Japon resmi - Japanese painting

Kanō Sanraku tarafından Erik ağacının sürgülü kapıları seti, 17. yüzyılın başlarında

Japon resmi (絵画, kaiga, ayrıca gadō 画道) , çok çeşitli tür ve stilleri kapsayan Japon görsel sanatlarının en eski ve en gelişmişlerinden biridir . Genel olarak Japon sanatlarının tarihinde olduğu gibi, Japon resminin uzun tarihi, yerli Japon estetiği ile özellikle birkaç noktada özellikle etkili olan Çin resminden ithal edilen fikirlerin uyarlanması arasındaki sentez ve rekabeti sergiler ; önemli Batı etkisi ancak 16. yüzyılın sonlarından itibaren gelir ve Japon sanatının Batı'yı etkilemesiyle aynı zamanda başlar .

Çin etkisinin art arda önemli olduğu konu alanları arasında Budist dini resim, Çin edebiyatçı resim geleneğindeki manzaraların mürekkeple yıkanması , ideografların kaligrafisi ve hayvanların ve bitkilerin, özellikle kuşların ve çiçeklerin resmi yer alır . Ancak, tüm bu alanlarda belirgin bir şekilde Japon gelenekleri gelişmiştir. Japon resminin ve daha sonra baskı resmin en karakteristik özelliği olarak kabul edilen konu , günlük yaşamdan sahnelerin tasviri ve genellikle figürler ve ayrıntılarla dolu olan anlatı sahneleridir. Bu gelenek şüphesiz erken ortaçağ döneminde Çin etkisi altında başladı, bu da artık en genel terimler dışında izini sürmenin ötesinde, ancak hayatta kalan en eski eserler döneminden modern döneme kadar süren özel bir Japon geleneğine dönüşmüştü.

Resmi Japonya Ulusal Hazineleri Listesi (resimler) , 8. yüzyıldan 19. yüzyıla kadar, başarı zirvelerini veya erken dönemlerden çok nadir hayatta kalanları temsil eden 162 eser veya eser grubunu içerir.

Zaman çizelgesi

Eski Japonya ve Asuka dönemi (710'a kadar)

Japonya'da resmin kökenleri, Japonya'nın tarih öncesi dönemine kadar uzanmaktadır . Jōmon dönemi çanak çömlekleri ve Yayoi dönemi (MÖ 1000 - MS 300) dōtaku bronz çanlarında basit figürlü temsillerin yanı sıra botanik, mimari ve geometrik tasarımlar bulunur . Kofun dönemine ve Asuka dönemine (MS 300-700) tarihlenen çok sayıda tümülüste hem geometrik hem de figürlü desenli duvar resimleri bulunmuştur .

Çin yazı sisteminin (tanıtımıyla birlikte Kanji ) hükümet idaresinin, Çinli modları ve Budizm Asuka dönemde, birçok sanat eserleri Japonya'ya ithal edildi Çin ve benzeri tarzlarda yerel kopyaları üretilmeye başlandı.

Nara dönemi (710-794)

6. ve 7. yüzyıl Japonya'sında Budizm'in daha da kurulmasıyla , dini resim gelişti ve aristokrasi tarafından dikilen çok sayıda tapınağı süslemek için kullanıldı. Bununla birlikte, Nara dönemi Japonya'sı, heykel sanatına resimden daha önemli katkılarla tanınır .

Bu döneme ilk kurtulan resimlerinde dahil duvar resimleri Kondo iç duvarlarında (金堂) tapınak de Hōryū-ji içinde Ikaruga, Nara idari . Bu duvar resimlerinin yanı sıra önemli Tamamushi Mabedi üzerine boyanmış görüntüler, jataka , tarihi Buda, Shakyamuni'nin hayatından bölümler gibi anlatıları , ayrıca Buda , bodhisattva ve çeşitli küçük tanrıların ikonik görüntülerini içerir . Tarz, Sui hanedanından veya On Altı Krallık döneminin sonlarından kalma Çin resmini andırıyor . Ancak, Nara döneminin ortalarında, Tang hanedanı tarzındaki resimler çok popüler oldu. Bunlar arasında MS 700'den kalma Takamatsuzuka Mezarı'ndaki duvar resimleri de yer alıyor . Bu tarz , erken Heian dönemi boyunca popülerliğini koruyan ( Kara-e ) türüne dönüştü .

