dans tarihi -History of dance
Dansın tarihine erişmek zordur, çünkü dans çoğu zaman arkasında taş aletler , av aletleri veya mağara resimleri gibi bin yıldan fazla süren açıkça tanımlanabilir fiziksel eserler bırakmaz . Dansın ne zaman insan kültürünün bir parçası haline geldiğini kesin olarak belirlemek mümkün değildir .
erken dans
Doğal dans dürtüsü, insanlara dönüşmeden önce ilk primatlarda var olmuş olabilir. Dans, en eski insan uygarlıklarının doğuşundan bu yana törenlerin , ritüellerin , kutlamaların ve eğlencelerin önemli bir parçası olmuştur . Arkeoloji , Hindistan'daki 10.000 yıllık Bhimbetka kaya barınakları resimleri ve M.Ö. 3300 M.Ö. Pek çok çağdaş dans formu , antik dönemin tarihi , geleneksel , törensel ve etnik danslarına kadar uzanabilir .
Sosyal iletişim ve bağ kurma araçları
Dans, ilk insanlar arasında hayatta kalmak için gerekli olan işbirliğini teşvik eden bir sosyal etkileşim aracı olarak kullanılmış olabilir. Araştırmalar, günümüzün en iyi dansçılarının, iyi sosyal iletişimciler olmaya yatkınlıkla ilişkili iki spesifik geni paylaştığını buldu.
Ayrıca “kinestetik” terimi, dansın nasıl iletişim kurduğunu anlamaya yardımcı olmak için doğru bir terimdir ve kişinin kendi vücudunun hareketini tanıması anlamına gelir, bu kelime iki kelimenin birleşimidir (kinein=hareket etmek, aesthesis=algı). Ve iletişimde dans dil gibidir, anlayabilir, hissedebilir, görebilir ve duyabilirsiniz. Birisi bir dansta tüm vücut kaslarını ve hislerini kullandığında, seyirciye veya kimin izlediğine bir mesaj gibi göndereceksiniz. Yani dans hareketleri ve arka plan sesleri de büyük rol oynuyor. Bir grup performansı olduğunda, el ele tutuşarak veya omuz omuza vererek ya da karşılıklı dans ederek kendilerini iletişim ve bağlı hissetmelerini sağlar.
Halk kutlamaları olarak
İlk devirlerdeki birçok dans, ataların dünya barışı için eğlendirilmesi gerektiğine inandıkları tanrılara bir ritüel olarak icra edildi. Tarih boyunca dansın topluluk dansı, hasat ve ibadet gibi birçok kullanım alanı olduğunu görebiliriz. Dansın evrimi, halk kökenlerinden mahkeme sunumlarına ve şimdi tiyatro ve hatta sinema filmlerine kadar başladı.
Törenlerde ve ritüellerde
Dans, dini veya şamanik ritüellerde, örneğin kuraklık zamanlarında yapılan yağmur dansında gerçekleştirilebilir. Eski Çin metinlerinde yağmur için dans eden şamanlardan söz edilir. Dans, eski Mısır'daki bazı dini ayinlerin önemli bir yönüdür, benzer şekilde dans, Afrika halkı arasındaki birçok tören ve ayinlerin ayrılmaz bir parçasıdır. Ritüel danslar ayrıca tapınaklarda ve dini bayramlarda, örneğin Hindistan'ın Rasa ritüel dansları (bir dizi Hint klasik dansının kökeni ritüel danslardan gelebilir) ve Tibet'in Cham dansları sırasında gerçekleştirilebilir.
İyileşme yöntemi olarak
Dansın bir başka erken kullanımı, şifa ritüellerinde kendinden geçmiş trans durumlarının habercisi olarak olmuş olabilir . Dans, Brezilya yağmur ormanlarından Kalahari Çölü'ne kadar birçok kültür tarafından bu amaçla kullanılmaktadır . Ortaçağ Avrupa dansları macabres'in katılımcıları hastalıktan koruduğu düşünülüyordu; ancak bu dansların histerisi ve süresi bazen yorgunluktan ölüme yol açıyordu.
