orkestrasyon -Orchestration

Carl Maria von Weber'in 1820'lerde yazdığı Der Freischütz operasının 2. Perdesi için elle yazılmış bir müzik notası. Skor, şarkıcılar için tüm bölümleri ve orkestra için eşlik eden bölümleri ve melodileri içerir .

Orkestrasyon , bir orkestra için (veya daha gevşek bir şekilde, bir konser grubu gibi herhangi bir müzik topluluğu için) müzik yazma veya bir orkestra için başka bir ortam için bestelenmiş müziği uyarlama çalışması veya uygulamasıdır. "Enstrümantasyon" olarak da adlandırılan orkestrasyon, farklı enstrümanların bir müzik eserinin farklı bölümlerini (örneğin melodi , bas hattı vb.) çalması için atanmasıdır. Örneğin, solo piyano için bir eser, bir orkestranın parçayı seslendirebilmesi için uyarlanıp orkestrasyona tabi tutulabilir veya bir konser grubu parçası, bir senfoni orkestrası için orkestrasyona tabi tutulabilir.

Klasik müzikte , besteciler tarihsel olarak kendi müziklerini yönetmişlerdir . Orkestracılık, müzik tarihi boyunca ancak kademeli olarak kendi içinde ayrı bir beste sanatı ve mesleği olarak görülmeye başlandı. Modern klasik müzikte, besteciler neredeyse her zaman kendi eserlerini yönetirler.

Bununla birlikte, müzikal tiyatro , film müziği ve diğer ticari ortamlarda, zaman kısıtlamaları ve / veya bestecilerin eğitim düzeyi müziği kendilerinin orkestrasyonunu engelleyebileceğinden, orkestratörleri ve aranjörleri bir dereceye kadar kullanmak gelenekseldir.

Orkestratörün film müziğindeki kesin rolü oldukça değişkendir ve büyük ölçüde söz konusu bestecinin ihtiyaçlarına ve becerilerine bağlıdır.

Müzikal tiyatroda, besteci tipik olarak bir piyano/vokal notası yazar ve ardından pit orkestrasının çalması için enstrümantal partisyon oluşturmak üzere bir aranjör veya orkestratör tutar.

Caz büyük gruplarında , besteci veya söz yazarı melodiyi ve akorları içeren ana sayfayı yazar ve ardından bir veya daha fazla orkestratör veya aranjör saksafonlar, trompetler, trombonlar için parçalar oluşturarak bu temel müzikal fikirleri "etlendirir". ritim bölümü ( bas, piyano/ caz gitar / Hammond org , davul).

meslek olarak

Bir orkestratör , bir besteci tarafından yazılmış bir müzik parçasından bir orkestraya veya başka bir müzik topluluğuna enstrümanlar atayan veya başka bir ortam için bestelenmiş müziği bir orkestra için uyarlayan eğitimli bir müzik uzmanıdır. Orkestratörler, müzikal tiyatro yapımları, film yapım şirketleri veya kayıt stüdyoları için çalışabilirler . Bazı orkestratörler kolejlerde, konservatuarlarda veya üniversitelerde ders verir. Orkestratörler tarafından yapılan eğitim değişiklik gösterir. Çoğu, Bachelor of Music (B.Mus.), Master of Music (M.Mus.) veya bir sanatçı diploması gibi, müzik alanında resmi orta öğretim sonrası eğitimi tamamlamıştır . Üniversitelerde, kolejlerde ve konservatuarlarda ders veren orkestra şeflerinin bir yüksek lisans veya Doktora derecesine (ikincisi bir Ph.D. veya DMA olabilir) sahip olmaları gerekebilir. Film şirketlerinde, müzikal tiyatro şirketlerinde ve diğer kuruluşlarda çalışan orkestra şefleri, akademik yeterliliğe sahip olmasalar bile yalnızca orkestrasyon deneyimlerine göre işe alınabilirler. 2010'larda, son derece ve/veya Doktora derecelerine sahip fakülte yüzdesi, bir kurumun nasıl derecelendirildiğinin bir parçası olduğundan, bu, giderek artan sayıda lise sonrası kurumun son derece ve/veya Doktora dereceleri istemesine neden olmaktadır.

Uygulamada

Spesifik anlamıyla orkestrasyon terimi, enstrümanların melodi , armoni veya ritim gibi herhangi bir müzikal yönü tasvir etmek için kullanılma biçimini ifade eder . Örneğin, bir C majör akoru C , E ve G notalarından oluşur . Notalar bir ölçünün tüm süresi boyunca tutulursa , besteci veya orkestratör bu akoru hangi enstrümanın/enstrümanların ve hangi kayıtta çalacağına karar vermek zorunda kalacaktır . Nefesli çalgılar ve üflemeliler de dahil olmak üzere bazı enstrümanlar tek seslidir ve bir seferde akorun yalnızca bir notasını çalabilir. Bununla birlikte, tam bir orkestrada bu enstrümanlardan birden fazla vardır, bu nedenle besteci akoru temel biçiminde bir klarnet veya trompet grubuyla (her birine akorun üç notasından biri verilen ayrı enstrümanlarla ) özetlemeyi seçebilir. ). Teller , piyano , arp ve perdeli perküsyon gibi diğer enstrümanlar polifoniktir ve aynı anda birden fazla nota çalabilir. Bu nedenle, orkestratör yaylıların Do majör akorunu çalmasını isterse, düşük Do'yu çellolara ve baslara, G'yi viyolalara ve ardından yüksek bir E'yi ikinci kemanlara ve bir E bir oktav daha yüksek atayabilirler. ilk kemanlara. Orkestratör, akorun yalnızca birinci ve ikinci keman tarafından çalınmasını isterse, ikinci kemanlara düşük bir C verebilir ve birinci kemanlara G (açık bir tel) ve E notalarından çift durak verebilir.

Ek olarak, orkestrasyonda, notalar başka bir kayda yerleştirilebilir ( baslar için transpoze gibi ), ikiye katlanabilir (hem aynı hem de farklı oktavlarda) ve çeşitli dinamik seviyeleriyle değiştirilebilir. Enstrümanların, kayıtların ve dinamiklerin seçimi genel ton rengini etkiler . Do majör akoru, üst kayıtlarında fortissimo çalan trompet ve trombonlar için düzenlenmiş olsaydı, kulağa çok parlak gelirdi; ama aynı akor, sul tasto çalan çellolar ve kontrbaslar için orkestra edilirse, fagotlar ve bas klarnet ile ikiye katlanırsa, kulağa ağır ve karanlık gelebilir.

Yukarıdaki örnekte bir akor orkestrasyonu tartışılmasına rağmen, bir melodi ve hatta tek bir nota bu şekilde orkestrasyona tabi tutulabilir. Ayrıca, kelimenin bu özel anlamında orkestrasyonun mutlaka bir orkestra ile sınırlı olmadığına dikkat edin, çünkü bir besteci aynı Do majör akorunu, örneğin bir nefesli beşli , yaylı dörtlü veya bir konser grubu için orkestrasyon yapabilir . Her farklı topluluk, orkestratörün/bestecinin farklı ton "renkleri" ve tınılar yaratmasını sağlar.

