeriyordu .

Bu dönemin önemli bestecileri arasında Johann Sebastian Bach , Antonio Vivaldi , George Frideric Handel , Henry Purcell , Claudio Monteverdi , Barbara Strozzi , Domenico Scarlatti , Georg Philipp Telemann , Arcangelo Corelli , Alessandro Scarlatti , Jean-Philippe Rameau , Jean-Baptiste Lully ve Heinrich Schütz .

Klasik

Thomas Hardy (1791) tarafından canlandırılan Joseph Haydn (1732–1809 )

"Klasik müzik" terimi, Orta Çağ'dan 2000'lere kadar tüm Batı sanat müziğini kapsasa da, Klasik Çağ, 1750'lerden 1820'lerin başına kadar Batı sanat müziğinin dönemiydi - Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn ve Ludwig dönemi. Van Beethoven .

Klasik dönem, kompozisyon, sunum ve stil normlarının birçoğunu oluşturdu ve aynı zamanda piyanonun baskın klavyeli enstrüman haline geldiği dönemdi. Bir orkestra için gerekli olan temel kuvvetler bir şekilde standart hale geldi (sonraki yüzyıllarda daha geniş bir enstrüman dizisinin potansiyeli geliştikçe artacak olsa da). Oda müziği, serenatlar için 8 ila 10 kadar icracı içeren toplulukları içerecek şekilde büyüdü . Opera , İtalya, Fransa ve Almanca konuşulan ülkelerde bölgesel tarzlarla gelişmeye devam etti. Bir tür komik opera olan opera buffa'nın popülaritesi arttı. Senfoni , bir müzik formu olarak kendine geldi ve konçerto, virtüöz çalma becerisini sergilemek için bir araç olarak geliştirildi. Orkestralar artık (Barok tarzındaki geleneksel devamlılığın bir parçası olan) bir klavsene ihtiyaç duymuyorlardı ve genellikle baş kemancı (şimdi konser şefi olarak anılıyor ) tarafından yönetiliyordu.

Klasik dönem müzisyenleri, çello, kontrbas, kayıt cihazı, trombon, timpani, fortepiano (modern piyanonun öncüsü ) ve org gibi Barok dönemin birçok enstrümanını kullanmaya devam ettiler . Bazı Barok enstrümanlar kullanılmaz hale gelirken (örneğin theorbo ve raket), Barok keman ( keman oldu ), Barok obua ( keman oldu) gibi birçok Barok enstrüman bugün hala kullanımda olan versiyonlarla değiştirildi. obua ) ve normal valfli trompete geçiş yapan Barok trompet. Klasik dönemde, orkestra ve oda müziğinde kullanılan yaylı dörtlüler gibi telli çalgılar, orkestranın yaylı bölümünü oluşturan dört çalgı olarak standartlaştırıldı : keman, viyola, çello ve kontrbas. Perdeli, yaylı kemanlar gibi Barok dönem telli çalgılar aşamalı olarak kullanımdan kaldırıldı. Nefesli çalgılar arasında basset klarnet , basset horn , clarinette d'amour , Klasik klarnet , chalumeau , flüt, obua ve fagot vardı. Klavye enstrümanları arasında klavikord ve fortepiano vardı . Klavsen , 1750'ler ve 1760'larda basso sürekli eşlikte hala kullanılırken, yüzyılın sonunda kullanım dışı kaldı. Pirinç enstrümanlar arasında buccin , ophicleide ( tuba'nın öncüsü olan bas yılanının yerine geçen ) ve doğal boynuz vardı .

Nefesli çalgılar Klasik çağda daha rafine hale geldi. Obua ve fagot gibi çift kamışlı enstrümanlar Barok'ta bir şekilde standart hale gelirken , tek kamışlı klarnet ailesi, Mozart orkestra, oda ve konçerto ortamlarındaki rolünü genişletene kadar yaygın olarak kullanılmadı .

