Performans sanatları - Performing arts

Vikipedi, özgür ansiklopedi
Dans, tüm dünyada uygulanan bir gösteri sanatı türüdür.

Sahne sanatları seyirci için yapılır böyle müzik, dans ve drama sanatları vardır. Sanatçıların fiziksel veya statik sanat nesneleri yaratmak için boya, tuval veya çeşitli malzemeleri kullandıkları görsel sanatlardan farklıdır . Gösteri sanatları, tiyatro, müzik ve dans da dahil olmak üzere canlı bir izleyici önünde gerçekleştirilen bir dizi disiplini içerir.

Tiyatro, müzik, dans ve nesne manipülasyonu ve diğer türden performanslar tüm insan kültürlerinde mevcuttur. Müzik tarihinin ve dans tarihine kez tarih öncesi oysa sirk becerileri en azından için tarih Antik Mısır . Birçok sahne sanatları profesyonelce icra edilir. Performans, tiyatro ve opera binası gibi amaca uygun olarak inşa edilmiş binalarda, festivallerde açık hava sahnelerinde, sirk gibi çadırlarda sahnelerde ve sokakta olabilir.

Seyirci önünde canlı performanslar bir eğlence biçimidir. Ses ve video kaydının geliştirilmesi , gösteri sanatlarının özel tüketimine olanak sağlamıştır.

Gösteri sanatları genellikle kişinin duygularını ve duygularını ifade etmeyi amaçlar.

Performansçılar

Kyoto, Japonya'da performans sanatçıları

Seyirci önünde sahne sanatlarına katılan sanatçılara sanatçı denir. Bunların örnekleri arasında oyuncular, komedyenler, dansçılar, sihirbazlar , sirk sanatçıları, müzisyenler ve şarkıcılar bulunur. Sahne sanatları ayrıca şarkı yazarlığı, koreografi ve sahne tasarımı gibi ilgili alanlardaki çalışanlar tarafından da desteklenmektedir .

Oyunculuk, şarkı söyleme ve dans etmede başarılı olan bir sanatçı, genellikle üçlü tehdit olarak adlandırılır . Tarihi üçlü tehdit eğlendiricilerinin bilinen örnekleri arasında Gene Kelly , Fred Astaire , Judy Garland , Sammy Davis Jr. , Beyoncé , Madonna , Jennifer Lopez , Justin Timberlake , Selena Gomez ve Lady Gaga sayılabilir .

Oyuncular genellikle kostümler ve sahne makyajı , sahne aydınlatması ve ses gibi görünümlerini uyarlarlar .

Türler

Gösteri sanatları; dans, müzik, opera, tiyatro ve müzikal tiyatro, sihir , illüzyon , pandomim , sözlü sözler , kukla , sirk sanatları , performans sanatını içerebilir .

Sanatçılar hangi ince bir sanat uzman formu da vardır gerçekleştirmek bir hedef kitleye canlı işlerini. Buna performans sanatı denir. Çoğu performans sanatı, belki de sahne tasarımında bir tür plastik sanatı da içerir . Dans genellikle olarak sevk edildi plastik sanat sırasında Modern dans dönemin.

Tiyatro

Tiyatro, konuşma, jest, müzik, dans, ses ve gösterinin bir kombinasyonunu kullanarak seyirci önünde hikayeleri canlandırmakla ilgilenen sahne sanatları dalıdır. Bu unsurlardan herhangi biri veya daha fazlası, gösteri sanatları olarak kabul edilir. Oyunların standart anlatı diyalog tarzına ek olarak tiyatro, oyunlar, müzikaller, opera, bale, illüzyon , pandomim , klasik Hint dansı , kabuki , mummer oyunları , doğaçlama tiyatro , komedi, pandomim ve geleneksel olmayan veya postmodern tiyatro , postdramatik tiyatro veya performans sanatı gibi çağdaş biçimler .

Dans

Sahne sanatları bağlamında dans , genellikle bir performans ortamında izleyici eğlencesinin bir biçimi olarak kullanılan, tipik olarak ritmik ve müzik olan insan hareketini ifade eder . Dansı neyin oluşturduğunun tanımları sosyal , kültürel , estetik , sanatsal ve ahlaki kısıtlamalara bağlıdır ve işlevsel hareketlerden ( halk dansları gibi) bale gibi kodlanmış virtüöz tekniklerine kadar uzanır.