Bir Sinhalese efsanesine göre, Kandyan dansları 2500 yıl önce, kralı gizemli bir hastalığın tedavisi için büyülenmiş bir kralın büyüsünü bozan sihirli bir dans ritüelinden doğmuştur.
Bir ifade yöntemi olarak
Dansların en eski yapılandırılmış kullanımlarından biri, gösterilerde ve mitlerin anlatılmasında olabilir. Bazen karşı cinsten birine karşı hislerini göstermek için de kullanılırdı. Aynı zamanda "sevişmenin" kökeniyle de bağlantılıdır. Yazılı dillerin üretilmesinden önce dans, bu hikayeleri nesilden nesile aktarmanın yöntemlerinden biriydi.
Avrupa kültüründe, dansın en eski kayıtlarından biri , İlyada koreyi (χορεία khoreia ) tanımlayan Homeros'a aittir . İlk Yunanlılar , dans sanatını tüm farklı tutkuları ifade eden bir sistem haline getirdiler. Örneğin, bu şekilde temsil edilen Furylerin dansı, onlara tanık olanlar arasında tam bir korku yaratacaktır. Yunan filozof Aristo , dansı şiirle sıraladı ve belirli dansçıların, jestlere uygulanan ritimle tavırları, tutkuları ve eylemleri ifade edebildiklerini söyledi. En seçkin Yunan heykeltıraşları , tutkuyu taklit etme sanatlarında dansçıların tavırlarını inceledi.
Kültürel gelenekler
Asya
Hint klasik dansı
Dansı anlatan erken bir el yazması , klasik Hint dansının (örneğin Bharathanatyam ) modern yorumuna dayanan Natya Shastra'dır .
Oudh'un son Babürlüler ve Nawab'larının saltanatı sırasında , dans , fahişelerin etik olmayan, duyusal bir şeyi olan ' nautch ' statüsüne düştü .
Daha sonra, dansı ahlaksız insan ticareti ve fuhuşla ilişkilendiren İngiliz yönetimi, halka açık dans gösterisini yasakladı. Birçoğu bunu onaylamadı. 1947'de Hindistan özgürlüğünü kazandı ve dans için eski ihtişamını yeniden kazanabileceği bir ortam yarattı. Klasik formlar ve bölgesel farklılıklar yeniden keşfedildi, etnik özellikler onurlandırıldı ve onları çizgideki ustaların bireysel yetenekleri ve taze yeniliklerle sentezleyerek yeni bir yüzle ama geçmişin klasisizmiyle dans ortaya çıktı.
Sri Lanka'da , eski Sinhalese vakayinamesi Mahavamsa , Kral Vijaya'nın MÖ 543'te Sri Lanka'ya indiğinde bir düğün töreninden müzik ve dans sesleri duyduğunu belirtir. Sri Lanka danslarının kökenleri , yerli kabilelere ve yerli yingyang ikizlerinin ve " yakkaların " (şeytanların) mitolojik zamanlarına kadar uzanır. Sri Lanka'nın klasik dansları (Kandyan dansları), oldukça gelişmiş bir tala (ritim) sistemine sahiptir ve thalampataa adı verilen ziller tarafından sağlanır.
Çin dansı
Çin danslarının uzun bir kayıtlı tarihi vardır. Kol hareketleriyle dans etmek gibi eski metinlerde adı geçen dansların bir kısmı günümüzde hala yapılmaktadır. İlk danslardan bazıları şamanik ritüellerle ilişkilendirildi. Erken dönem halk oyunları da saray danslarına dönüşmüştür. Antik dönemin önemli dansları, MÖ 1. binyılın Zhou hanedanına tarihlenen tören yayılarıydı . Çin'de dans sanatı , dünyanın birçok yerinden dansçıların da imparatorluk sarayında sahne aldığı Tang hanedanlığı döneminde zirveye ulaştı . Bununla birlikte, Çin operası Song ve Yuan hanedanlığı döneminde popüler oldu ve birçok dans Çin operasıyla birleştirildi. Kadınlarda dans sanatı da Song hanedanından itibaren ayak bağlamanın artan popülaritesinin bir sonucu olarak düşüşe geçti . Çin geleneksel danslarının en bilinenleri ejderha dansı ve aslan dansıdır . Aslan dansı, Tang hanedanlığında günümüz dansına benzeyen bir biçimde anlatılmıştır.