Bu dönemin başlıca bestecileri arasında Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven , Joseph Haydn , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Carl Philipp Emanuel Bach , Muzio Clementi , Antonio Salieri ve Johann Nepomuk Hummel yer alıyor .

Romantik

Kabaca 19. yüzyılın ilk on yılından 20. yüzyılın başlarına kadar olan Romantik dönemin müziği, diğer sanat formlarındaki romantizme paralel olarak, genişletilmiş bir melodik çizginin yanı sıra ifade ve duygusal unsurlara artan ilgi ile karakterize edildi. Müzikal formlar , temaların sergilenmesi ve geliştirilmesi hakkında kabul edilen fikirlerin göz ardı edildiği veya en aza indirildiği noktürnler , fantaziler ve prelüdler gibi serbest biçimli parçaların yazılmasıyla (bunlar kodlanırken bile) Klasik dönem formlarından kopmaya başladı . Müzik daha kromatik, ahenksiz ve ton olarak renkli hale geldi ve anahtar imzalarla ilgili gerilimler (eski formların kabul edilen normlarına göre) arttı. Sanat şarkısı (veya Lied ) bu çağda olgunlaştı, tıpkı büyük operanın epik ölçeklerinde olduğu gibi , sonunda Richard Wagner'in Ring döngüsü tarafından aşıldı .

19. yüzyılda, besteciler ve müzisyenler soylulardan bağımsız hayatlar kurabildikleri için müzik kurumları zengin patronların kontrolünden çıktı. Batı Avrupa'da büyüyen orta sınıfların müziğe artan ilgisi, müziğin öğretilmesi, icrası ve korunması için organizasyonların yaratılmasını teşvik etti. Bu çağda (kısmen metalürjideki endüstriyel gelişmeler nedeniyle) modern yapımına ulaşan piyano, enstrümana olan talepleri birçok piyano üreticisini teşvik eden orta sınıf arasında oldukça popüler hale geldi. Birçok senfoni orkestrası kuruluşlarını bu döneme tarihler. Bazı müzisyenler ve besteciler günün yıldızlarıydı; Franz Liszt ve Niccolò Paganini gibi bazıları her iki rolü de yerine getirdi.

Avrupa kültürel fikirleri ve kurumları, dünyanın diğer bölgelerine yayılan kolonyal genişlemeyi takip etmeye başladı. Edvard Grieg , Nikolai Rimsky-Korsakov ve Antonín Dvořák gibi besteciler geleneksel müziği yankılarken , özellikle dönemin sonlarına doğru müzikte milliyetçiliğin (bazı durumlarda dönemin siyasi duygularını yansıtan) bir yükselişi oldu. anavatanlarını kompozisyonlarında.

Romantik çağda, daha güçlü, sürekli bir ton ve daha geniş bir aralıkla modern piyano , daha hassas tınlayan fortepiano'nun yerini aldı. Orkestrada mevcut Klasik enstrümanlar ve bölümler korundu ( yaylı bölüm , nefesli çalgılar, nefesli çalgılar ve perküsyon), ancak bu bölümler tipik olarak daha dolgun, daha büyük bir ses elde etmek için genişletildi. Örneğin, bir Barok orkestrasında iki kontrbasçı olabilirken, Romantik bir orkestrada on kadar kontrbasçı olabilir. "Müzik daha anlamlı hale geldikçe, standart orkestra paleti birçok Romantik besteci için yeterince zengin değildi."