Bir melodi de orkestrasyona tabi tutulur. Besteci veya orkestratör, kafasında veya piyano veya org çalarken bir melodiyi düşünebilir. Bir melodi düşündüklerinde, hangi enstrümanın (veya enstrümanların) melodiyi çalacağına karar vermeleri gerekir. Bir melodi için yaygın olarak kullanılan bir yaklaşım, onu ilk kemanlara atamaktır. İlk kemanlar bir melodi çaldığında, besteci ikinci kemanların melodiyi bir oktav altında ikiye katlamasını veya ikinci kemanların bir armoni parçası (genellikle üçte ve altıncılarda) çalmasını sağlayabilir. Bazen, güçlü bir etki için, bir besteci partisyonda tüm yaylıların (keman, viyola, çello ve kontrbas) melodiyi aynı anda ahenk içinde çalacağını belirtir. Tipik olarak, enstrümanlar aynı nota adlarını çalıyor olsa da, kemanlar çok yüksek notalar çalacak, viyolalar ve çellolar daha düşük notalar çalacak ve kontrbaslar en derin, en düşük perdeleri çalacaktır.

Ayrıca nefesli çalgılar ve nefesli çalgılar , orkestratörün istediği etkiye bağlı olarak bir melodiyi etkili bir şekilde taşıyabilir. Trompetler bir melodiyi güçlü, yüksek tonda seslendirebilir . Alternatif olarak, eğer trombonlar bir melodi çalarsa, perde muhtemelen trompetten daha alçak olacak ve ton daha ağır olacak ve bu da yaratılan müzikal etkiyi değiştirebilecektir. Çellolara genellikle orkestrasyonda bir eşlik rolü verilirken , çellolara melodinin atandığı dikkate değer durumlar vardır. Daha da nadir durumlarda, kontrbas bölümüne (veya ana basa), Prokofiev'in Lieutenant Kije Süitindeki yüksek kayıtlı kontrbas solosu gibi bir melodi verilebilir .

Yaylı çalgılar veya nefesli çalgılar gibi belirli bir bölüme bir melodi atarken, telli çalgılar ve tüm nefesli çalgılar birbirine iyi karıştığı için, bazı orkestratörler melodiyi bir bölüme verir ve ardından melodiyi farklı bir şekilde ikiye katlar. bölüm veya farklı bir bölümden bir alet. Örneğin, ilk kemanlar tarafından çalınan bir melodi, melodiye ışıltılı, çan benzeri bir renk katacak olan glockenspiel tarafından ikiye katlanabilir. Alternatif olarak, piccolos tarafından çalınan bir melodi, sese parlak bir ton katacak olan celesta tarafından ikiye katlanabilir.

20. ve 21. yüzyılda çağdaş besteciler , bir gitar amplifikatörüyle çalınan elektro gitar , bir bas amplifikatörüyle çalınan elektrik bas , Theremin ve sentezleyici gibi elektrikli ve elektronik enstrümanları orkestraya dahil etmeye başladılar . Bu yeni enstrümanların eklenmesi, orkestratörlere orkestrasyonlarında ton renkleri yaratmak için yeni seçenekler sağladı. Örneğin, 20. yüzyılın sonlarında ve sonrasında, bir orkestratör, alışılmadık bir etki yaratmak için ilk kemanların çaldığı bir melodiyi, fütüristik ses veren bir sentezleyici veya bir teremin ile ikiye katlayabilirdi.

Orkestra enstrümantasyonu, kısaltılmış bir formül kuralıyla şu şekilde gösterilir: flüt , obua , klarnet , fagot , korna , trompet , trombon , tuba . Daha fazla ayrıntı parantez içinde bulunabilir. Bir nokta bir oyuncuyu diğerinden ayırır, eğik çizgi ikiye katlamayı gösterir. Timpani ve perküsyon 2Tmp+ perküsyon sayısı ile gösterilir.

Örneğin, 3[1.2.3/pic] 2[1.Eh] 3[1.2.3/Ebcl/bcl] 3[1.2/cbn.cbn] tmp+2 şu şekilde yorumlanır:

  • 3 flütçü, 3. pikoloda dublaj ("dublaj", icracının flüt ve pikolo çalabildiği anlamına gelir)
  • 2 obuacı, 2. kişi baştan sona İngiliz kornası çalıyor
  • 3 klarnetçi, 3. kişi de E-bemol klarnet ve bas klarnet üzerinde dublaj yapıyor
  • 3 fagotçu, 2. kontrafagotta ikiye katlama, 3. sadece kontra oynuyor
  • Timpani + 2 perküsyon.

Örnek olarak Mahler Symphony 2'nin notu şu şekildedir: 4[1/pic.2/pic.3/pic.4/pic] 4[1.2.3/Eh.4/Eh] 5[1.2.3/bcl.4/ Ebcl2.Ebcl] 4[1.2.3.4/cbn]- 10 8 4 1- 2tmp+4-2 hp- org- str.

Repertuardan örnekler

JS Bach

Barok döneminde besteciler, orkestrasyonun ifade potansiyeline dair artan bir farkındalık gösterdiler. Bazı erken dönem Barok eserlerinde, hangi enstrümanların çalması gerektiğine dair bir gösterge bulunmazken, enstrüman seçimi müzik grubunun liderine veya konser şefine bırakılmışken, belirli enstrümanları belirten Barok eserler de vardır. JS Bach'ın Magnificat , BWV 243 (1723) adlı eserinden 'et misericordia' aryasının orkestral eşliği, yumuşak enstrümantal tınıların ince bir kombinasyonu olan flütlerle ikiye katlanan yumuşak teller içerir .

Bach'ın Magnificat, BWV 243'ten 'et misericordia'ya orkestra girişi. Dinle

John Eliot Gardiner'in (2013, s. 328) "Bach'ın ilk Noel sezonunun taçlandıran ihtişamlarından biri" olarak tanımladığı , JS Bach'ın tezahürü Cantata Sie werden aus Saba alle kommen BWV 65'in açılış korosunun orkestral girişi, bestecinin ustalığını gösteriyor zanaatının. Sekiz çubukluk bir boşlukta, kayıt cihazlarını, obua da caccia'yı , kornaları ve yaylıları, ilk ölçüdeki bir telli pedal noktasına karşı sadece iki kornadan "yeniden ifadeye" kadar değişen, zıt tınılar, sesler ve dokulardan oluşan "ışıltılı bir parlaklık" yaratan yaylılar duyuyoruz . oktav unison teması, bu sefer beş oktava yayılan tüm sesler ve enstrümanlar tarafından” 7-8 ölçülerinde:

JS Bach'ın Cantata'sı BWV65'in açılış orkestral tanıtımı.
JS Bach'ın Cantata'sı BWV65'in açılış orkestral tanıtımı.