Nara dönemindeki resimlerin çoğu dini nitelikte olduğundan, büyük çoğunluğu anonim sanatçılara aittir. Nara dönemi sanatının, Japonların ve Çin Tang hanedanlığının geniş bir koleksiyonu, daha önce Tōdai-ji'ye ait olan ve şu anda Imperial Household Agency tarafından yönetilen 8. yüzyıldan kalma bir depo olan Shōsō-in'de korunmaktadır .

Heian dönemi (794–1185)

Ezoterik Budist mezhepleri Shingon ve Tendai'nin gelişmesiyle birlikte, 8. ve 9. yüzyıl resimleri, dini tasvirlerle, özellikle de Mandala'yla (曼荼羅, mandara ) karakterize edilir . Mandala Sayısız versiyonları, en ünlü Elmas Diyar Mandala ve Rahim Diyar Mandala Kyoto Toji olarak oluşturulan asılı parşömenler ve aynı zamanda duvar resimleri tapınakların duvarlarına. Kayda değer bir erken örnek, Kyoto'nun güneyinde bir tapınak olan Daigo-ji'nin beş katlı pagodasındadır .

Köse Okulu, erken Heian döneminde, 9. yüzyılın ikinci yarısında Kanaoka Köse tarafından kurulan bir saray sanatçıları ailesiydi . Bu okul, diğer okullar gibi tek bir resim stilini değil, Kanaoka Köse ve onun soyundan gelen ve öğrencilerinin yarattığı çeşitli resim stillerini temsil ediyor. Bu okul, Çin temalı Çin tarzı tabloları Japon tarzına çevirmiş ve yamato-e resim tarzının oluşmasında büyük rol oynamıştır .

10. yüzyılda Japon Budizminin Saf Toprak mezheplerinin artan önemi ile bu mezheplerin ibadet ihtiyaçlarını karşılamak için yeni imaj türleri geliştirildi. Bunlar arasında , Amida Buddha'yı, Amida'nın Batı Cennetine giden sadıkların ruhlarını karşılamaya gelen görevli bodhisattvas Kannon ve Seishi ile birlikte tasvir eden raigōzu (来迎図) bulunmaktadır . 1053'ten kalma erken bir örnek , Uji, Kyoto'daki bir tapınak olan Byōdō-in'deki Phoenix Salonunun iç kısmına boyanmıştır . Bu aynı zamanda Yamato-e'nin (大和絵, "Japon tarzı resim") erken bir örneği olarak kabul edilir , çünkü manzaranın gerçek görünümünü yansıtıyor gibi görünen yumuşak inişli çıkışlı tepeler gibi peyzaj öğelerini içerir. batı Japonya.

The Tale of Genji'den Panel (detay)

Orta Heian dönemi, başlangıçta öncelikle sürgülü kapılar ( fusuma ) ve katlanır paravanlar ( byōbu ) için kullanılan Yamato-e'nin altın çağı olarak görülüyor . Bununla birlikte, özellikle Heian döneminin sonlarına doğru, emakimono veya uzun resimli el kaydırmaları da dahil olmak üzere yeni resim formatları da ön plana çıktı . Emakimono çeşitleri , Genji Monogatari gibi resimli romanları, Ban Dainagon Ekotoba gibi tarihi eserleri ve dini eserleri kapsar. Bazı durumlarda, emaki sanatçıları Budist sanatında eski zamanlardan beri kullanılan resimli anlatı geleneklerini kullanırken, diğer zamanlarda altta yatan anlatının duygusal içeriğini görsel olarak ilettiğine inanılan yeni anlatı modları tasarladılar. Genji Monogatari ayrı bölümler halinde düzenlenirken, daha canlı Ban Dainagon Ekotoba , anlatının ileriye doğru hareketini vurgulamak için sürekli bir anlatı modu kullanır. Bu iki emaki , Ban Dainagon'un hızlı fırça darbeleri ve açık renklendirmesi ile Genji parşömenlerinin soyutlanmış formları ve canlı mineral pigmentleriyle keskin bir tezat oluşturacak şekilde stilistik olarak da farklılık gösteriyor . Sanjo Sarayı'nın Kuşatması resminin bu türde başka ünlü bir örneğidir.