Özellikle orkestralarda kullanılan enstrüman aileleri büyüdü; geç romantik ve modernist besteciler tarafından kullanılan çok büyük orkestralarla 20. yüzyılın başlarında zirveye ulaşan bir süreç. Daha geniş bir vurmalı çalgılar dizisi ortaya çıkmaya başladı. Döner valflerin piyasaya sürülmesi, daha geniş bir nota yelpazesini çalmalarını mümkün kıldığından, pirinç enstrümanlar daha büyük roller üstlendi . Orkestranın boyutu (Klasik dönemde tipik olarak 40 civarındadır) 100'ün üzerine çıktı. Örneğin, Gustav Mahler'in 1906 tarihli Senfonisi No. kontrfagot , bas klarnet ve pikolo gibi eklendi ve ksilofonlar , trampetler , celestalar (çan benzeri bir klavye enstrümanı), çanlar ve üçgenler , büyük orkestra arpları ve hatta ses efektleri için rüzgar makineleri dahil olmak üzere yeni vurmalı çalgılar eklendi . Saksafonlar , 19. yüzyılın sonlarından itibaren bazı notalarda görünür ve genellikle orkestranın ayrılmaz bir parçası olmaktan çok solo bir enstrüman olarak öne çıkar.

Boynuz ailesinin değiştirilmiş bir üyesi olan Wagner tuba, Richard Wagner'in Der Ring des Nibelungen döngüsünde yer alır . Ayrıca Anton Bruckner'ın Mi Major'daki 7. Senfonisi'nde önemli bir role sahiptir ve Richard Strauss, Béla Bartók ve diğerlerinin birkaç geç dönem romantik ve modernist çalışmasında da kullanılır. en azından yüzyılın sonuna kadar daha az çevik olarak görülüyordu.

Bu dönemin önde gelen bestecileri arasında Pyotr Ilyich Tchaikovsky , Frédéric Chopin , Hector Berlioz , Franz Schubert , Robert Schumann , Felix Mendelssohn , Franz Liszt , Giuseppe Verdi , Richard Wagner , Johannes Brahms , Alexander Scriabin , Nikolai Medtner , Edvard Grieg ve Johann Strauss II bulunmaktadır. . Gustav Mahler ve Richard Strauss , müziği hem geç romantik hem de erken modernist unsurları birleştiren geçiş dönemi bestecileri olarak kabul edilir.

20. ve 21. yüzyıllar

modernist

Çok çeşitli post-Romantik tarzları kapsayan modernist klasik müzik, geç romantik, izlenimci, dışavurumcu ve neoklasik beste tarzlarını içerir. Modernizm, birçok bestecinin geleneksel tonalite, melodi, enstrümantasyon ve yapı gibi ortak uygulama döneminin belirli değerlerini reddettiği bir çağa damgasını vurdu. Bazı müzik tarihçileri, müzikal modernizmi yaklaşık 1890'dan 1930'a kadar uzanan bir dönem olarak görüyor. Diğerleri modernizmin iki dünya savaşından biriyle veya diğeriyle sona erdiğini düşünüyor. Yine de diğer otoriteler, modernizmin herhangi bir tarihsel dönemle ilişkilendirilmediğini, bunun yerine "bestecinin bir tavrı ; zamanla gelişebilen yaşayan bir yapı" olduğunu iddia ediyor. 20. yüzyılın son üçte birindeki düşüşüne rağmen, yüzyılın sonunda Pierre Boulez , Pauline Oliveros , Toru Takemitsu , George Benjamin gibi modernizmin fikirlerini ve biçimlerini geliştirmeye devam eden aktif bir besteci çekirdeği kaldı. Jacob Druckman , Brian Ferneyhough , George Perle , Wolfgang Rihm , Richard Wernick , Richard Wilson ve Ralph Shapey .

Bu dönemde baskın olan iki müzik akımı, 1890 civarında başlayan izlenimci ve 1908 civarında başlayan dışavurumcu akımdı. müziğin melodik, sonik ve ritmik yönleri ve zamanın sanatlarında daha geniş tanımlanabilir modernizm dönemiyle yakından ilişkili olarak estetik dünya görüşlerindeki değişiklikler. Onunla en çok ilişkilendirilen işlemsel kelime "yenilik"tir. Başlıca özelliği, "dilsel çoğulluk", yani hiçbir müzik türünün hiçbir zaman baskın bir konuma gelmemesidir.