Avrupa
15.-19. yüzyıllar: saray dansından romantizme
Bale dansının kökenleri, 15. yüzyılın İtalyan Rönesans mahkemelerine kadar izlenebilir. Dans ustaları, soyluluğun adımlarını öğretecek ve mahkeme, gösterilere bir sosyal eğlence biçimi olarak katılacaktı. Bu uygulama birkaç yüzyıl boyunca devam etti. 17. yüzyılda, saray balesi , Kral XIV.Louis'in yönetimi altında zirveye ulaştı .
18. yüzyılda bale , besteci/dansçı Jean-Baptiste Lully'nin dikkatli yönetimi altında Fransız ve İtalyan kraliyet mahkemelerinden Paris Opéra'ya göç etmişti . Lully, baleyi daha ciddi bir sanat haline getirmeye çalıştı. Onun etkisi altında bale, saray mensupları yerine profesyonel dansçılar tarafından icra edilen tanınmış bir sanat haline geldi.
18. yüzyılda bale, bir gösteri olarak hareketli görüntülerin saray dansından kendi başına performans sanatına geçiş yaptı. Bale gösterileri, merkezi bir anlatı etrafında gelişti ve karakterler arasındaki ilişkileri ortaya çıkaran ifade edici bir hareket içeriyordu. Bu dramatik bale tarzı bale d'action olarak bilinir hale geldi . Bale d'action, ilk kez, doğrudan dansçılardan alınan insani duyguları ifade etmeye çalıştı. Duygusal içeriğin yüz ifadelerinden elde edilebilmesi için daha önce sanatçılar tarafından giyilen maskeler kaldırıldı.
Bu dönemde kostümler dansçılar için çok kısıtlayıcıydı. Bedenin daha dışavurumcu bir şekilde kullanılması teşvik edilse de dansçıların hareketleri ağır malzemeler ve korseli elbiseler nedeniyle hala kısıtlıydı. Kostümler genellikle bir dansçının fiziğini kapsıyordu ve karmaşık veya karmaşık koreografiyi görmeyi zorlaştırıyordu. Koreograf Jean Georges Noverre'nin 1760'da Dans ve Bale Üzerine Mektuplar adlı eseriyle dans reformları çağrısında bulunmasına kadar kostümler daha elverişli hale geldi. Noverre, kostümlerin vücutla birlikte hareket eden ve dansçı figürünü tamamlayan hafif kumaşlar kullanılarak hazırlanmasını istedi. Ayrıca dansçılar ayaklarına tam oturan yumuşak terlikler giydiler. Bu ayakkabı tasarımı balerin içinde güven aşıladı ve onu parmak uçlarında dans etmeye cesaretlendirdi. Natüralist kostüm, dansçıların hareketin sınırlarını zorlamalarına izin verdi ve sonunda en pointe yükseldi .