Igor Stravinsky (1959, s45), Bach'ın bir orkestratör olarak becerisine hayran kaldı: “Bach'ın enstrümantal yazısı ne kadar eşsiz. Keman kısımlarında reçine [(reçine)] kokusu [ve] obualarda kamışların tadı [ve] duyulabilir.”

Rameau

Jean Philippe Rameau , "tamamen yeni bir şey olan [onun] orkestral yazısının belagatiyle ünlüydü ... - tamamen 'modern' bir renk [(yani, ton rengi veya tını )] duygusuyla." Les Boréades (1763) adlı operasından 'The Entrance of Polymnie'de , baskın tel dokusu fagotta alçalan ölçekli figürlerle vurularak mükemmel bir tını karışımı yaratılır:

Rameau'nun Les Boréades'inden 'L'Entrée de Polymnie' .
Rameau'nun Les Boréades'inden 'L'Entrée de Polymnie' .

Hippolyte et Aricie operasının 'Rossignols amoureux' aryasında Rameau, solo bir kemanla harmanlanan iki flüt aracılığıyla aşık bülbüllerin sesini çağrıştırırken, kemanların geri kalanı arka planda uzun notalar çalar.

Hippolyte et Aricie'den Rameau 'Rossignols amoureux'
Hippolyte et Aricie'den Rameau 'Rossignols amoureux'

Haydn

Joseph Haydn senfonik formun öncüsüydü ama aynı zamanda orkestrasyonun da öncüsüydü. 97. Senfoni'nin minuet'inde , “ Rimsky-Korsakov'un neden Haydn'ı tüm orkestrasyon ustalarının en iyisi olarak ilan ettiğini görebiliriz. Bir Alman dans grubunun oom-pah-pah'ı, su ısıtıcısı davulları ve trompet pianissimo tarafından inanılmaz bir incelikle işleniyor ve rustik glissando ... kornalardaki zarif notaların yanı sıra iki katına çıkarak titiz bir zarafet veriyor. solo kemanla bir oktav daha yüksek melodi. Bu detayların karıştırılması değil, rahatlatılması amaçlanmaktadır; ayrı ayrı mükemmeller.”

Haydn, Symphony 97, üçüncü hareket, ölçüler 109-118
Haydn, Symphony 97, üçüncü hareket, ölçüler 109-117.png
Haydn, Symphony 97, üçüncü hareket, ölçüler 109-118

Haydn'ın orkestrasyonun uyumu nasıl destekleyebileceğini ne kadar iyi anladığını gösteren hayal gücünün ve ustalığının bir başka örneği, Senfoni No. 94'ün (“Sürpriz Senfoni”) ikinci bölümünün kapanış ölçülerinde bulunabilir. tellerdeki sürekli akorlar ise temaya “yumuşak ama çok ahenksiz bir uyumla” eşlik ediyor. Flüt, Kornalar ve timpani karışıma eklenir ve hepsi de bu atmosferik sonucu karakterize eden "esrarengiz dokunaklı hava"ya katkıda bulunur.

Haydn, Symphony 94, ikinci hareket çubukları 143-156
Haydn, Symphony 94, ikinci hareket çubukları 150-157.png
Haydn, Symphony 94, ikinci hareket çubukları 143-156

Mozart

Mozart , "akorların aralığına yönelik titiz bir tutum" da dahil olmak üzere, "orkestra yazımı söz konusu olduğunda enstrümantasyon ve enstrümantal etki konularına son derece duyarlıydı". HC Robbins Landon , "Mozart'ın notalarında sergilenen muhteşem renk cümbüşüne" hayret ediyor. Örneğin, Senfoni No. 39'un (K543) açılış bölümü, bestecinin tınıların harmanlanması ve kontrastı için mükemmel işitsel hayal gücünü gösteren “yaylılar ve nefesli çalgılar arasında büyüleyici bir diyalog” içerir . 102-3 çubukları , dört oktavlık bir aralıkta geniş aralıklı bir seslendirme özelliğine sahiptir. Birinci ve ikinci kemanlar, kontrbaslarda bir pedal noktası ve kornalarda sürekli bir oktav ile desteklenen, onda biri aralıklı, kıvrımlı paralel melodik çizgiler örüyor. Üflemeli çalgılar, çellolarda örümcek gibi yükselen bir kromatik çizginin eşlik ettiği 104–5 ölçülerinde yanıt verir .

Senfoni 39, ilk hareket, ölçüler 102-119
Senfoni 39, ilk hareket, ölçüler 102-105

Bunun zarif bir devamı, bas notaları sağlayan alt teller ile klarnet ve fagot içerir.

Senfoni 39, ilk hareket, ölçüler 106-109

Ardından, yalnızca yaylılar için bir cümle, pizzicato çelloları ve basları yaylı kemanlar ve viyolalarla harmanlar ve çoğunlukla üçte çalar:

Senfoni 39, ilk hareket, 110-114 ölçüleri

Nefesli çalgı bu dört ölçüyü kemanlarla birlikte tekrarlayarak çellolara ve arco çalan baslara karşı bir melodi ekler . Viyolalar, 115. ölçüdeki D bemolleriyle buraya çok önemli armonik renk katıyorlar. 1792'de, ilk dinleyicilerden biri bu hareketin "tarif edilemeyecek kadar büyük ve fikirler açısından zengin, neredeyse tüm obligato bölümlerinde çarpıcı çeşitlilikle" göz kamaştırıcı orkestrasyonuna hayret etti.

Senfoni 39, ilk hareket, 115-119 ölçüleri

"[Onun] orkestrasyonundaki ana özellik, Mozart'ın yoğunluğudur ve bu, elbette onun düşünce yoğunluğunun bir parçasıdır." Mozart'ın orkestrasyonunun bir diğer önemli tekniği, orkestradaki farklı gruplar arasında müzikal motiflerin veya "fikirlerin" "çağrı ve yanıt" alışverişi olan antiphony idi. Bir antifonal bölümde, besteci bir enstrüman grubunun melodik bir fikir ortaya koymasını sağlayabilir (örneğin, ilk kemanlar) ve ardından nefesli çalgıların bu melodik fikri, genellikle bir tür varyasyonla yeniden ifade ederek "cevap vermesini" sağlayabilir. Senfoni No. 41'den (1788) minuet'in üçlü bölümünde , flüt, fagot ve korna yaylılarla değiş tokuş cümleleri, ilk keman dizesi oktavda ilk obua tarafından ikiye katlandı :

Mozart'ın 41. Senfonisinden Minuet'in üçlü bölümü.
Mozart'ın 41. Senfonisinden Minuet'in üçlü bölümü.