Orkestra, modernist dönemin ilk yıllarında büyümeye devam etti ve 20. yüzyılın ilk yirmi yılında zirveye ulaştı. 19. yüzyılda nadiren ortaya çıkan saksafonlar, yardımcı enstrümanlar olarak daha yaygın olarak kullanılmaya başlandı, ancak hiçbir zaman orkestranın çekirdek üyeleri olmadı. Maurice Ravel'in Modest Mussorgsky'nin Bir Sergideki Resimleri ve Sergei Rachmaninoff'un Senfonik Danslar orkestrasyonu gibi bazı eserlerde yalnızca öne çıkan solo enstrümanlar olarak görünürken , saksafon Sergei Prokofiev'in Romeo ve Juliet Suites 1 ve 2 ve orkestra topluluğunun bir üyesi olarak daha birçok eser. Ravel'in Boléro'su gibi bazı bestelerde , orkestranın diğer bölümleri gibi bütün bir bölümü oluşturmak için farklı boyutlarda iki veya daha fazla saksafon kullanılır. Euphonium , Gustav Holst'un The Planets'i ve Richard Strauss'un Ein Heldenleben'i de dahil olmak üzere genellikle "tenor tuba" olarak işaretlenmiş parçaları çalan birkaç geç Romantik ve 20. yüzyıl eserinde yer alır .

20. yüzyılın başlarının önde gelen bestecileri arasında Igor Stravinsky , Claude Debussy , Sergei Rachmaninoff , Sergei Prokofiev , Arnold Schoenberg , Nikos Skalkottas , Heitor Villa-Lobos , Anton Webern , Alban Berg , Cécile Chaminade , Paul Hindemith , Aram Khachaturian , George Gershwin , Amy yer alıyor . Beach , Béla Bartók ve Dmitri Shostakovich , 19. yüzyıldan günümüze geçiş figürleri olarak bahsedilen Mahler ve Strauss ile birlikte.

Post-modern/çağdaş

Postmodern müzik , bazı otoritelere göre 1930 gibi erken bir tarihte başlayan bir müzik dönemidir. Postmodernist sanatla , yani modernizmden sonra gelen ve ona tepki gösteren sanatla ortak özellikler taşır .

Diğer bazı otoriteler, postmodern müziği, 20. yüzyılın sonlarından 21. yüzyılın başlarına kadar, 1930'dan çok sonra bestelenen "çağdaş müzik" ile aşağı yukarı eşitlediler. Postmodern/çağdaş dönemin çeşitli hareketlerinden bazıları neoromantik, neoortaçağ, minimalist ve post minimalisti içerir.

21. yüzyılın başındaki çağdaş klasik müziğin , genellikle 1945 sonrası tüm müzik biçimlerini içerdiği düşünülüyordu. Bir nesil sonra, bu terim artık doğru bir şekilde, hala hayatta olan besteciler tarafından yazılan günümüz müziğine atıfta bulunuyor; 1970'lerin ortalarında öne çıkan müzik. Modernist , postmodern , neoromantik ve çoğulcu müziğin farklı varyasyonlarını içerir .

Verim

Kapsamlı bir şekilde klasik müzik eğitimi almış icracıların "klasik eğitim almış" oldukları söylenir. Bu eğitim, enstrüman veya ses öğretmenlerinden özel derslerden veya Konservatuar, kolej veya üniversite tarafından sunulan, Müzik Lisansı veya Müzik Yüksek Lisans derecesi (profesörlerden bireysel dersleri içeren) gibi resmi bir programın tamamlanmasından gelebilir. Klasik müzikte, "... genellikle lisansüstü [Yüksek Lisans derecesi] düzeyine kadar kapsamlı resmi müzik eğitimi ve öğretimi" gereklidir.

Klasik müzik repertuarının icrası, deşifre ve topluluk çalma, armonik ilkeler, güçlü kulak eğitimi (perdeleri kulakla düzeltmek ve ayarlamak için), performans pratiği bilgisi (örneğin, Barok süsleme) ve stile aşinalık gerektirir. belirli bir besteci veya müzik eseri için beklenen müzikal deyim (örneğin, bir Brahms senfonisi veya bir Mozart konçertosu).