Romantizm dönemi, fantezi, gizem ve egzotik yerlerin alışılmadık kültürlerinden esinlenen baleler üretti. Duygulara, fanteziye ve manevi dünyalara daha fazla odaklanan ve gerçek pointe çalışmasının başlangıcını müjdeleyen baleler. Şimdi, ayak parmaklarında, tanrılaştırılmış balerin (bu dönemde efsanevi balerin Marie Taglioni tarafından bedenlenmiştir ) sihirli bir şekilde sahnenin yüzeyini sıyırmış gibi görünüyordu, ruhani bir varlık asla yere tam olarak değmiyordu. Bu dönemde balerin yükselen yıldızı, çoğu durumda sadece balerini kaldırmak için orada bulunan hareketli bir heykel statüsüne indirgenen zavallı erkek dansçının varlığını oldukça gölgede bıraktı. Bu üzücü durum gerçekten ancak erkek bale yıldızı Vaslav Nijinsky'nin 20. yüzyılın başlarında Rus Balletleri ile yükselişiyle telafi edildi. Bildiğimiz kadarıyla bale, kostüm, koreografik biçim, olay örgüsü, ihtişam ve koşulların tüm tanıdık gelenekleri yerine sağlam bir şekilde sabitlenmiş olarak, bu zamana kadar iyi ve gerçekten gelişmişti. Nijinsky, atletizmi baleye getirdi. O zamanlar koreografisi tartışmalı olarak görülse de, şimdi ilk çağdaş balelerden biri olarak kabul ediliyor. [1]
20. yüzyılın başları: baleden çağdaş dansa
Rus Baleleri, 20. yüzyılın başlarında balede devrim yapmaya başladığından beri, klasik bale kalıbını kırmaya yönelik girişimler devam etti. Şu anda bale tekniğinin sanatsal kapsamı (ve beraberindeki müzik, atlama teli ve multimedya ) her zamankinden daha kapsamlı. Bir klasik bale eserini sınıflandıran sınırlar sürekli olarak gerilir, çamurlanır ve bulanıklaştırılır, ta ki günümüzde belki de sadece katılım gibi teknik deyimlerin izleri kalana kadar .
20. yüzyılın başlarındaki yeni düşünce ve keşif patlaması sırasında, dans sanatçıları bireyin niteliklerini, ritüel ve dinin gerekliliklerini, ilkel, dışavurumcu ve duygusal olanı takdir etmeye başladılar. Bu atmosferde modern dans bir büyüme patlaması başlattı. Neyin kabul edilebilir olduğu, neyin sanat olduğu ve insanların yaratmak istediği şeylerde birdenbire yeni bir özgürlük vardı. Bir anda balenin kostümleri ve püf noktaları kadar ya da ötesinde pek çok başka şeye değer verildi.
20. yüzyılın başlarındaki modern koreografların ve dansçıların çoğu, baleyi en olumsuz ışıkta gördü. Isadora Duncan bunun çirkin olduğunu düşündü, anlamsız jimnastikten başka bir şey değildi. Martha Graham , onu modern Amerikan halkıyla hiçbir ilgisi olmayan Avrupalı ve Emperyalist olarak gördü. Merce Cunningham , bale tekniğinin bazı temellerini öğretiminde kullanırken, koreografiye ve performansa geleneksel bale formatına kıyasla tamamen farklı bir bakış açısıyla yaklaştı.
20. yüzyıl gerçekten de balenin temsil ettiği her şeyden uzaklaşma dönemiydi. Dansçılar ve koreograflar için benzeri görülmemiş bir yaratıcı büyüme zamanıydı. Aynı zamanda dansın tanımının da genişlediği bir dönemdi. Ballet Russes, Batı'da ve dünyada balenin geleceği için bir dönüm noktasıydı. Coco Chanel, Pablo Picasso ve diğerleri gibi o dönemin dahileriyle işbirliği yapmak. [2] Ballet Russes harika müzik, tasarım ve dansı tek bir performansta bir araya getirdi. [3]
Afrika