Charles Rosen (1971, s. 240), Mozart'ın piyano konçertolarını, özellikle de karışıma klarnet katan bir eser olan Mi bemol majör Konçerto, K482'yi orkestrasyon yapma becerisine hayrandır . “Bu konçerto, neredeyse her zaman büyüleyici olan ton rengine müzikal olarak en büyük güveni veriyor. Sonoritelerinin güzel bir örneği başlangıca yaklaşıyor.

Mozart Piyano Konçertosu K482 ilk hareket çubukları 1-12
Mozart Piyano Konçertosu K482 ilk hareket çubukları 1-6

İlk iki ölçüdeki orkestral tutti , 2-6. ölçülerde sadece borular ve fagotla yanıtlanır. Bu pasaj yeni orkestrasyonla tekrar ediyor:

Mozart Piyano Konçertosu K482 ilk hareket çubukları 7–12.

“Burada solo klarnetler için bas sağlayan kemanlarda alışılmadık bir ses var. Sekansın sadeliği, tüm ilgimizi ton-renk üzerinde yoğunlaştırır ve takip eden şey - bir dizi nefesli solo - onu orada tutar. Aslında baştan sona orkestrasyon, Mozart'ın daha önce dilediğinden veya ihtiyaç duyduğundan daha fazla çeşitliliğe sahip ve ilk hareket ile finalin parlaklığına, çekiciliğine ve zarafetine uyuyor.

Beethoven

Beethoven'ın orkestrasyondaki yenilikçi ustalığı ve farklı enstrümantal renkleri vurgulama, kontrast oluşturma ve harmanlama etkisine ilişkin farkındalığı , Senfoni No. 2'nin Scherzo'sunda iyi bir örnektir . George Grove bizden "hem miktar hem de ses kalitesindeki ani zıtlıkları" not etmemizi istiyor... Önce tüm orkestraya, sonra tek bir kemana, sonra iki kornoya, sonra iki kemana, sonra yine tüm orkestraya sahibiz, hepsi de yarım boşluk içinde. -bir düzine çubuk.” "Puanlama, bunun bir çubuğu ve ardından bir çubuğu, neredeyse benzersizdir ve birçok oyuncunun hazırlıksız yakalanmış olması gerektiğinde ilk provada hüküm süren kaos görselleştirilebilir."

Beethoven, Senfoni 2 scherzo çubukları 1-8
Senfoni 2 scherzo çubukları 1-8

Beethoven'ın görünüşte çekici olmayan ve oldukça basit malzemeden maksimum çeşitliliği elde etme konusundaki mükemmel becerisinin bir başka gösterimi, Piyano Konçertosu No. 5 in E bemol ("İmparator") Opus 73'ün (1810) ilk bölümünde bulunabilir. Sonat formunun ikinci konusu, Fiske'ye göre (1970, s. 41) "özel olarak tasarlanmış olması gereken kornolarda çalınabilen notalarla sınırlı", aldatıcı derecede basit bir ezgidir. Bu tema, mod değişiklikleri (majörden minöre ), dinamikler ( forte'den pianissimo'ya ) ve cesurca ifade edilen tutti pasajlarından en incelikli ve farklı bölümlere kadar değişen enstrümantal renk karışımıyla hareket boyunca beş farklı orkestrasyonda görünür . sesler genellikle oldukça beklenmedik şekillerde birleştirilir:

Beethoven'ın Piyano Konçertosu No. 5'in (İmparator) ilk hareketinden ikinci konu teması
Beethoven'ın Piyano Konçertosu No. 5'in (İmparator) ilk hareketinden ikinci konu teması

Tema ilk olarak, kesik kesik artikülasyon kullanılarak gerçekleştirilen ve en narin ve büyüleyici renklerle orkestra edilen orkestra girişi sırasında minör modda görünür :

Temanın küçük versiyonu
Temanın küçük versiyonu.

Bunu, dizelerin eşlik ettiği kornalar ile majör anahtarın daha basit bir versiyonu izler. Tema artık fagotlarda sürekli bir pedal noktası eşliğinde kornalarla legato olarak çalınıyor . Kemanlar aynı anda temanın ayrıntılı bir versiyonunu çalar. (Ayrıca heterofoniye bakın .) Timpani ve pizzicato alt teller, bu alacalı ses paletine daha fazla renk katar. "Notaların neredeyse aynı olduğu düşünüldüğünde, etkideki fark olağanüstü":

Melodiyi çalan kornalarla temanın ana versiyonu
Melodiyi çalan kornalarla temanın ana versiyonu.

Solo piyano girdiğinde, sağ eli , arka vuruşlarda pizzicato (koparılmış) tellerin desteğiyle üçlü bir ritimde temanın küçük versiyonunun bir varyantını çalar :

Temanın küçük versiyonu, piyanonun sağ eli melodiyi üçlüler halinde detaylandırıyor
Temanın küçük anahtar versiyonu, piyanonun sağ eli melodiyi üçlüler halinde detaylandırıyor.

Bunu, temanın cesur bir tutti ifadesi izler: "Bütün orkestra agresif yarı staccato ile onu güm güm atıyor .

Temanın Tutti açıklaması

:

Temanın Tutti ifadesi.

Temanın küçük versiyonu , solo piyano tarafından kesik kesik çalınan kadenzada da yer alıyor:

Kadenzada solo piyano teması açıklaması
Kadenzada solo piyano teması.

Bunu, son olarak, solo piyanoda pizzicato yaylıları ve telkari arpej figürasyonu eşliğinde legato çalan kornaların yer aldığı ana anahtar versiyonun yeniden ifade edilmesi izler :

Kadenzanın bitiminden sonra boynuzların yanında büyük bir tonda temanın son ifadesi
Kadenza bitiminden sonra boynuzların yanında büyük bir tonda temanın son ifadesi.

Fiske (1970), Beethoven'ın bu çeşitli tedaviler yoluyla "muhteşem bir icat seli" gösterdiğini söylüyor. "Bu temanın aktarabileceği ruh hali çeşitliliği sınırsız."

Berlioz

19. yüzyılın başlarının en önemli orkestra yenilikçisi Hector Berlioz'du . (Besteci aynı zamanda Enstrümantasyon Üzerine Bir İnceleme'nin de yazarıydı .) "İçgüdüsel olarak ve bireysel enstrümanların tam kapasitelerini ve tınılarını bularak seçtiği ortam olarak orkestraya çekildi ve bu hammadde üzerindeydi. hayal gücü, bir bütün olarak düşünüldüğünde çok çarpıcı, daha sonraki besteciler için hayati derecede öğretici ve neredeyse tamamı tam olarak dramatik veya ifade amaçlarına göre uyarlanmış sayısız yeni seslendirme üretmek için çalıştı. Berlioz'un orkestra sihirbazlığının ve olağanüstü sesler yaratma tutkusunun çok sayıda örneği, Symphonie fantastique adlı eserinde bulunabilir . "İskeleye Yürüyüş" başlıklı dördüncü hareketin açılışı, o zamanlar (1830) tuhaf bir ses karışımı gibi görünmüş olması gereken şeyleri içeriyor. Timpani ve kontrbas, hırıltılı sessiz pirinç sese karşı kalın akorlar çalıyor:

Symphonie fantastique'den İskeleye Yürüyüş
Berlioz, Symphonie fantastique'den İskeleye Yürüyüş

"Beethoven'dan türemiş olsa da Berlioz, kontrbasın alçak sicilinde yakın konumdaki akorlar gibi genel olarak beste kurallarına aykırı özellikler kullanıyor."