E-maki ayrıca onna-e ("kadın resimleri") ve otoko-e ("erkek resimleri") ve resim stillerinin en eski ve en büyük örneklerinden bazılarıdır . İki stilde birçok ince fark var. Terimler her cinsiyetin estetik tercihlerini öneriyor gibi görünse de, Japon sanatı tarihçileri bu terimlerin gerçek anlamlarını uzun süredir tartışıyorlar ve belirsizliğini koruyorlar. Belki de en kolay fark edilen konulardaki farklılıklardır. Genji Hikâyesi el kaydırma ile özetlenen Onna-e , tipik olarak mahkeme hayatı ve saray romantizmi ile ilgilenirken, otoko-e , genellikle tarihi veya yarı efsanevi olaylarla, özellikle savaşlarla ilgilenir.

Kamakura dönemi (1185-1333)

Bu türler Japonya'nın Kamakura dönemi boyunca devam etti . Bu sanat tarzı, "Sanjo Sarayına Gece Saldırısı" adlı resimde büyük ölçüde örneklendi, çünkü titreşimli renkler, ayrıntılar ve "Heiji Monogatari" adlı bir romandan harika bir görselleştirme ile doluydu. Çeşitli çeşitlerde e-maki üretimine devam edildi; ancak, Kamakura dönemi resimden çok heykel sanatıyla çok daha güçlü bir şekilde karakterize edildi . Kamakura dönemi 12. yüzyılın sonundan 14. yüzyıla kadar uzanıyordu. Resimler gibi sanat eserlerinin olduğu bir dönemdi, ancak esas olarak o zamanlar yaşamın ve yönlerinin daha gerçekçi bir görüntüsünü getiren heykeller. Bu heykellerin her birinde, onları yapma üretimine birçok yaşam benzeri özellik dahil edildi. Pek çok heykelde burun, gözler, tek tek parmaklar ve sanatta heykelin yeri için yeni olan diğer detaylar vardı.''

Heian ve Kamakura dönemlerindeki resimlerin çoğu dini nitelikte olduğundan, büyük çoğunluğu anonim sanatçılara aittir. Ancak bu yeni Kamakura dönemi sanat üslubunda mükemmelliği ile tanınan bir sanatçı var. Adı Unkei'ydi ve sonunda bu heykel sanatında ustalaştı ve Kei Okulu adlı kendi okulunu açtı. Bu dönemle birlikte zaman geçtikçe, "daha önceki klasik stillerin yeniden canlanması, Kıta'dan yeni stillerin ithal edilmesi ve dönemin ikinci yarısında Kamakura dönemi etrafında merkezlenen benzersiz Doğu Japon stillerinin gelişimi vardı".

Muromachi dönemi (1333-1573)

Sağ panel Çam Ağaçları ekran ( Shorin-zu byōbu ,松林図屏風) tarafından Hasegawa Tohaku , c. 1595
Sesshū Tōyō tarafından manzara

14. yüzyılda Kamakura ve Kyoto'daki büyük Zen manastırlarının gelişimi görsel sanatlar üzerinde büyük bir etki yarattı. Suibokuga , Ming hanedanı Çin'in Song ve Yuan mürekkep yıkama stillerinden, özellikle Muqi'den (牧谿) getirilen sade bir monokrom mürekkep boyama stili, Japonya'daki erken zen sanatının yüzyıllardan beri Budist ikonografi normlarına bağlı polikrom kaydırma resimlerinin yerini aldı. daha önce Takuma Eiga (宅磨栄賀) gibi. Higashiyama kültürünün yarattığı yeni Çin kültür dalgasına rağmen , bazı çok renkli portreler kaldı - birincil olarak Zen rahiplerinin chinso resimleri şeklinde .