Afrika dansı, esas olarak, birçoğu bölgenin geleneksel ritimlerine ve müzik geleneklerine dayanan Sahra Altı Afrika'nın dans stillerini ifade eder . Modern Afrika dans stilleri, kültür ve geleneğe derinden kök salmıştır. Birçok kabilenin sadece kabilenin dans geleneklerini aktarmak amacıyla bir rolü vardır; Yüzyıllar boyunca nesilden nesile aktarılan, çoğu zaman değişmeden, doğaçlamaya çok az yer bırakan veya hiç yer vermeyen danslar. Her kabile, amaca göre üç kategoriye ayrılan kendi benzersiz dans tarzını geliştirdi. Birincisi, birçok kabilenin barışı, sağlığı ve refahı arttırdığını iddia ettiği dini danstır. Dini danslar genellikle hem ruhlar hem de onları yatıştıranlar olarak performans gösteren maskeli baloları içeriyordu. Din ve maneviyat, geleneksel Afrika yaşamının her bölümünü aşıladı ve bugün Afrika dansını etkilemeye devam ediyor. İkincisi griotic ve bir hikaye anlatan bir dans türüydü. Adını, Batı Afrika'daki geleneksel bir hikaye anlatıcısı için kullanılan bir terim olan bir griottan almıştır. Bazı griotic danslar yalnızca kabilenin griot'u tarafından oynanırdı ; bugün, topluluklar bir zamanlar griot'a özel olan aynı dansları sergiliyor . Üçüncü tip törenseldir. Bu danslar düğünler, yıldönümleri ve geçit törenleri gibi törenlerde yapılır. Ancak birçok dansın tek bir amacı yoktu. Bunun yerine, çoğu zaman birçok ikincil amaç ile harmanlanmış bir birincil amaç vardı. Dans, kabile toplumunda bir hükümdarın statüsünün korunması için genellikle çok önemliydi. Sömürgecilik ve küreselleşme, belirli Afrika dansı tarzlarının ortadan kaldırılmasıyla sonuçlandı. Diğer stiller birlikte harmanlanmış veya Afrika dışındaki dans stilleriyle karıştırılmıştır.
Kölelik bağlamında Afrika dansı
Özellikle 1500'lü yıllardan itibaren insanlar Afrika'dan köle olarak satılmak üzere götürülürken dans tarzlarını da beraberlerinde getirmişlerdir. Tüm kültürler Yeni Dünya'ya, özellikle de kölelere kültürlerini sürdürmeleri için daha fazla esneklik verilen ve Avrupalılardan veya Brezilya gibi yerli Amerikalılardan daha fazla Afrikalı kölenin bulunduğu bölgelere ithal edildi . Afrika dans stilleri, yeni dans stilleri oluşturmak için yeni kültürel deneyimlerle birleştirildi. Örneğin, köleler, efendilerinin yüksek enerjili dans tarzları hakkındaki korkularına, adımlarını karıştırmaya geçerek yanıt verdiler. Ancak Kuzey Amerika'da kölelerin kültürlerini ve danslarını sürdürmek için çok fazla özgürlüğü yoktu. Çoğu durumda, bu danslar, Afrikalı-Amerikalı dansı ve Brezilya dansı gibi modern dans stillerine dönüşmüştür . Örneğin, Calenda Brezilya'da kabile dansından evrimleşmiştir. Calenda daha sonra, başlangıçta plantasyon sahipleriyle alay etmek için dans edilen Cakewalk'a dönüştü; daha sonra Charleston'a dönüştü . Capoeira , aslen Afrika'da uygulanan ve köleleştirilmiş Afrikalıların, plantasyon sahiplerinin şüphesini uyandırmamak için bir dans biçimi olarak maskelediği bir savaş sanatıydı.
20. yüzyılın sonları ve 21. yüzyılın başlarında
postmodernizm
20. yüzyılın başlarında modern dansın patlamasından sonra, 1960'lar postmodernizmin büyümesini gördü . Postmodernizm, basitliğe, küçük şeylerin güzelliğine, eğitimsiz vücudun güzelliğine ve karmaşık olmayan harekete yöneldi. Yvonne Rainer'in tüm kostümleri, hikayeleri ve dış süsleri, ham ve cilasız hareket lehine reddeden ünlü "Hayır" manifestosu , belki de bu düşünce dalgasının en uç noktasıydı. Ancak setler, dekor ve şok değerinin modern koreografların kelime dağarcığına yeniden girmesi çok uzun sürmedi.