Berlioz, enstrümantal yazımında da büyük bir incelik aktarma yeteneğine sahipti. Özellikle muhteşem bir örnek, Hugh Macdonald'ın (1969, s51) "Berlioz'un hafif orkestral doku, parlak, ince ince kumaş, prestissimo ve pianissimo'daki en üstün egzersizi" olarak tanımladığı Romeo et Juliette senfonisinden " Queen Mab " scherzo'dur .

Berlioz, Romeo ve Juliette'den Kraliçe Mab scherzo
Berlioz, Romeo ve Juliette'den Kraliçe Mab scherzo

Boulez, çok yüksek temponun zamanın orkestra şefleri ve orkestraları üzerinde benzeri görülmemiş bir talepte bulunması gerektiğine işaret ediyor (1830), "Hızlı ve kesin ritimler nedeniyle, tüm kayıtlarda eşit ve düzenli olması gereken staccatos, izole notalar nedeniyle. üçüncü dörtlükte çubuğun hemen sonunda meydana gelenler… hepsi kesinlikle mükemmel bir hassasiyetle yerine oturmalıdır.

Macdonald, scherzo'nun sonuna doğru geçişin altını çiziyor: “Sesler daha ruhani ve masalsı hale geliyor, alçak klarnet, yüksek harplar ve çan benzeri antik ziller… Hareketin hızı ve büyüsü karşı konulamaz; şimdiye kadar kaleme alınmış en ruhani parlak müziklerden bazıları.

Berlioz, Queen Mab scherzo'dan orkestral doku
Berlioz, Queen Mab scherzo'dan orkestral doku

New Grove Dictionary , Berlioz için orkestrasyonun "bitirilmiş müziğe uygulanan bir şey değil, bestenin özünde olduğunu söylüyor... onun elinde tını , bir sanatçının paletini boyun eğmeden kullanabileceği gibi, serbest kombinasyonlarda kullanılabilecek bir şey haline geldi. hattın talepleri ve bu, Debussy ve Ravel'in zengin orkestral kaynağına yol açar.

Wagner

Berlioz'dan sonra Richard Wagner , 19. yüzyılda orkestrasyonun gelişmesinde en büyük öncüydü. Pierre Boulez , "Wagner'in orkestrasyonunun katıksız zenginliğinden ve onun önlenemez yenilik içgüdüsünden" bahsediyor. Peter Latham, Wagner'in "emrindeki enstrümanların doğasında var olan renk olasılıklarına dair benzersiz bir takdire sahip olduğunu ve ona hem orkestra ailesine yeni üyeler seçerken hem de yerleşik üyelerine karşı davranışlarında rehberlik eden şeyin bu olduğunu" söylüyor. Bu ailenin yaylılar, nefesli ve üflemeli ve gerektiği şekilde perküsyon olarak iyi bilinen bölünmesi, büyük klasik senfonistlerden miras aldığı bu tür değişiklikler, bu grupları daha da bölme yönündeydi. Latham bir örnek olarak, Lohengrin operasının açılışının sesini veriyor , burada "müziğin ruhani kalitesi" kemanların "alışılmış iki parça yerine dört, beş ve hatta sekiz parçaya bölünmesinden" kaynaklanıyor.

Wagner, Lohengrin'e Giriş Dinle

" Lohengrin Prelude'un başladığı A majör akoru, yüksek sicilde, armonikler kullanarak ve uzun süre tutularak, tüm ayrıntılarını almamıza izin verir. Kuşkusuz A majör akorudur, ancak aynı zamanda yüksek teller, harmonikler , uzun notalar - bu ona tüm ifade gücünü verir, ancak akustik özelliklerin merkezi bir rol oynadığı bir ifade, çünkü hala ne melodi ne de armonik ilerleme duymadık." Bir besteci olarak olgunlaştıkça, özellikle The Ring Wagner'i besteleme deneyimi sayesinde "saf ve karışık renkler arasındaki kontrastı artırarak , bir ses alanından diğerine geçiş sanatını ince bir noktaya getirdi." Örneğin, Die Walküre'yi sonlandıran anımsatıcı "Ateş Müziği" nde, " üflemeli akorların çoklu arpejleri ve tellerdeki zıt hareket , alevlerin görsel titremesine neredeyse tam anlamıyla uyan bir ton-renk salınımı yaratır."

Die Walküre'den Wagner Fire Müziği
Die Walküre'den Wagner Fire Müziği

Robert Craft , Wagner'in son operası Parsifal'i "Wagner'in güçlerinin doruk noktasında olduğu ... Orkestra karışımlarının ve ayrımlarının emsalsiz olduğu" bir çalışma olarak buldu. Craft, operayı açan tek satırlık melodinin karmaşık orkestrasyonundan bahsediyor:

Parsifal Başlangıç ​​Açılışı
Parsifal Başlangıç ​​Açılışı

Parsifal , orkestral rengin tamamen yeni kullanımlarını yapıyor... Partisyonun yardımı olmadan, çok hassas bir kulak bile Prelüd'ün başlangıcında ahenk içinde çalan enstrümanları ayırt edemez. Kemanlar ikiye bölünür, ardından çello, bir klarnet ve bir fagotun yanı sıra, cümlenin zirvesi için bir alto obua [cor anglais] ile ikiye katlanır. Obua ile bu renk değişiminin hem yoğunluk hem de tını olarak tam yeniliği, ancak temanın uyum içinde ve Wagner'in Technicolor hayal gücünün bile en muhteşem orkestrasyonlarından birinde tekrarlanmasından sonra takdir edilebilir .

Daha sonra, Parsifal'in ilk perdesinin açılış sahnesinde Wagner, aynı müzik malzemesinin zıt enstrüman aileleri arasında geçerken çok farklı hissettirdiğini göstererek, cesur bakır telleri daha yumuşak tellerle dengeler:

Prelüd'den Parsifal'in ilk Perdesine kadar zıt orkestra grupları
Prelüd'den Parsifal'in ilk Perdesine kadar zıt orkestra grupları

Öte yandan, Tristan ve Isolde operasının başlangıcı , Wagner'in farklı orkestra ailelerinden enstrümanları, dinamik ve artikülasyonun kesin işaretleriyle birleştirerek çıkarabileceği çeşitliliği örneklemektedir . Açılış cümlesinde çellolar üflemeli çalgılarla desteklenir:

Wagner, Tristan Prelude, açılış
Wagner, Tristan başlangıcı, açılış.