Serbest Dans tarzı adıyla 19. - 20. yüzyılda ortaya çıkan modern bir dans türü daha vardır. Bu dans biçimi, fiziksel ve ruhsal özgürlük gibi özellikler içeren uyumlu bir kişilik yaratmak için yapılandırıldı. Isadora Duncan , "geleceğin kadını" hakkında tartışan ve Nietzsche'nin "özgür zihinde yüce akıl" fikrini kullanarak yeni koreografi vektörü geliştiren ilk kadın dansçıydı .

Dans güçlü bir dürtüdür, ancak dans sanatı, yetenekli sanatçılar tarafından yoğun bir şekilde ifade edici hale gelen ve kendi başlarına dans etmek istemeyen izleyicileri memnun edebilecek bir şeye kanalize edilen dürtüdür. Dans sanatının bu iki kavramı - güçlü bir dürtü olarak dans ve büyük ölçüde profesyonel bir azınlık tarafından uygulanan ustalıkla koreografiye alınmış bir sanat olarak dans - konuyla ilgili herhangi bir değerlendirmeden geçen en önemli iki bağlantı fikridir. Dansta, iki kavram arasındaki bağlantı diğer bazı sanatlardakinden daha güçlüdür ve hiçbiri diğeri olmadan var olamaz.

Koreografi, dans yapma sanatıdır ve bu sanatı uygulayan kişiye koreograf denir.

Müzik

Müzik, ses yaratmak için perde , ritim ve dinamiği birleştiren bir sanat biçimidir . Çeşitli enstrümanlar ve stiller kullanılarak icra edilebilir ve folk , caz , hip hop , pop ve rock gibi türlere ayrılmıştır . Bir sanat formu olarak, müzik canlı veya kaydedilmiş formatlarda gerçekleşebilir ve planlanabilir. veya doğaçlama.

Sofokles , Nordisk familjebok'ta tasvir edildiği gibi .

Müzik çok yönlü bir sanat olduğu için, dansta fiziksel hareketlerin yaptığı gibi, şarkılar için kullanılan kelimelerle kolayca koordine olur. Dahası, duygularımızı etkilediği için insan davranışlarını şekillendirme kabiliyetine sahiptir.

Tarih

Batı sahne sanatları

MÖ 6. yüzyılda başlayan Klasik sahne sanatları dönemi , Sofokles gibi trajik şairlerin başlattığı Yunanistan'da başladı . Bu şairler, bazı durumlarda dansı birleştiren oyunlar yazdılar (bkz. Euripides ). Helenistik dönem komedi yaygın kullanımı başladı.

Bununla birlikte, MS 6. yüzyılda, Karanlık Çağların başlamasıyla birlikte Batı sahne sanatları büyük ölçüde sona ermişti . 9. yüzyıl ile 14. yüzyıl arasında Batı'da sahne sanatları , Kilise tarafından kutsal günleri ve diğer önemli olayları kutlamak için düzenlenen dini tarihi canlandırmalar ve ahlak oyunları ile sınırlıydı .

Rönesans

15. yüzyılda performans sanatları, genel olarak sanatla birlikte, İtalya'da Rönesans başladığında ve Avrupa oyunlarına yayılırken bir canlanma gördü, bunlardan bazıları dans içeren, icra edilen ve Domenico da Piacenza , terimin ilk kullanımıyla anıldı. baletti veya balli için danza (dans) yerine ballo ( De Arte Saltandi et Choreas Ducendi'de ) . Terim sonunda Bale oldu . İlk Bale se başına olduğu düşünülmektedir Balthasar de Beaujoyeulx 'ın Bale Comique de la Reine (1581).

Commedia dell'arte bir vagonla topluluğu tarafından, Jan Miel , 1640

16. yüzyılın ortalarında Commedia Dell'arte doğaçlama kullanımını tanıtarak Avrupa'da popüler oldu . Bu dönem aynı zamanda İngiltere'deki profesyonel tiyatro şirketlerinin yanı sıra müzik, dans ve özenli kostümler içeren Elizabeth maskesini tanıttı . William Shakespeare'in 16. yüzyılın sonlarındaki oyunları bu yeni profesyonel performans sınıfından geliştirildi.

1597'de ilk opera olan Dafne yapıldı ve 17. yüzyıl boyunca opera , Avrupa'nın çoğunda aristokrasinin ve nihayetinde Avrupa'daki şehir ve kasabalarda yaşayan çok sayıda insan için hızla tercih edilen eğlence haline geldi .