Avrupa klasik müziğini popüler müzikten , halk müziğinden ve Hint klasik müziği gibi diğer bazı klasik müzik geleneklerinden ayıran temel özelliği , repertuarın müzik notalarıyla yazılarak bir müzik parçası veya nota oluşturma eğiliminde olmasıdır . Bu nota tipik olarak ritim, perde ve iki veya daha fazla müzisyenin (ister şarkıcı ister enstrümantalist olsun) dahil olduğu durumlarda çeşitli bölümlerin nasıl koordine edildiğini belirler. Müziğin yazılı kalitesi, içlerinde yüksek düzeyde bir karmaşıklık sağladı: örneğin fügler , kontrpuanda örülen , ancak tutarlı bir armonik mantık yaratan, cesurca farklı melodik çizgilerin dikkate değer bir evliliğini başarıyor . Yazılı notasyonun kullanılması ayrıca eserlerin kaydını tutar ve Klasik müzisyenlerin yüzyıllar öncesinden müzik icra etmelerini sağlar.

2000'lerde Klasik müzik , Barok dönemden Romantik döneme kadar müzikal doğaçlama geleneğinin çoğunu kaybetmiş olsa da , dönemlerinin tarzında doğaçlama yapabilen icracı örnekleri var. Barok dönemde org icracıları prelüdleri doğaçlama yapar, klavsen çalan klavye icracıları sürekli bas notalarının altındaki figürlü bas sembollerinden akorları doğaçlama yapar ve hem vokal hem de enstrümantal icracılar müzikal süsleri doğaçlama yaparlardı . Johann Sebastian Bach , özellikle karmaşık doğaçlamalarıyla dikkat çekiyordu. Klasik dönemde, besteci-icracı Wolfgang Amadeus Mozart , melodileri farklı tarzlarda doğaçlama yapma becerisiyle dikkat çekiyordu. Klasik çağda, bazı virtüöz solistler bir konçertonun kadenza bölümlerini doğaçlama yaparlardı. Romantik dönemde, Ludwig van Beethoven piyanoda doğaçlama yapardı.

Klasik müzikte kadınlar

Klasik müzikle ilgili müzik ders kitaplarında tanımlanan ve eserleri standart konser repertuarında geniş çapta icra edilen bestecilerin neredeyse tamamı , klasik müzik dönemi boyunca çok sayıda kadın besteci olmasına rağmen, erkek bestecilerdir . Müzikolog Marcia Citron , " Kadınlar tarafından bestelenen müzik neden standart 'klasik' repertuar için bu kadar marjinal?" Citron, "kadın bestecilerin icra edilen müzik eserlerinin kabul edilen ' kanonundan ' dışlanmasına yol açan uygulamaları ve tutumları inceliyor ". 1800'lerde kadın bestecilerin, büyük bir salonda bir orkestra ile performansa yönelik senfoniler yerine küçük resitallerde performans için sanat şarkıları yazdıklarını ve sonraki eserlerin besteciler için en önemli tür olarak görüldüğünü; Kadın besteciler çok fazla senfoni yazmadıkları için besteci olarak dikkate değer görülmediler. "... Muhtasar Oxford Müzik Tarihi'nde Clara S[c]humann , adı geçen tek [ sic ] kadın bestecilerden biridir." Abbey Philips, "20. yüzyılda beste yapan / çalan kadınların erkek meslektaşlarından çok daha az ilgi gördüklerini" belirtiyor.