Bu fikir başlangıcın sonuna doğru geri döndüğünde, enstrümantal renkler , kor anglais ve bas klarnet gibi 19. yüzyıl orkestrasında yeni olan seslerle ince bir şekilde çeşitlendirilir . Bunlar, timpani'nin uğursuz gümbürtüsüyle birlikte, kara kara düşünme atmosferini etkili bir şekilde aktarır:

Wagner, Tristan Prelude, kapanış barları
Wagner, Tristan Prelude, kapanış barları.

“Wagner'in... eserlerinde nasıl denge ürettiğini görmek etkileyici. Bu açıdan gerçek bir deha, inkar edilemez bir şekilde, hatta tam sayıda enstrümanın çalışmasına kadar bile. Boulez, "Wagner'in orkestral dengeyi ölçtüğü kesinlik karşısında büyülendi, [bu] ... şaşırtıcı bir kesinlikle elde ettiği çok sayıda ayrıntı içeriyor." Roger Scruton'a göre , "Bach'ın kantatalarında obligato bölümleri ilhamla kullanmasından bu yana, orkestranın enstrümanları, Wagner'in sonraki operalarındaki etkileyici rollerine bu kadar titiz ve sevgiyle uyarlanmıştır."

Mahler

William Austin (1966), " Mahler , orkestrayı genişletti ve Beethoven , Berlioz ve Wagner tarafından zaten işaretlenmiş olan yönde tarihi bir zirveye ulaştı ... Bu ünlü genişlemenin amacı, ses seviyesinde katıksız bir artış değil, daha büyük bir ses çeşitliliğiydi. daha neredeyse kesintisiz tonlamalarla… Mahler yalnızca ara sıra tüm geniş orkestrasının birlikte çalmasını gerektiriyordu ve müziği genellikle yüksek olduğu kadar yumuşaktı. Renkleri sürekli değişiyor, karışıyor veya birbiriyle zıtlık oluşturuyordu.” Adorno (1971) benzer şekilde Mahler'in senfonik yazısını, "oda müziği prosedürleri" ile zıtlık oluşturan "masif tutti efektleri" ile karakterize olarak tanımlar. Senfoni No. 4'ün ilk bölümünden aşağıdaki pasaj bunu göstermektedir:

Mahler, Senfoni No. 4, ilk hareket, Şekil 5
Mahler, Senfoni No. 4, birinci bölüm, Şekil 5.

Sadece yukarıdakilerin ilk çubuğunda tam bir topluluk var. Kalan çubuklar, oldukça farklı küçük enstrüman gruplarını içerir. Mahler'in deneyimli orkestra şefi kulağı, notalarına dikkatlice kalibre edilmiş dinamikler de dahil olmak üzere ayrıntılı performans notları yazmasına yol açtı. Örneğin, yukarıdaki 2. çubukta, düşük arp notası forte , klarnet, mezzo-forte ve korna piyano olarak işaretlenmiştir . Austin (1966), "Mahler, ses yüksekliği ve temponun en ince nüanslarını önemsedi ve notalarında bu ayrıntıları düzeltmek için yorulmadan çalıştı" diyor. Mahler'in sonorite hayal gücü, Dördüncü Senfoni'nin yavaş hareketinin kapanış barlarında örneklendirilir; burada Walter Piston'un (1969, s. 140) "esinlenmiş bir orkestrasyon örneği" olarak tanımladığı şey meydana gelir... Ani mod değişikliğine dikkat edilmelidir. harmonik ilerlemede, 5. ölçüdeki akorun alışılmadık aralığı ve iki flütteki mükemmel dördüncünün yerleştirilmesi. Etki oldukça beklenmedik ve büyülü.”

Mahler Senfonisi No 4, üçüncü hareket, Şekil 13.
Mahler Senfonisi No 4, üçüncü hareket, Şekil 13.

Donald Mitchell'e göre Mahler'in orkestrasyonunun "rasyonel temeli", "müziğini tam olarak neler olup bittiğini duyarak anlamamızı sağlamaktı".

Debussy

Mahler ve Richard Strauss dışında , on dokuzuncu yüzyılın kapanış yıllarında ve yirminci yüzyılın ilk on yıllarında orkestrasyon alanındaki en büyük yenilikçi Claude Debussy idi . Pierre Boulez'e göre (1975, s20) "Debussy'nin orkestrasyonu... Strauss ve Mahler gibi parlak çağdaşlarıyla karşılaştırıldığında bile... sonsuz derecede daha taze bir hayal gücü gösteriyor." Boulez, Debussy'nin orkestrasyonunun “oldukça farklı bir bakış açısıyla tasarlandığını; aletlerin sayısı, dengesi, kullanılma sırası, bizzat kullanımları farklı bir iklim yaratıyor.” Wagner'in ilk etkisinin yanı sıra Debussy, Austin'e göre "1889 Paris World sergisinde defalarca duyduğu ve yoğun bir şekilde hayran olduğu" Asya müziğinden de etkilenmişti.

Her iki etki de Debussy'nin ilk büyük orkestra eseri Prelude a l'après-midi d'un faune (1894) hakkında bilgi verir. Wagner'in etkisi, sessizliğin stratejik kullanımında , hassas bir şekilde farklılaştırılmış orkestrasyonda ve her şeyden önce , arp üzerindeki bir glissando ile güçlendirilmiş, obua ve klarnet arasında yayılan yarı azaltılmış çarpıcı yedinci akorda duyulabilir. Austin (1966, s. 16), " Faune'un başlangıcını ancak Tristan akoruna tamamen aşina bir besteci tasarlayabilirdi" diye devam ediyor .

Debussy, Prelude a l'apres midi d'un faune, açılış barları

Daha sonra Faune'da Debussy, Austin'in dediği gibi, " Polifoni ve orkestrasyon örtüşüyor... Mozart , Weber , Berlioz ve Wagner'in tüm araçlarına heterofonik müzikten öğrendiği olasılıkları ekliyor. " Uzak Doğu... İlk arp, flüt bölümlerini, bir Cava gamelanının en küçük çanlarının daha yavaş temel melodiyi değiştirmesiyle neredeyse aynı şekilde değiştirir.

Debussy, Prelude a l'apres midi d'un faune, Şekil 7, ölçüler 11-13

Debussy'nin son orkestra çalışması, esrarengiz balesi Jeux (1913), Faune'dan yaklaşık 20 yıl sonra bestelendi . Açılış çubukları, geniş bir yelpazeye yayılmış bölünmüş teller, 5. ölçüdeki çan benzeri celesta'nın eklenmesiyle boynuzları ikiye katlayan bir arp ve nefesli üflemeli tüm ton akorlarının boğucu seslendirmesini içerir :

Jensen (2014, s. 228) “Belki de Jeux'un en büyük harikası orkestrasyonudur. Piyano notası üzerinde çalışırken Debussy şöyle yazdı: "Arkadan aydınlatılmış gibi görünen ve Parsifal'de çok harika gösterimlerin olduğu o orkestral rengi düşünüyorum. " ... ama bunu netlik ve hassasiyetle yapmak için.”