Bir kabak bir Catfish'i yakalamak (yer Taizo-in , Myōshin-ji , Kyoto) rahip-ressam, Josetsu , işaretler Muromachi bir dönüm noktası boyama. Ön planda, bir derenin kıyısında küçük bir su kabağı tutan ve kaygan büyük bir yayın balığına bakan bir adam tasvir edilmiştir. Sis orta yeri dolduruyor ve arka plan, dağlar çok uzakta görünüyor. Genel olarak, 1413'te yapılan resmin "yeni stilinin", resim düzleminde daha Çinli bir derin uzay duygusuna atıfta bulunduğu varsayılır.

14. yüzyılın sonunda, monokrom manzara resimleri (山水画sansuiga ) iktidardaki Ashikaga ailesi tarafından himaye edilmişti ve Zen ressamları arasında tercih edilen türdü ve Çin köklerinden yavaş yavaş daha Japon stiline doğru evrildi . Manzara resminin daha ileri bir gelişmesi, shigajiku olarak bilinen şiir resmi kaydırmaydı .

Muromachi döneminin önde gelen sanatçıları rahip ressamlar Shubun ve Sesshū'dir . Shōkoku -ji'nin Kyoto tapınağında bir keşiş olan Shūbun , Bambu Korusunda Okuma (1446) adlı resimde uzayda derin bir durgunluk olan gerçekçi bir manzara yarattı . Sesshū, dönemin çoğu sanatçısının aksine Çin'e seyahat edip Çin resmini kaynağında incelemeyi başardı. Dört Mevsim Manzarası ( Sansui Chokan ; c. 1486), dört mevsim boyunca devam eden bir manzarayı betimleyen Sesshu'nun en başarılı eserlerinden biridir.

Muromachi döneminin sonlarında, mürekkep boyama, Zen manastırlarından genel olarak sanat dünyasına göç etmişti, çünkü Kanō okulu ve Ami okulundan ( ja: 阿弥派) sanatçılar stil ve temaları benimsediler, ancak daha plastik ve Modern zamanlara kadar devam edecek dekoratif etki.

Japonya Muromachi döneminin önemli sanatçıları şunlardır:

Azuchi-Momoyama dönemi (1573-1615)

Önceki Muromachi döneminin tam tersine, Azuchi-Momoyama dönemi, tablolara, giysilere, mimariye vb. ve çok büyük ölçekte çalışır. Birçoğunun bildiği lüks tarzın aksine, askeri seçkinler, özellikle benzer bir ortamda yıpranmış ve kusurlu mutfak eşyaları kullanacağı çay töreni şeklinde, rustik sadeliği destekledi. Bu dönem, "savaşan" liderlerin merkezi bir hükümet altında birleştirilmesine başladı. Bu dönem için ilk tarihlendirmenin genellikle Nobunaga'nın Kyoto'ya girdiği 1568 veya son Aşıkağa Shogun'un Kyoto'dan çıkarıldığı 1573 olduğuna inanılır. Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu ve onların takipçileri tarafından himaye edilen Kanō okulu, muazzam bir boyut ve prestij kazandı. Kanō Eitoku, bir odayı çevreleyen sürgülü kapılar üzerinde anıtsal manzaralar yaratmak için bir formül geliştirdi. Bu dev ekranlar ve duvar resimleri, askeri soyluların kalelerini ve saraylarını süslemek için görevlendirildi. En önemlisi, Nobunaga'nın 1576 ve 1579 yılları arasında inşa edilmiş devasa bir kalesi vardı ve bu da Kanō Eitoku için en büyük sanatsal zorluklardan biri olduğunu kanıtladı. Halefi Toyotomi Hideyoshi de bu dönemde birkaç kale inşa etti. Bu şatolar, bu dönemde iş denemeye geldiğinde en önemli sanat eserlerinden bazılarıydı. Bu kaleler, yeni çağda liderlerin ve savaşçıların gücünü ve güvenini temsil ediyor. Tokugawa bakufu, Kanō okulunun eserlerini shōgun, daimyōs ve İmparatorluk mahkemesi için resmi olarak onaylanmış sanat olarak tanıtmaya devam ettikçe, bu durum sonraki Edo dönemine kadar devam etti.

