Klasik dönem (müzik) -Classical period (music)

Wolfgang Amadeus Mozart (klavyede oturuyor)

Klasik dönem , kabaca 1730 ile 1820 arasında klasik müzik dönemiydi .

Klasik dönem, Barok ve Romantik dönemler arasındadır. Klasik müzik, Barok müziğe göre daha hafif, daha net bir dokuya sahiptir, ancak daha sofistike bir form kullanımına sahiptir. Esas olarak homofoniktir , ikincil bir akor eşliğinde net bir melodi çizgisi kullanır , ancak kontrpuan , özellikle litürjik vokal müzikte ve daha sonraki dönemde seküler enstrümantal müzikte hiçbir şekilde unutulmamıştır. Barok'un ağırbaşlı ciddiyeti ve etkileyici görkemi yerine hafif zarafete vurgu yapan galant stilinden de yararlanır . Bir parçadaki çeşitlilik ve kontrast eskisinden daha belirgin hale geldi ve orkestranın boyutu, aralığı ve gücü arttı.

Klavsen , piyano (veya fortepiano ) tarafından ana klavye enstrümanı olarak değiştirildi . Telleri tüylerle çeken klavsenden farklı olarak, piyanolar tuşlara basıldığında tellere deri kaplı çekiçlerle vurur, bu da icracının daha yüksek veya daha yumuşak çalmasını sağlar (bu nedenle orijinal adı "fortepiano", kelimenin tam anlamıyla "yüksek sesli") ve daha fazla ifade ile oynayın; aksine, bir icracının klavsen tuşlarını çalma gücü sesi değiştirmez. Enstrümantal müzik, Klasik dönem bestecileri tarafından önemli kabul edilmiştir. Enstrümantal müziğin ana türleri sonat , üçlü , yaylı dörtlüsü , beşli , senfoni (bir orkestra tarafından gerçekleştirilen) ve keman, piyano, flüt veya başka bir enstrüman için solo bir eser çalan bir virtüöz solo icracının yer aldığı solo konçerto idi. orkestra eşliğinde. Bir şarkıcı ve piyano için şarkılar (özellikle Schubert'in eseri), koro eserleri ve opera (şarkıcılar ve orkestra için sahnelenen dramatik bir eser) gibi vokal müzik de bu dönemde önemliydi.

Bu dönemin en tanınmış bestecileri Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven ve Franz Schubert'tir ; diğer önemli isimler arasında Carl Philipp Emanuel Bach , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Joseph Martin Kraus , Muzio Clementi , Christoph Willibald Gluck , Carl Ditters von Dittersdorf , André Grétry , Pierre-Alexandre Monsigny , Leopold Mozart , Michael Hayovan , Paisiello , Johann Baptist Wanhal , François-André Danican Philidor , Niccolò Piccinni , Antonio Salieri , Georg Christoph Wagenseil , Georg Matthias Monn , Johann Gottlieb Graun , Carl Heinrich Graun , Franz Benda , Georg Antoni Benda , Johann Georg Albrechtsberger ve Chevalier de Saint-Georges . Beethoven, ya Romantik bir besteci ya da Romantik çağa geçişin bir parçası olan Klasik dönem bestecisi olarak kabul edilir. Johann Nepomuk Hummel , Luigi Cherubini , Gaspare Spontini , Gioachino Rossini , Carl Maria von Weber , Jan Ladislav Dussek ve Niccolò Paganini gibi Schubert de bir geçiş figürüdür . Gluck, Haydn, Salieri, Mozart, Beethoven ve Schubert'in tümü Viyana'da çalıştığından, dönem bazen Viyana Klasisizmi (Almanca: Wiener Klassik ) dönemi olarak anılır .

klasisizm

18. yüzyılın ortalarında, Avrupa mimarlık , edebiyat ve sanatta genellikle Klasisizm olarak bilinen yeni bir tarza doğru ilerlemeye başladı . Bu tarz , Klasik antik çağın ideallerini , özellikle Klasik Yunanistan'ın ideallerini taklit etmeye çalıştı . Klasik müzik, formalite ve düzen ve hiyerarşi vurgusu ve parçalar arasında daha net bölünmeler (özellikle akorların eşlik ettiği net, tek bir melodi), daha parlak kontrastlar ve "ton renkleri" (telefonla elde edilen) kullanan "daha net", "daha temiz" bir tarz kullandı. daha fazla tuşa dinamik değişiklik ve modülasyon kullanımı). Barok döneminin zengin katmanlı müziğinin aksine, Klasik müzik karmaşıklıktan çok sadeliğe yöneldi. Ek olarak, orkestraların tipik boyutları artmaya başladı ve orkestralara daha güçlü bir ses verdi.