Adaptasyon olarak

Daha genel anlamda, orkestrasyon ayrıca mevcut müziğin başka bir ortama, özellikle tam veya azaltılmış bir orkestraya yeniden uyarlanması anlamına gelir. İki genel uyarlama türü vardır: orijinal parçayı yakından takip eden transkripsiyon ve orijinal parçanın önemli yönlerini değiştirme eğiliminde olan düzenleme . Uyarlama açısından orkestrasyon , tam anlamıyla yalnızca orkestra için yazı yazmak için geçerliyken, enstrümantasyon terimi parçanın dokusunda kullanılan enstrümanlar için geçerlidir. Orkestrasyon çalışmasında - pratiğin aksine - enstrümantasyon terimi , enstrümanları birleştirme sanatından ziyade bireysel enstrümanların tanımlayıcı özelliklerinin dikkate alınmasına da atıfta bulunabilir.

Ticari müzikte, özellikle müzikal tiyatro ve film müziğinde, aynı kişinin hem beste yapması hem de orkestrasyonu yapması gerektiğinde sıkı teslim tarihlerini karşılamak zor olduğundan, bağımsız orkestratörler sıklıkla kullanılır. Sıklıkla, Camelot veya Fiddler on the Roof gibi bir sahne müzikali filme uyarlandığında , film versiyonunun orkestrasyonları sahnedekilerden oldukça farklıdır. Evita gibi diğer durumlarda bunlar değildir ve sahne yapımında kullanılanların genişletilmiş versiyonlarıdır.

Orkestratörlerin çoğu genellikle bir taslaktan (eskiz) veya kısa notadan , yani sınırlı sayıda bağımsız müzik çıtasına yazılmış bir notadan çalışır . Bazı orkestratörler, özellikle opera veya müzik tiyatroları için yazanlar , şarkıcıların tüm çalışma tamamen tamamlanmadan çok önce bir parçayı prova etmeye başlamaları gerektiğinden, bir piyano vokal notasından çalışmayı tercih ederler . Bu, örneğin, Jules Massenet'in kompozisyon yöntemiydi . Diğer durumlarda, Jonathan Tunick'in Stephen Sondheim'ın şarkılarını orkestrasyonunda veya orkestrasyonun bir ana sayfadan (sadece melodi ve akor ilerleyişini içeren bir şarkı için basitleştirilmiş bir müzik notasyonu) yapılmasında olduğu gibi , çeşitli yaratıcılar arasındaki basit işbirliğinden yararlanılır. . İkinci durumda, orkestrasyon kadar düzenleme de söz konusu olacaktır.

Film orkestrasyonu

Film puanlama programlarının muazzam zaman kısıtlamaları nedeniyle, çoğu film bestecisi, işi kendileri yapmak yerine orkestratörler kullanır, ancak bu orkestratörler bestecinin yakın denetimi altında çalışır. Bernard Herrmann (1911–1975), Georges Delerue (1925–1992), Ennio Morricone (1928–2020), John Williams (1932 doğumlu) dahil olmak üzere bazı film bestecileri kendi müziklerini düzenlemeye zaman ayırdılar (çok ayrıntılı eskizleri %99 orkestrasyon), Howard Shore (1946 doğumlu), James Horner (1953–2015) (Cesur Yürek'te), Bruno Coulais (1954 doğumlu), Rachel Portman (1960 doğumlu), Philippe Rombi (1968 doğumlu) ve Abel Korzeniowski (1972 doğumlu ) ).

Yıllar boyunca filmde yüzlerce yönetmen olmasına rağmen, 20. yüzyılın ikinci yarısının en önde gelen film orkestratörleri Jack Hayes , Herbert W. Spencer , Edward Powell (neredeyse yalnızca Alfred Newman ile çalıştı ), Arthur Morton , Greig McRitchie ve Alexander Cesaret . Bugün (ve son 30 yılda) en çok talep gören orkestra şeflerinden bazıları arasında Jeff Atmajian , Pete Anthony , Brad Dechter (James Newton Howard, Christopher Young, Theodore Shapiro, Teddy Castellucci, Danny Elfman, John Powell, Marco Beltrami, John) bulunmaktadır. Debney, Marc Shaiman, Michael Giacchino, Ludwig Göransson), Conrad Pope (John Williams, Alexandre Desplat, Jerry Goldsmith, James Newton Howard, Alan Silvestri, James Horner, Mark Isham, John Powell, Michael Convertino, Danny Elfman, Howard Shore), Eddie Karam (John Williams, James Horner), Bruce Fowler (Hans Zimmer, Klaus Badelt, Harry Gregson-Williams, Steve Jablonsky, Mark Mancina, John Powell), John Ashton Thomas (John Powell, John Debney, Alan Silvestri, James Newton Howard ) , Henry Jackman, Lyle Workman, Theodore Shapiro, John Ottman, John Paesano, Alex Heffes, Christophe Beck, Carter Burwell), Robert Elhai (Elliot Goldenthal, Michael Kamen, Ed Shearmur, Brian Tyler, Klaus Badelt, Ilan Eshkeri) ve JAC Redford (James Horner, Thomas Ne wman).

Conrad Salinger , 1940'lardan 1962'ye kadar MGM müzikallerinin en önde gelen orkestratörüydü ve Singin' in the Rain , An American in Paris ve Gigi gibi ünlü filmlerin orkestra şefiydi . 1950'lerde, film bestecisi John Williams , Salinger ile orkestrasyon zanaatını gayri resmi olarak öğrenmek için sık sık zaman geçirdi. Robert Russell Bennett (George Gershwin, Rodgers ve Hammerstein), 20. yüzyılın Amerika'nın en üretken orkestratörlerinden biriydi (özellikle Broadway şovlarında), bazen günde 80 sayfadan fazla not alıyor.

Edward H. Plumb , Fantasia , Dumbo , Song of the South , So Dear to My Heart , Peter Pan , Lady and the Tramp ve Davy Crockett filmlerini yöneten Walt Disney filmlerinin üretken bir orkestratörüydü . Plumb, Bambi'nin yardımcı bestecisi olmasına rağmen , esas olarak Frank Churchill tarafından bestelenen partisyonun aslan payını yönetmişti ve Plumb ayrıca kendi bestelerini düzenlemek için zaman ayırmıştı.