Bununla birlikte, Kano olmayan okul sanatçıları ve akımları, Azuchi-Momoyama döneminde de var oldu ve gelişti, Çin temalarını Japon malzemelerine ve estetiğine uyarladı. Önemli bir grup, öncelikle yamato-e geleneğinden gelişen ve çoğunlukla küçük ölçekli eserler ve edebi klasiklerin kitap veya emaki formatındaki illüstrasyonlarıyla tanınan Tosa okuluydu.

Azuchi-Momoyama dönemindeki önemli sanatçılar şunlardır:

Edo dönemi (1603-1868)

Scroll of hat Bodhidharma'nın Hakuin Ekaku tarafından (1685 1768 kadar)
Fūjin (rüzgar tanrısı) Ogata Kōrin tarafından
Dizi bölümü Dōshoku sai-e tarafından Itō Jakuchu'nun

Birçok sanat tarihçisi Edo dönemini Azuchi-Momoyama döneminin devamı olarak gösterir . Elbette, erken Edo döneminde, resimdeki önceki eğilimlerin çoğu popüler olmaya devam etti; bununla birlikte, bir dizi yeni trend de ortaya çıktı.

Erken Edo döneminde ortaya çıkan çok önemli bir okul , klasik temaları kullanan, ancak onları cesur ve bol dekoratif bir formatta sunan Rinpa okuluydu . Özellikle Sōtatsu, altın varaklı arka plana karşı doğal dünyadan parlak renkli figürler ve motifler kullanarak klasik edebiyattan temalar yeniden yaratarak dekoratif bir tarz geliştirdi. Bir asır sonra Korin, Sōtatsu'nun stilini elden geçirdi ve kendine has görsel olarak muhteşem eserler yarattı.

Azuchi-Momoyama döneminde başlayan, ancak erken Edo döneminde tam gelişimine ulaşan bir diğer önemli tür , hem egzotik yabancıların tasvirinde hem de resimde egzotik yabancı stilinin kullanımında Namban sanatıydı . Bu tarz limanında üzerinde odaklandığı Nagasaki'ye başladıktan sonra, milli inzivaya politikası arasında Tokugawa şogunluğu tek Japon liman dış ticarete açık bıraktı ve böylece Çin ve Avrupa sanatsal etkiler Japonya'ya geldi hangi kanal oldu. Bu türdeki resimler arasında Nagasaki okul resimleri ve ayrıca Çin ve Batı etkilerini geleneksel Japon unsurlarıyla birleştiren Maruyama-Shijo okulu yer alır .

Edo dönemindeki üçüncü önemli eğilim , Nanga okulu (Güney Resim okulu) olarak da bilinen Bunjinga (edebiyat resmi) türünün yükselişiydi . Bu tür , eserleri ve teknikleri 18. yüzyılın ortalarında Japonya'ya gelen Yuan hanedanının Çinli bilgin-amatör ressamlarının eserlerinin taklidi olarak başladı . Usta Kuwayama Gyokushū, bunjin stilini yaratmanın en büyük destekçisiydi . Polikromatik manzaraların, Çinli edebiyatçılar tarafından aynı düzeyde monokromatik resimler olarak kabul edilmesi gerektiğini teorileştirdi. Ayrıca, büyük Nanga temsilcileri arasında Rinpa grubundan Tawaraya Sōtatsu ve Ogata Kōrin gibi bazı Japon gelenekçi sanatçıları dahil etti. Daha sonra bunjinga sanatçıları, Japon ve Çin stillerinin bir karışımını yaratmak için bu türün hem tekniklerini hem de konusunu önemli ölçüde değiştirdi. Bu tarzın örnekleri Ike no Taiga , Uragami Gyokudō , Yosa Buson , Tanomura Chikuden , Tani Bunchō ve Yamamoto Baiitsu'dur .