Modern çağ

17. yüzyılda İtalya'da sahne önü kemerinin tanıtılması, bugüne kadar devam eden geleneksel tiyatro formunu oluşturdu. Bu arada İngiltere'de Püritenler 1660'a kadar süren gösteri sanatlarını durdurarak oyunculuğu yasakladılar. Bundan sonra kadınlar hem Fransız hem de İngiliz oyunlarında yer almaya başladılar. Fransızlar, 17. yüzyılın sonlarında resmi bir dans eğitimi başlattı.

Ayrıca bu süre zarfında ilk oyunlar Amerikan Kolonilerinde oynanmıştır .

18. yüzyılda, popüler opera buffasının tanıtımı operayı kitlelere erişilebilir bir performans biçimi olarak getirdi. Mozart 'ın Figaro'nun evliliğin ve Don Giovanni 18. yüzyılın sonlarında operanın yapı taşlarıdır.

19. yüzyılın başında Beethoven ve Romantik hareket , önce büyük opera gösterilerine ve ardından Giuseppe Verdi'nin müzikal dramalarına ve Richard'ın operalarının Gesamtkunstwerk'e (toplam sanat eseri) götüren yeni bir dönemi başlattı. Wagner, doğrudan 20. yüzyılın müziğine öncülük ediyor.

19. yüzyıl, tüm sosyal sınıflar için sahne sanatları, tiyatrolara gaz lambası tanıtımı , burlesque , ozan dansları ve çeşitli tiyatrolar gibi teknik gelişmeler için bir büyüme dönemiydi . Balede kadınlar, daha önce erkek egemen olan sanatta büyük ilerleme kaydederler.

Isadora Duncan , özgür dansın geliştiricilerinden biri .

Modern dans , geleneksel balenin kısıtlamalarına yanıt olarak 19. yüzyılın sonlarında ve 20. yüzyılın başlarında başladı.

Konstantin Stanislavski 'ın 'Sistem' 20. yüzyılın başlarında hareket devrim ve geçerli güne sahne ve ekran aktörler üzerinde büyük bir etkisi bulunmaya devam ediyor. Bu dönemde hem izlenimcilik hem de modern gerçekçilik sahneye tanıtıldı.

Gelişi Sergei Diaghilev 'ın rus balesi (1909-1929), en önemlisi koreograf, dansçı, set tasarımcıları / sanatçılar, besteciler ve müzisyenler getiren işbirliğine Diaghilev'in en vurgu yoluyla birlikte Batı dünya çapında genel olarak bale ve sahne sanatları devrim baleyi yeniden canlandırın ve devrim yaratın. Son derece karmaşıktır.

19. yüzyılın sonlarında Thomas Edison tarafından sinema filminin icadı ve 20. yüzyılın başlarında Hollywood'da sinema endüstrisinin büyümesiyle , film 20. ve 21. yüzyıllar boyunca baskın bir performans ortamı haline geldi.

Siyah Amerika'nın kültürel bir fenomeni olan ritim ve blues , 20. yüzyılın başlarında ön plana çıktı; uluslararası olarak daha sonraki bir dizi popüler müzik stilini etkilemek.

1930'larda Jean Rosenthal , Broadway müzikali Amerika Birleşik Devletleri'nde bir fenomen haline geldikçe , sahnenin doğasını değiştirerek, modern sahne aydınlatmasına dönüşecek şeyi tanıttı .

Savaş sonrası

İkinci Dünya Savaşı sonrası sahne sanatları, Batı dünyasında hem bale hem de operanın yeniden canlanmasıyla öne çıktı.

La Chaux-de-Fonds'ta modern sokak tiyatrosu performansı

Sahne sanatlarında postmodernizm , 1960'lara büyük ölçüde egemen oldu.

Doğu sahne sanatları

Orta Doğu

Kaydedilen en eski tiyatro olayı , Antik Mısır'ın tutku oyunlarıyla MÖ 2000 yılına kadar uzanıyor . Tanrı Osiris'in bu hikayesi, tiyatro ve din arasındaki uzun bir ilişkinin bilinen başlangıcını işaret ederek, medeniyet boyunca her yıl festivallerde sahnelendi.