" Doğal felsefe " deki fikirlerin dikkate değer gelişimi, kendisini zaten kamu bilincinde kurmuştu. Özellikle Newton fiziği bir paradigma olarak alındı: yapılar aksiyomlarda sağlam temellere oturmalı ve hem iyi eklemlenmiş hem de düzenli olmalıdır. Bu yapısal netlik zevki , Barok döneminin katmanlı polifonisinden melodinin ikincil bir armoni üzerinde çalındığı homofoni olarak bilinen bir tarza doğru hareket eden müziği etkilemeye başladı . Bu hareket, akorların , tek bir bölümün melodik düzgünlüğünü kesintiye uğratsalar bile, müziğin çok daha yaygın bir özelliği haline geldiği anlamına geliyordu. Sonuç olarak, bir müzik parçasının tonal yapısı daha duyulabilir hale geldi .

Yeni tarz, ekonomik düzen ve sosyal yapıdaki değişikliklerle de teşvik edildi. 18. yüzyıl ilerledikçe, soylular enstrümantal müziğin birincil patronları olurken, halkın beğenisi giderek daha hafif, komik komik operaları tercih etti . Bu, müziğin icra edilme biçiminde değişikliklere yol açtı; bunlardan en önemlisi, standart enstrümantal gruplara geçiş ve sürekliliğin öneminin azalmasıydı - tipik olarak bir klavyeyle çalınan bir müzik parçasının ritmik ve armonik temeli ( klavsen veya organ ) ve genellikle çello , kontrbas , bas viol ve theorbo dahil olmak üzere çeşitli bas enstrümanları eşliğinde . Continuo'nun ve onun figürlü akorlarının düşüşünü izlemenin bir yolu , bir oda müziği eserinde zorunlu bir enstrümantal parça anlamına gelen obbligato teriminin ortadan kayboluşunu incelemektir . Barok bestelerde, grubun veya liderin tercihine göre kontinü grubuna ilave enstrümanlar eklenebilir; Klasik kompozisyonlarda, her zaman not edilmese de tüm bölümler özel olarak not edildi , bu nedenle "obbligato" terimi gereksiz hale geldi. 1800'lerde, 1800'lerin başında dini bir Ayinde bir boru organı continuo parçasının ara sıra kullanılması dışında, basso continuo neredeyse tükenmişti .

Ekonomik değişiklikler ayrıca müzisyenlerin bulunabilirliği ve kalitesi dengesini değiştirme etkisine sahipti. Geç Barok döneminde, büyük bir besteci bir kasabanın tüm müzik kaynaklarına sahip olacakken, aristokrat bir av köşkünde veya küçük bir sarayda mevcut olan müzik güçleri daha küçük ve yetenek seviyelerinde daha sabitti. Bu, topluluk müzisyenlerinin çalması için daha basit parçalara sahip olmak için bir teşvikti ve yerleşik bir virtüöz grubu söz konusu olduğunda, Mannheim orkestrası durumunda olduğu gibi belirli enstrümanlar için muhteşem, deyimsel parçalar veya topluluk için virtüöz solo parçalar yazmak için bir teşvikti. özellikle yetenekli kemancılar veya flütçüler. Buna ek olarak, izleyicilerin Barok'tan taşınan sürekli yeni müzik arzına olan iştahı. Bu, eserlerin en iyi ihtimalle bir veya iki prova ile icra edilebilir olması gerektiği anlamına geliyordu. 1790'dan sonra bile Mozart, konserlerinin yalnızca bir provası olacağını ima ederek "prova" hakkında yazıyor.

Tek bir melodik dizeye daha fazla vurgu yapıldığından, dinamikler ve ifadeler için o satırı not etmeye daha fazla vurgu yapıldı. Bu, melodilerin tipik olarak hiçbir dinamik, cümle işareti veya süsleme olmadan yazıldığı Barok dönemiyle çelişir, çünkü icracının bu unsurları yerinde doğaçlama yapacağı varsayılır. Klasik çağda, bestecilerin, icracıların tril veya dönüş gibi süsleri nerede çalmalarını istediklerini belirtmeleri daha yaygın hale geldi. Dokunun sadeleştirilmesi, bu tür enstrümantal detayları daha önemli hale getirdi ve ayrıca dikkat çeken açılış tantanaları, cenaze marşı ritmi veya minuet türü gibi karakteristik ritimlerin kullanımını tek bir hareketin tonunu oluşturmada ve birleştirmede daha önemli hale getirdi. .