İşlem

Çoğu film 30 ila 120 dakikalık müzik notası gerektirir. Bir filmdeki her bir müzik parçasına "işaret" denir. Film başına kabaca 20-80 işaret vardır. Dramatik bir film, yavaş ve seyrek müzik gerektirebilirken, bir aksiyon filmi, 80 ipucu yüksek derecede aktif müzik gerektirebilir. Her işaretin uzunluğu, filmdeki sahne başına gerektiği şekilde beş saniyeden on dakikaya kadar değişebilir. Besteci ipucunu bestelemeyi bitirdikten sonra, bu eskiz notası orkestratöre elle yazılmış veya bilgisayar tarafından oluşturulmuş olarak iletilir. Bugün Hollywood'daki çoğu besteci, müziklerini sıralama yazılımı (örn . Digital Performer , Logic Pro veya Cubase ) kullanarak besteliyor. Daha sonra Finale veya Sibelius gibi bir müzik notasyonu programına aktarılan bir MIDI dosyası kullanılarak bir eskiz notası oluşturulabilir . Böylece orkestratörün görevi başlar.

Her besteci farklı çalışır ve orkestratörün görevi bir besteciden diğerine neyin gerekli olduğunu anlamaktır. Müzik, sıralama yazılımıyla oluşturulmuşsa, orkestratöre bir MIDI eskiz puanı ve işaretin sentezlenmiş bir kaydı verilir. Eskiz notası, herhangi bir ifade, artikülasyon veya dinamik olmadan yalnızca müzik notalarını (örneğin, sekizinci notalar, çeyrek notalar vb.) içerir. Orkestratör, dinamikleri ve cümleleri dinleyerek (tıpkı bestecinin onları çaldığı gibi) bu sentezlenmiş "mockup" kaydını inceler. Daha sonra orkestrada bu unsurları doğru bir şekilde temsil etmeye çalışır. Ancak, bir sentezleyicideki (sentezleme) bazı seslendirmeler , canlı orkestra için düzenlendiğinde aynı şekilde çalışmaz.

Müziğin daha yüksek sesle "konuşmasını" sağlamak için ses örnekleri genellikle diğer seslerle çok belirgin ve kalın bir şekilde ikiye katlanır. Orkestratör, müziğin daha iyi akmasını sağlamak için bazen bu sentez seslerini geleneksel orkestra sesleriyle değiştirir. Aralıkları oktavda yukarı veya aşağı hareket ettirebilir (veya tamamen atlayabilir), orkestradaki diğer enstrümanlarla birlikte belirli pasajları ikiye katlayabilir, renk sağlamak için vurmalı çalgılar ekleyebilir ve İtalyan performans notları (örn. Allegro con brio, Adagio, ritardando, dolce, vb.) staccato vb.). Bir besteci büyük bir hareket işareti yazarsa ve nefesli rüzgarlar kullanılmazsa, orkestratör genellikle pirinç müziği bir oktav yukarı ikiye katlayarak nefesli rüzgarlar ekler. Orkestra büyüklüğü, filmin müzik bütçesinden belirlenir.

Orkestratöre, çalışması gereken enstrüman sayısı ve mevcut olana uyması gerektiği önceden söylenir. Büyük bütçeli bir film, 100'den fazla müzisyenden oluşan bir Romantik müzik dönemi orkestrasını karşılayabilir. Buna karşılık, düşük bütçeli bir bağımsız film ancak 20 kişilik bir oda orkestrası veya bir caz dörtlüsü alabiliyor . Bazen bir besteci, yalnızca iki flüt kiralanmış olmasına rağmen, üç flüt için üç parçalı bir akor yazar. Üçüncü notayı nereye koyacağına orkestratör karar verir. Örneğin, orkestratör üçüncü notayı klarnete (flütle iyi uyum sağlayan bir nefesli çalgı) çaldırabilir. Orkestralı ipucu tamamlandıktan sonra, orkestranın her enstrümanının elektronik olarak çıkarılabilmesi, yazdırılabilmesi ve puanlama aşamasına iletilebilmesi için kopyalama evine (genellikle bir bilgisayar sunucusuna yerleştirilerek) teslim edilir.

Hollywood'daki büyük film bestecilerinin her birinin bir baş orkestratörü vardır. Genellikle baş orkestratör, zaman izin verirse müziğin mümkün olduğunca çoğunu düzenlemeye çalışır. Program çok zorluysa, bir orkestra şefi ekibi (ikiden sekize kadar) bir film üzerinde çalışır. Lider orkestratör, takımdaki diğer orkestratörlere ipuçlarının atanmasına karar verir. Çoğu film, beş orkestratörden oluşan bir ekiple bir ila iki hafta içinde yönetilebilir. İş bulmaya çalışan yeni orkestracılar, genellikle işe alınmak isteyen bir film bestecisine başvururlar. Genellikle değerlendirilmek üzere baş orkestratöre yönlendirilirler. Puanlama aşamasında, orkestratör genellikle kayıt kabinindeki besteciye performansın, müziğin veya kaydın nasıl iyileştirileceğine dair önerilerde bulunarak yardımcı olur. Besteci yönetiyorsa, bazen orkestratör yapımcı olarak yardımcı olmak için kayıt kabininde kalacaktır. Bazen roller, orkestratörün yönetmesi ve bestecinin kabinden üretmesiyle tersine çevrilir .

Metinler

  • Michael Praetorius (1619): Syntagma Musicum ikinci cilt, De Organographia .
  • Valentin Roeser (1764): Essai de l'instruction à l'use de ceux, qui composent for la clarnet and le cor .
  • Hector Berlioz (1844), 1905'te Richard Strauss tarafından revize edildi : Grand feature d'instrumentation et d'orchestration modernes ( Enstrümantasyon Üzerine İnceleme ).
  • François-Auguste Gevaert (1863): Traité general d'enstrümantasyon .
  • Charles-Marie Widor (1904): Technique de l'orchestre moderne ( Manuel of Practical Instrumentation ).
  • Nikolay Rimsky-Korsakov (1912): Основы оркестровки ( Orkestrasyon İlkeleri ).
  • Cecil Forsyth (1914; 1935): Düzenleme . Bazı pirinç enstrümanların aralıkları ve tuşları eskimiş olsa da bu klasik bir çalışma olmaya devam ediyor.
  • Alfredo Casella : (1950) La Tecnica dell'Orchestra Contemporanea .
  • Charles Koechlin (1954–9): Traité de l'Orchestration (4 cilt).
  • Walter Piston (1955): Düzenleme .
  • Henry Mancini (1962): Sesler ve Notalar: Profesyonel Orkestra için Pratik Bir Kılavuz.
  • Stephen Douglas Burton (1982): Düzenleme .
  • Samuel Adler (1982, 1989, 2002, 2016): Düzenleme Çalışması .
  • Kent Kennan & Donald Grantham : (1. baskı 1983) The Technique of Orchestration . 6. baskı (2002) mevcuttur.
  • Nelson Riddle (1985): Nelson Riddle tarafından düzenlenmiştir.
  • Perone, James E. (1996). Düzenleme Teorisi: Bir Kaynakça . Müzik referans koleksiyonu, Sayı 52. Greenwood Press . ISBN 0-313-29596-4.
  • Alfred Blatter (1997): Enstrümantasyon ve Düzenleme (İkinci baskı) .

Ayrıca bakınız

Referanslar

Dış bağlantılar