Tokugawa şogunluğunun mali ve sosyal kemer sıkma politikaları nedeniyle, bu tür ve tarzların lüks tarzları büyük ölçüde toplumun üst katmanlarıyla sınırlıydı ve alt sınıflara fiilen yasaklanmadıysa da mevcut değildi. Sıradan insanlar ayrı bir sanat türü geliştirdiler, fūzokuga ( 風俗画 , Tür sanatı ), burada sıradan, günlük yaşamdan, özellikle sıradan insanların, kabuki tiyatrosunun, fahişelerin ve manzaraların resimlerini betimleyen resimler popülerdi. 16. yüzyılda bu resimler ukiyo-e'nin resim ve gravür baskılarını doğurmuştur .

Edo dönemindeki önemli sanatçılar şunlardır:

Savaş öncesi dönem (1868–1945)

Kuroda Seiki , Lakeside , 1897, tuval üzerine yağlı boya, Kuroda Anıt Salonu , Tokyo
Yoritomo Mağarada , Maeda Seison

Savaş öncesi dönem Avrupa stilleri ve geleneksel yerli stilleri rakip içine sanatın bölünerek kutlandı.

Meiji döneminde Japonya , Meiji hükümeti tarafından düzenlenen Avrupalılaşma ve modernleşme kampanyası sırasında muazzam bir siyasi ve sosyal değişim geçirdi . Batı tarzı resim ( yōga ), gelecek vaat eden genç sanatçıları eğitim için yurtdışına gönderen ve Japon okullarında bir sanat müfredatı oluşturmak için Japonya'ya gelmeleri için yabancı sanatçıları işe alan hükümet tarafından resmen desteklendi .

Bununla birlikte, batı tarzı sanat için bir ilk coşku patlamasından sonra, sarkaç ters yönde sallandı ve sanat eleştirmeni Okakura Kakuzō ve eğitimci Ernest Fenollosa tarafından yönetildi , geleneksel Japon stilleri ( Nihonga ) için bir takdir canlandı . 1880'lerde batı tarzı sanat resmi sergilerden yasaklandı ve eleştirmenler tarafından ciddi şekilde eleştirildi. Okakura ve Fenollosa tarafından desteklenen Nihonga stili, Avrupa Raphael öncesi hareketinden ve Avrupa Romantizminden etkilenerek gelişti .

Yōga tarzı ressamlar , kendi sergilerini düzenlemek ve batı sanatına yeni bir ilgiyi teşvik etmek için Meiji Bijutsukai'yi (Meiji Güzel Sanatlar Derneği) kurdular .

1907 yılında kurulmasıyla Bunten himayesinde Milli Eğitim Bakanlığı , her iki rakip gruplar karşılıklı tanıma ve birlikte yaşamı bulundu ve hatta karşılıklı sentezi yönündeki süreci başladı.

Taishō dönemi hakimiyetini gördü Yoga üzerinde Nihonga . Avrupa'da uzun konaklamalar sonra, (Arishima Ikuma dahil) birçok sanatçı onlarla tekniklerini getiren Yoshihito hükümdarlığı altında Japonya'ya döndü Empresyonizm ve erken Sonrası Empresyonizm . Camille Pissarro , Paul Cézanne ve Pierre-Auguste Renoir'in eserleri, erken Taishō dönemi resimlerini etkiledi. Bununla birlikte, Taishō dönemindeki yoga sanatçıları da eklektizme yöneldi ve muhalif sanatsal hareketlerin bolluğu vardı. Bunlar , özellikle Fovizm olmak üzere post-empresyonizm tarzlarını vurgulayan Fusain Society'yi ( Fyuzankai ) içeriyordu . 1914'te Nikakai (İkinci Bölüm Derneği), hükümet tarafından desteklenen Bunten Sergisine karşı çıktı.