Tarihsel olarak, büyük profesyonel orkestralar çoğunlukla veya tamamen erkek müzisyenlerden oluşmuştur. Profesyonel orkestralarda işe alınan kadınların ilk örneklerinden bazıları arpçı pozisyonundaydı . Örneğin Viyana Filarmoni , 2008'de Gramophone tarafından dünyanın en iyi beşi arasında yer alan diğer orkestralardan çok daha sonra, 1997 yılına kadar kadınları kalıcı üyeliğe kabul etmedi . Bir kadını kalıcı bir pozisyona atayan son büyük orkestra, Berlin Filarmoni Orkestrasıydı . . Şubat 1996 gibi geç bir tarihte, Viyana Filarmoni Orkestrası'nın baş flütü Dieter Flury , Westdeutscher Rundfunk'a kadınları kabul etmenin " bu organizmanın şu anda sahip olduğu duygusal birlik ( emotionelle Geschlossenheit ) ile kumar oynamak" olacağını söyledi. Nisan 1996'da orkestranın basın sekreteri, doğum izninin "beklenen izinlerini telafi etmenin" bir sorun olacağını yazdı.

2013'te Mother Jones'ta yayınlanan bir makale, "[m] herhangi bir prestijli orkestranın önemli kadın üyelerine sahip olmasına rağmen - New York Filarmoni'nin keman bölümünde kadınların sayısı erkeklerden fazladır - ve Ulusal Senfoni Orkestrası , Detroit Senfonisi dahil olmak üzere birçok ünlü topluluk ve Minnesota Senfonisi kadın kemancılar tarafından yönetiliyor, " büyük orkestraların kontrbas , üflemeli çalgılar ve perküsyon bölümleri "...hala ağırlıklı olarak erkek". 2014 tarihli bir BBC makalesi, "... müstakbel bir enstrümantalistin bir perde arkasında performans sergilediği, böylece jüri heyetinin hiçbir cinsiyet veya ırksal önyargı uygulamaması için 'kör' seçmelerin tanıtılmasının, geleneksel olarak erkek egemen senfoninin cinsiyet dengesini gördüğünü belirtti. orkestralar yavaş yavaş değişiyor."

Diğer müzik gelenekleriyle ilişki

Popüler müzik

Klasik müzik, genellikle bestecinin zamanının popüler müziğinden öğeler veya materyaller içerir. Örnekler arasında, Brahms'ın Akademik Festival Uvertürü'nde öğrenci şarkılarını içmesi gibi ara sıra müzik , Kurt Weill'in The Threepenny Opera'sında örneklenen türler ve cazın Maurice Ravel de dahil olmak üzere 20. yüzyılın başlarında ve ortalarında besteciler üzerindeki etkisi sayılabilir . keman ve piyano sonatındaki "Blues" adlı hareket. Bazı postmodern , minimalist ve postminimalist klasik besteciler, popüler müziğe borçlu olduklarını kabul ediyor.

Klasik müziğe dayalı popüler şarkılar , 1970'lerden beri Pachelbel'in Canon'unun kullanıldığı kullanım ve klasik müzisyenlerin popüler müzik arenasında başarıya ulaştığı müzikal geçiş fenomeni dahil olmak üzere çok sayıda örnek etkiyi ters yönde gösteriyor. Heavy metalde , Ritchie Blackmore ve Randy Rhoads da dahil olmak üzere bir dizi baş gitarist ( elektro gitar çalıyor ), çalma tarzlarını Barok veya Klasik dönem enstrümantal müziğine göre modelledi.

Halk Müziği

Klasik müzik bestecileri genellikle halk müziğinden (genellikle klasik eğitim almamış müzisyenler tarafından, genellikle tamamen sözlü bir gelenekten yaratılan müzik) yararlanmışlardır. Dvořák ve Smetana gibi bazı besteciler eserlerine milliyetçi bir hava katmak için halk temalarını kullanırken, Bartók gibi diğerleri halk müziği kökenlerinden tamamen alınmış belirli temalar kullanmışlardır. Khachaturian , anavatanı Ermenistan'ın halk müziğini ve aynı zamanda Orta Doğu ve Doğu Avrupa'daki diğer etnik grupları da çalışmalarına geniş ölçüde dahil etti.