Tiyatronun en popüler formları ortaçağ İslam dünyasında idi kukla (el kuklaları dahil tiyatro gölge oyunlarını ve kukla yapımları) ve canlı tutku oynar diye bilinen ta'ziya aktörler gelen bölüm-sahnelemek yeniden, Müslüman geçmişi . Özellikle, Şii İslam etrafında dönüyordu oynar ŞEHİD ait (şehitlik) Ali 'nin oğulları Hasan bin Ali ve Hüseyin bin Ali . Canlı laik oyunlar olarak bilinen akhraja ortaçağ kaydedilen, Adab onlar kukla ve daha az yaygın olsa, literatürde ta'ziya tiyatro.

İran

In İran gibi teatral olayların diğer formları vardır Naghali (öykü anlatma), Ru-Howzi , Siah-Bazi , Parde-Khani , Mareke giri .

Hindistan

Bharatanatyam ,
Tamil Nadu kökenli bir Hint klasik dansı
Gotikua halk dansları, Hintli kadın kıyafetleri
Saree giymiş tüm erkek gruplarının sergilediği iyi bilinen performanslardan biridir.

Halk tiyatro ve drama dini bir ritüelden takip edilebilir Vedik halkları içinde 2 binyıl . Puslu geçmişin bu halk tiyatrosu, dans, yemek, ritüelizm ve ayrıca günlük yaşamdan olayların tasviri ile karıştırıldı. Son unsur, onu daha sonraki zamanların klasik tiyatrosunun kökeni haline getirdi. Pek çok tarihçi, özellikle DD Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, vb ., Kabilenin bazı üyelerinin vahşi hayvanlar ve bazılarının da avcı gibi davrandığı Hint-Aryan kabileleri arasında ritüelizmin yaygınlığından bahsetmiştir . Keçi, manda, ren geyiği, maymun vb. Memeliler gibi davrananlar, avcı rolü oynayanlar tarafından kovalandı.

Bharata Muni (MÖ 5. – 2. yüzyıl), en çok Aristoteles ile karşılaştırılan tiyatro, dans, oyunculuk ve müzik dahil olmak üzere Hint sahne sanatları üzerine teorik bir inceleme olan Natya Shastra of Bharata'yı yazmasıyla tanınan eski bir Hintli yazardı. s' Poetics . Bharata genellikle Hint tiyatro sanatlarının babası olarak bilinir. Onun Natya Shastra sistematik bir biçimde drama tekniğini daha doğrusu sanatı geliştirmek için ilk girişim gibi görünüyor. Natya Shastra bize sadece bir dramada neyin tasvir edileceğini değil, aynı zamanda tasvirin nasıl yapılacağını da anlatıyor. Drama, Bharata Muni'nin dediği gibi, erkeklerin ve yaptıklarının taklididir ( loka-vritti ). Erkeklere ve yaptıklarına sahnede saygı duyulması gerektiği için, Sanskritçe drama, canlandırma anlamına gelen roopaka terimiyle de bilinir .

Ramayana ve Mahabharata Hindistan kökenli ilk tanınan oyunlarını düşünülebilir. Bu destanlar, en eski Hint oyun yazarlarına ilham kaynağı oldu ve bunu bugün bile yapıyorlar. MÖ 2. yüzyılda Bhāsa gibi Hintli oyun yazarları , ağırlıklı olarak Ramayana ve Mahabharata'dan esinlenen oyunlar yazdılar .

MÖ 1. yüzyılda Kālidsa , muhtemelen eski Hindistan'ın en büyük oyun yazarı olarak kabul edilir. Kālidāsa tarafından yazılan üç ünlü romantik oyun Mālavikāgnimitram ( Mālavikā ve Agnimitra ), Vikramōrvaśīyam ( Vikrama ve Urvashi'ye İlişkin ) ve Abhijñānaśākuntala'dır ( Shakuntala'nın Tanınması ). Sonuncusu Mahabharata'daki bir hikayeden esinlenmiştir ve en ünlüsüdür. İngilizce ve Almanca'ya ilk çevrilen oydu. Destanlardan yoğun bir şekilde yararlanan Bhāsa ile karşılaştırıldığında, Kālid originalsa orijinal bir oyun yazarı olarak kabul edilebilir.

Bir sonraki büyük Hintli oyun yazarı Bhavabhuti idi (c. 7. yüzyıl). Şu üç oyunu yazdığı söyleniyor: Malati-Madhava , Mahaviracharita ve Uttar Ramacharita . Bu üçünden son ikisi aralarındaki Ramayana destanının tamamını gizler . Güçlü Hint imparatoru Harsha (606–648) üç oyun yazmış olmakla tanınır : komedi Ratnavali , Priyadarsika ve Budist dram Nagananda . Orta Çağ boyunca birçok oyun yazarı bunu takip etti .