Taishō döneminde Japon resmi, neoklasizm ve geç post-empresyonizm gibi diğer çağdaş Avrupa hareketlerinden sadece hafifçe etkilendi .

Ancak, 1920'lerin ortalarına doğru, post-empresyonizmden belirli eğilimleri benimseyen yeniden dirilen Nihonga oldu . İkinci nesil Nihonga sanatçıları , hükümet destekli Bunten'e karşı rekabet etmek için Japonya Güzel Sanatlar Akademisi'ni ( Nihon Bijutsuin ) kurdular ve yamato-e gelenekleri güçlü kalmasına rağmen , batı perspektifinin artan kullanımı ve batılı uzay ve ışık kavramları ortaya çıkmaya başladı. arasında ayrımı Nihonga ve YOGANIN .

Savaş öncesi Japon boyama Showa döneminde büyük ölçüde hakim olan Sotaro Yasui ve Ryūzaburō Umehara kavramlarını bu, saf sanat ve soyut resim için Nihonga gelenek ve dolayısıyla bu türün daha yorumsal versiyonunu yarattı. Bu eğilim, sürrealizmi kapsayacak şekilde Leonard Foujita ve Nika Society tarafından daha da geliştirildi . Bu eğilimleri desteklemek için 1931'de Bağımsız Sanat Derneği ( Dokuritsu Bijutsu Kyokai ) kuruldu.

İkinci Dünya Savaşı sırasında , hükümet kontrolleri ve sansür , yalnızca vatansever temaların ifade edilebileceği anlamına geliyordu. Pek çok sanatçı hükümetin propaganda çabalarına dahil edildi ve eserlerinin duygusal olmayan eleştirel bir incelemesi daha yeni başlıyor.

Savaş öncesi dönemde önemli sanatçılar şunlardır:

Savaş sonrası dönem (1945-günümüz)

Savaş sonrası dönemde, hükümet destekli Japonya Sanat Akademisi ( Nihon Geijutsuin ) hem de içeren, 1947 yılında kuruldu nihonga ve yoga bölünmeleri. Sanat sergilerinin devlet sponsorluğu sona erdi, ancak yerini Nitten gibi daha büyük ölçekte özel sergiler aldı . Nitten başlangıçta Japonya Sanat Akademisi'nin sergisi olmasına rağmen, 1958'den beri ayrı bir özel şirket tarafından yönetiliyor. Nitten'e katılım , Japonya Sanat Akademisi'ne aday olmak için neredeyse bir ön koşul haline geldi ve bu, başlı başına Kültür Düzeni'ne aday olmak için neredeyse resmi olmayan bir ön koşuldur .