ticarileştirme

Radyo yayıncılığının ve plak dükkanının gelişiyle birlikte , canlı klasik müzik performansları derleme CD'lerinde derlendi. ( Tower Records için WQXR , 1986)

Klasik müziğin belirli temelleri genellikle ticari olarak kullanılır (reklamlarda veya film müziklerinde). Televizyon reklamlarında, özellikle Richard Strauss'un Also sprach Zarathustra'sının ( 2001: A Space Odyssey filmiyle ünlendi ) açılışı ve Carl Orff'un Carmina Burana'sının açılış bölümü " O Fortuna " olmak üzere birçok pasaj klişe haline geldi ; diğer örnekler arasında Verdi Requiem'den " Dies irae " , Edvard Grieg'in Peer Gynt'ten " In the Hall of the Mountain King " , Beethoven'ın 5. Senfonisi'nin açılış ölçüleri , Wagner'in " Ride of the Valkyries " sayılabilir. " Die Walküre'den , Rimsky-Korsakov'un " Flight of the Bumblebee " sinden ve Aaron Copland'ın Rodeo'sundan alıntılar . Animasyonun Altın Çağı'ndan birkaç eser , aksiyonu klasik müzikle eşleştirdi. Dikkate değer örnekler, Walt Disney'in Fantasia'sı , Tom ve Jerry'nin Johann Mouse'u ve Warner Bros.'un Sevilla Tavşanı ve Opera Nedir, Doc ?

Benzer şekilde, filmler ve televizyon, incelik veya zenginliği iletmek için genellikle klasik müziğin standart, klişe alıntılarına geri döner: Bu kategoride en sık duyulan parçalardan bazıları Bach'ın Cello Suite No. 1 , Mozart'ın Eine kleine Nachtmusik , Vivaldi'dir . Dört Mevsim , Mussorgsky'nin Kel Dağda Gece ( orkestrasını Rimsky-Korsakov'un üstlendiği şekliyle) ve Rossini'nin " William Tell Uvertürü " . Shawn Vancour, 20. yüzyılın başlarında klasik müziğin ticarileştirilmesinin, yetersiz temsil nedeniyle müzik endüstrisine zarar vermiş olabileceğini savunuyor.

Eğitim

1990'larda, " Mozart etkisi " olarak adlandırılan şey hakkında birçok araştırma makalesi ve popüler kitap yazıldı: Mozart'ın eserlerini dinlemenin bir sonucu olarak belirli testlerde puanlarda gözlemlenen geçici, küçük bir artış. Yaklaşım, Don Campbell tarafından yazılan bir kitapta popüler hale getirildi ve Nature'da yayınlanan ve Mozart dinlemenin öğrencilerin IQ'sunu geçici olarak 8 ila 9 puan artırdığını öne süren bir deneye dayanıyor. Teorinin bu popülerleştirilmiş versiyonu, New York Times müzik köşe yazarı Alex Ross tarafından kısa ve öz bir şekilde ifade edildi : "araştırmacılar ... Mozart dinlemenin sizi gerçekten daha akıllı yaptığına karar verdiler." Organizatörler, etki yarattığını iddia ettikleri CD'leri pazarladılar. Florida, devlet okullarındaki yeni yürümeye başlayan çocukların her gün klasik müzik dinlemesini gerektiren bir yasa çıkardı ve 1998'de Georgia valisi, Georgia'da doğan her çocuğa bir klasik müzik kaseti veya CD'si sağlamak için yılda 105.000 $ bütçe ayırdı. Mozart etkisinin orijinal çalışmalarının ortak yazarlarından biri, "Bunun zarar verebileceğini düşünmüyorum. Çocuklara harika kültürel deneyimler yaşatmaktan yanayım. Ama paranın müzik eğitimine daha iyi harcanabileceğini düşünüyorum. programlar."

Referanslar

notlar

alıntılar

kaynaklar

Kitabın

Dergi ve ansiklopedi makaleleri

daha fazla okuma

Dış bağlantılar