Hindistan'ın güney kesiminde pek çok gösteri sanatı formu vardı, Kerala, Koodiyattam , Nangyarkoothu , Kathakali , Chakyar koothu , Thirayattam gibi farklı sanat formlarına sahip bir devlet ve Painkulam Raman Chakyar ve diğerleri gibi birçok önde gelen sanatçı vardı .

Çin

El gölge draması, Çin

MÖ 1500 gibi erken bir tarihte Shang hanedanlığı döneminde Çin'deki tiyatro eğlencelerine referanslar vardır ; genellikle müzik, palyaço ve akrobatik gösteriler içeriyorlardı.

Tang hanedanı bazen "1000 Eğlence Çağı" olarak bilinir. Bu dönemde, İmparator Xuanzong , öncelikle müzikal olan bir drama biçimi üretmek için Armut Bahçesinin Çocukları olarak bilinen bir oyunculuk okulu kurdu .

Han Hanedanlığı döneminde, gölge kuklası ilk olarak Çin'de tanınan bir tiyatro türü olarak ortaya çıktı. İki farklı gölge kuklası biçimi vardı, Kanton güney ve Pekingese kuzeyi. İki stil, kuklaların oynadığı oyun türünün aksine, kuklaların yapım yöntemi ve çubukların kuklaların üzerine konumlandırılmasıyla farklılaştı. Her iki stil de genellikle büyük macera ve fanteziyi tasvir eden oyunlar oynadı, nadiren siyasi propaganda için kullanılan bu çok stilize edilmiş tiyatro biçimiydi. Kanton gölge kuklaları ikisinden daha büyüktü. Daha önemli gölgeler yaratan kalın deri kullanılarak inşa edildi. Sembolik renk de çok yaygındı; siyah bir yüz dürüstlüğü, kırmızı bir cesareti temsil ediyordu. Kanton kuklalarını kontrol etmek için kullanılan çubuklar, kuklaların kafalarına dik olarak tutturulmuştu. Böylece gölge yaratıldığında seyirciler tarafından görülmediler. Pekingese kuklaları daha narin ve daha küçüktü. Genellikle bir eşeğin karnından alınan ince, yarı saydam deriden yaratılmışlardır. Canlı boyalarla boyandılar, böylece çok renkli bir gölge oluşturdular. Hareketlerini kontrol eden ince çubuklar kuklanın boynundaki deri bir tasmaya tutturulmuştur. Çubuklar, kuklanın gövdelerine paralel olarak ilerledi ve boyuna bağlanmak için doksan derecelik bir açıyla döndü. Bu çubuklar, gölge atıldığında görünür haldeyken, kuklanın gölgesinin dışına koydular; böylece figürün görüntüsüne müdahale etmediler. Tek gövdeli birden fazla kafanın kullanımını kolaylaştırmak için boyunlara takılan çubuklar. Başlıklar kullanılmadığı zamanlarda muslin kitap veya kumaş astarlı bir kutuda saklanırdı. Kafalar her zaman geceleri çıkarılırdı. Bu, bozulmadan bırakılırsa kuklaların gece canlanacağına dair eski batıl inançla uyumluydu. Bazı kuklacılar, kuklaları yeniden canlandırma olasılığını daha da azaltmak için kafaları bir kitapta ve cesetleri başka bir kitapta saklayacak kadar ileri gittiler. Gölge kuklacılığının, hükümetin bir aracı haline gelmeden önce 11. yüzyılda en yüksek sanatsal gelişim noktasına ulaştığı söyleniyor.

In Şarkı hanedanı içeren birçok popüler oyunlar vardı akrobasi ve müzik. Bunlar Yuan hanedanlığında dört veya beş perdeli bir yapıya sahip daha sofistike bir forma dönüştü. Yuan draması Çin'e yayıldı ve çok sayıda bölgesel formda çeşitlendi; bunlardan en bilineni, günümüzde hala popüler olan Pekin Operası'dır.

Tayland

Hanuman arabasının üzerinde, bir sahne Ramakien içinde Wat Phra Kaew , Bangkok

In Tayland , bu Ortaçağ'dan Hint destanları alınan araziler dayalı sahne oyunlara bir gelenek olmuştur. Özellikle, Hint Ramayana'nın bir versiyonu olan Tayland'ın ulusal destanı Ramakien'in teatral versiyonu bugün bile Tayland'da popülerliğini koruyor.