Edo ve savaş öncesi dönemlerin (1603–1945) sanatları, tüccarlar ve şehirliler tarafından desteklendi . Edo ve savaş öncesi dönemlerin aksine, savaş sonrası dönemin sanatları popüler hale geldi. İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra , ressamlar, hattatlar ve matbaacılar , büyük şehirlerde, özellikle Tokyo'da gelişti ve titreyen ışıklara, neon renklerine ve soyutlamalarının çılgın hızına yansıyan kentsel yaşamın mekanizmalarıyla meşgul oldular . New York-Paris sanat dünyasının tüm "izmleri" hararetle kucaklandı. 1960'ların soyutlamalarından sonra, 1970'ler, 1980'lerde Ushio Shinohara'nın patlayıcı eserlerinde somutlaşan "op" ve "pop" sanat hareketleriyle güçlü bir şekilde tatlandırılmış gerçekçiliğe dönüş gördü . Böyle olağanüstü avangard sanatçıların çoğu hem Japonya'da hem de yurtdışında çalıştı ve uluslararası ödüller kazandı. Bu sanatçılar, çalışmalarında "Japonca bir şey" olmadığını hissettiler ve gerçekten de uluslararası okula aitlerdi. 1970'lerin sonlarında, Japon nitelikleri ve ulusal bir tarz arayışı, birçok sanatçının sanatsal ideolojilerini yeniden değerlendirmesine ve bazılarının Batı'nın boş formülleri olduğunu düşündüğü şeylerden uzaklaşmasına neden oldu. Modern deyim içindeki çağdaş resimler, geleneksel Japon sanat biçimlerini, aygıtlarını ve ideolojilerini bilinçli bir şekilde kullanmaya başladı. Bir dizi mono-ha sanatçısı, mekansal düzenlemelerde, renk uyumlarında ve lirizmde geleneksel nüansları yeniden yakalamak için resme yöneldi.

Japon tarzı veya nihonga resmi, savaş öncesi bir tarzda devam eder ve geleneksel ifadeleri kendi özgün karakterlerini korurken günceller. Bu tarzdaki bazı sanatçılar hala geleneksel renkler ve mürekkeple ipek veya kağıda resim yaparken, diğerleri akrilik gibi yeni malzemeler kullandılar .

Eski sanat okullarının çoğu, özellikle de Edo ve savaş öncesi dönemlerinkiler, hala uygulanıyordu. Örneğin, parlak, saf renkler ve kanayan yıkamalarla karakterize edilen rimpa okulunun dekoratif natüralizmi , 1980'lerin Hikosaka Naoyoshi sanatında savaş sonrası dönemin birçok sanatçısının eserlerine yansıdı . Gerçekçiliği Maruyama Ōkyo 'ın okul ve baylar-alimlerinden kaligrafik ve spontan Japon tarzı hem yaygın 1980'lerde uygulanmıştır. Bazen bu okulların tümü ve Kanō okul mürekkebi gelenekleri gibi daha eski olanlar, çağdaş sanatçılar tarafından Japon tarzında ve modern deyimle çizildi. 1970'lerde başlayan Japon tarzı sanat için yenilenen popüler talebin bir sonucu olarak birçok Japon tarzı ressam ödül ve ödüllerle onurlandırıldı. Gittikçe daha fazla, uluslararası modern ressamlar, 1980'lerde Batı stillerinden uzaklaşırken Japon okullarından da yararlandılar. Doğu ve Batı'yı sentezleme eğilimi vardı. Bazı sanatçılar, seçkin ressam Shinoda Toko'nun yaptığı gibi, ikisi arasındaki boşluğu çoktan atlamıştı . Cesur sumi mürekkebi soyutlamaları, geleneksel kaligrafiden ilham aldı, ancak modern soyutlamanın lirik ifadeleri olarak gerçekleşti.

Japonya'da çalışmaları büyük ölçüde anime alt kültürlerinden ve popüler ve gençlik kültürünün diğer yönlerinden ilham alan bir dizi çağdaş ressam da var . Takashi Murakami , Kaikai Kiki stüdyo kolektifindeki diğer sanatçılarla birlikte belki de bunların en ünlü ve popülerleri arasındadır . Çalışmaları, savaş sonrası Japon toplumunun sorunlarını ve endişelerini genellikle görünüşte zararsız olan biçimler aracılığıyla ifade etmeye odaklanır. Büyük ölçüde anime ve ilgili stillerden yararlanıyor, ancak medyada daha geleneksel olarak güzel sanatlarla ilişkilendirilen tablolar ve heykeller üretiyor, ticari ve popüler sanat ile güzel sanatlar arasındaki çizgileri kasıtlı olarak bulanıklaştırıyor.

Savaş sonrası dönemde önemli sanatçılar şunlardır:

Ayrıca bakınız

Referanslar

daha fazla okuma