Çağdaş dans ve bale
1980'lerde dans tam bir döngüye girdi ve modern dans (veya bu zamana kadar " çağdaş dans ") birçok uygulayıcı için hala oldukça teknik ve politik bir araçtı. Klasik balenin yanı sıra var olan iki sanat formu, önceki çağların rekabeti ve antipatisinin pek azıyla, artık yan yana barış içinde yaşıyordu. Devam eden bu rekabet üzerine akıllıca tasarlanmış bir yorumda, Twyla Tharp (20. yüzyılın en ileri dans avangardist/çağdaşlarından biri) ve Bale dansının mükemmel işbirliği sonunda elde edildi. Şimdiki zaman bizi hala koreografların en şok edici eseri üretmek için yarıştığı çok rekabetçi sanatsal atmosferde görüyor; bununla birlikte, dans tekniğinin tarihte hiç olmadığı kadar uzmanlık, güç ve esneklik açısından daha da ilerlediği bir çağda hala sahip olunacak güzellikler ve inanılmaz danslar var.
Sokak dansı/Hip-hop dansı
Aynı zamanda, kitle kültürü sokak dansının genişlemesini yaşadı . 1973'te ünlü grup Jackson 5 , Richmond, CA'da yetiştirilen bir dans formu olan Robot ( postmodern sanatçı Michael Jackson tarafından koreografisi yapılmıştır ) adlı bir dansı televizyonda sergiledi . Bu olay ve daha sonra siyah dansçıların (Don Cambell gibi) Soul Train performansları bir anlamda sokak kültürü devrimini ateşledi. New York'ta B-boying, LA'de Locking, Fresno, CA'da Popping, Oakland, CA'da Boogaloo, Richmond, CA'da Robot, hepsinin kendi yaratıcı patlamaları 60'ların sonlarında - 70'lerde gerçekleşti. Her birinin kendi geçmişi, uygulamaları, yenilikçileri ve temelleri vardır.
20. yüzyıl modern dansının ortaya çıkışı için ayrıca bakınız: Mary Wigman , Gret Palucca , Harald Kreutzberg , Yvonne Georgi ve Isadora Duncan .
Hip-hop dansı , namı diğer Kool DJ Herc ve hip-hop'un babası olan Clive Campbell'in 1967'de Jamaika'dan New York'a gelmesiyle başladı. Reggae'nin tohumlarını anavatanından alarak, iki müzik kullanan ilk DJ olarak tanınır. onun sıkışmalarını oluşturmak için aynı kaydın pikapları ve aynı kopyaları. Ancak, molalar geldiğinde onu bırakan bir break erkek ve break kız kültürü yaratmasına ve adlandırmasına izin veren, bu şarkılardaki - vurmalı vuruşların en agresif olduğu müzikal bölüm - onun uzantısıydı. Kısaca b-boys ve b-girls olarak adlandırılan bu dansçılar , şimdi hip-hop dansının temel taşı olan breakdance'ı kurdular.
Ayrıca bakınız
Referanslar
daha fazla okuma
- Adshead-Lansdale, J. (ed.) (1994). Dans Tarihi: Bir Giriş . Routledge. ISBN 0-415-09030-X .
- Charman, S. Kraus, R, G. Chapman, S. ve Dixon-Stowall, B. (1990). Sanatta ve Eğitimde Dansın Tarihi . Pearson Eğitimi. ISBN 0-13-389362-6 .
- Dils, A. (2001). Hareketli Tarih/Dans Kültürleri: Bir Dans Tarihi Okuyucusu . Wesleyan Üniversitesi Yayınları. ISBN 0-8195-6413-3 .
- Wallace, Carol McD.; ve diğerleri (1986). Dans: çok sosyal bir tarih . New York: Metropolitan Sanat Müzesi. ISBN'si 9780870994869.
- Ahşap, Melusine (1952). On ikinci yüzyıldan on dokuzuncu yüzyıla kadar bazı tarihi danslar; performans tarzları ve zamanın sosyal yaşamındaki yerleri , Londra: Imperial Society of Teachers of Dancing.