Kamboçya

In Kamboçya , 6 yüzyıla dayanan yazıtlar AD yerel tapınağında dansçıların delilleri ve dini oyunları için kullanan kukla gösterir. Antik başkent Angkor Wat'ta , tapınakların ve sarayların duvarlarına Hint destanları Ramayana ve Mahabharata'dan hikayeler oyulmuştur. Endonezya'daki Borobudur'da da benzer kabartmalar bulunur .

Japonya

Kabuki oyun
Kagoshima'da Performans

14. yüzyılda Japonya'da kısa, bazen kaba komediler yapan küçük oyuncular vardı. Bu şirketlerden biri olan Kan'ami'nin (1333–1384) bir yönetmeninin, Japonya'nın en iyi çocuk oyuncularından biri olarak kabul edilen Zeami Motokiyo (1363–1443) adında bir oğlu vardı . Kan'ami'nin kumpanyası Japonya'nın shgun'u Ashikaga Yoshimitsu (1358–1408) için performans sergilediğinde , Zeami'ye sanatı için mahkeme eğitimi alması için yalvardı. Zeami babasının yerine sonra gerçekleştirmek ve bugünkü haline tarzını adapte devam Noh . Pantomim ve vokal akrobasisinin bir karışımı olan Noh tiyatro tarzı, Japonya'nın en rafine tiyatro performanslarından biri haline geldi.

Japonya, uzun bir iç savaş ve siyasi kargaşa döneminden sonra, esasen shōgun Tokugawa Ieyasu (1600-1668) nedeniyle birleşti ve barış içindeydi. Ancak, Hristiyan misyonerlerin din değiştirme çabaları nedeniyle ülke içinde artan Hristiyan sayısından alarma geçerek Japonya'dan Avrupa ve Çin'e olan iletişimi kesti ve Hıristiyanlığı yasadışı ilan etti. Barış geldiğinde, kültürel etkinin gelişmesi ve büyüyen tüccar sınıfı kendi eğlencesini talep etti. Gelişen ilk tiyatro biçimi Ningyō jōruri'dir (genellikle Bunraku olarak anılır ). Ningyo Joruri e kurucusu ve ana katkıyı Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), gerçek bir sanat formu haline tiyatro onun şeklini çevirdi. Ningyō jōruri, günümüzde bir insanın yaklaşık 1 / 3'ü boyutunda olan , kuklaların kullanıldığı oldukça stilize edilmiş bir tiyatro biçimidir . Kuklaları kontrol eden adamlar, kuklanın başını ve sağ kolunu çalıştırıp performans sırasında yüzlerini göstermeyi seçtiklerinde, tüm yaşamlarını usta kuklacı olmak için eğitirler. Kuklanın daha az önemli uzuvlarını kontrol eden diğer kuklacılar, görünmezliklerini ima etmek için kendilerini ve yüzlerini siyah bir kılıkla örterler. Diyalog, farklı karakterleri simüle etmek için çeşitli ses tonları ve konuşma tarzları kullanan tek bir kişi tarafından ele alınır. Chikamatsu yaşamı boyunca, çoğu bugün hala kullanılan binlerce oyun yazdı.

Kabuki , Bunraku'dan kısa bir süre sonra başladı, efsaneye göre 16. yüzyılın sonlarında yaşayan Okuni adlı bir aktris. Kabuki'nin malzemelerinin çoğu Noh ve Bunraku'dan geldi ve düzensiz dans tarzı hareketleri de Bunraku'nun bir etkisidir. Bununla birlikte, kabuki, Noh'dan daha az resmi ve daha uzak, ancak Japon halkı arasında çok popüler. Oyuncular dans, şarkı söyleme, pandomim ve hatta akrobasi gibi pek çok farklı konuda eğitilmişlerdir. Kabuki önce genç kızlar, sonra genç erkekler tarafından icra edildi ve 16. yüzyılın sonunda kabuki şirketleri tüm erkeklerden oluşuyordu. Sahnede kadınları canlandıran erkekler, ince hareketlerinde ve jestlerinde bir kadının özünü ortaya çıkarmak için özel olarak eğitildi.

Afrika sahne sanatları tarihi

Amerika'da sahne sanatları tarihi

Okyanusya'da sahne sanatları tarihi

Ayrıca bakınız

Referanslar

Dış bağlantılar