Klasik dönem ayrıca, müzik türleri arasında uygulanabilecek melodik malzeme için Klasik tercihi armonik gelişim ile uzlaştıran bir dizi yapısal ilke olan sonat formunun kademeli gelişimini gördü. Sonatın kendisi solo ve oda müziğinin ana formu olmaya devam ederken, daha sonra Klasik dönemde yaylı çalgılar dörtlüsü öne çıkan bir tür haline geldi. Orkestra için senfoni formu bu dönemde yaratıldı (bu, popüler olarak Joseph Haydn'a atfedilir ). Barok dönemde çok popüler bir form olan Grosso konçertosu (birden fazla müzisyen için bir konçerto), yerini sadece bir solistin yer aldığı solo konçertoya bırakmaya başladı. Besteciler, solistin zorlu, hızlı ölçek ve arpej koşuları ile virtüöz becerilerini sergileme yeteneğine daha fazla önem vermeye başladılar. Bununla birlikte, en ünlüsü Mozart'ın Keman için Sinfonia Konçertantı ve E-bemol majör Viyola olan bazı konçerti grossi kaldı .

Modern bir yaylı çalgılar dörtlüsü. 2000'li yıllarda Klasik dönem yaylı dörtlüsü oda müziği literatürünün çekirdeğini oluşturur. Soldan sağa: keman 1, keman 2, çello, viyola

Temel özellikleri

Klasik dönemde tema , zıt melodik figürler ve ritimler içeren ifadelerden oluşur . Bu ifadeler nispeten kısadır, tipik olarak dört ölçü uzunluğundadır ve bazen seyrek veya özlü görünebilir. Doku esas olarak homofoniktir , örneğin bir Alberti bas gibi ikincil bir akor eşliğinin üzerinde net bir melodi bulunur . Bu, bir parçanın veya hareketin tipik olarak yalnızca bir müzik konusuna sahip olduğu, daha sonra kontrpuan ilkelerine göre bir dizi sesle çalışılacağı ve boyunca tutarlı bir ritim veya ölçü koruyarak Barok müziğindeki uygulama ile çelişir . Sonuç olarak, Klasik müzik Barok'tan daha hafif, daha net bir dokuya sahip olma eğilimindedir. Klasik tarz , Barok'un ağırbaşlı ciddiyeti ve etkileyici ihtişamı yerine ışık zarafetini vurgulayan bir müzik tarzı olan galant stilinden yararlanır.

Yapısal olarak, Klasik müzik genellikle net bir müzik formuna sahiptir ve net kadanslarla tanıtılan tonik ve baskın arasında iyi tanımlanmış bir karşıtlık vardır . Dinamikler , parçanın yapısal özelliklerini vurgulamak için kullanılır. Özellikle sonat formu ve varyantları erken klasik dönemde geliştirilmiş ve sıklıkla kullanılmıştır. Yapıya yönelik Klasik yaklaşım, bir kompozisyonun normal olarak tonik ve baskın arasında ve tekrar geriye doğru hareket ettiği, ancak yeni anahtara "varış" duygusu olmadan akor değişikliklerinin sürekli ilerlemesi yoluyla Barok ile çelişir. Klasik dönemde kontrpuan daha az vurgulanırken, özellikle sonraki dönemlerde hiçbir şekilde unutulmamış ve besteciler hala senfoni ve yaylı çalgılar dörtlüsü gibi "ciddi" eserlerde, Ayinler gibi dini eserlerde kontrpuan kullanmışlardır.

Klasik müzik tarzı, çalgılardaki teknik gelişmelerle desteklenmiştir. Eşit mizacın yaygın olarak benimsenmesi, tüm tuşlardaki kadansların benzer olmasını sağlayarak klasik müzik yapısını mümkün kılmıştır. Fortepiano ve ardından pianoforte klavsenin yerini alarak daha dinamik kontrast ve daha kalıcı melodiler sağladı. Klasik dönem boyunca, klavyeli çalgılar daha zengin, daha sesli ve daha güçlü hale geldi.

Orkestranın boyutu ve aralığı arttı ve daha standart hale geldi. Orkestradaki klavsen veya borulu org basso continuo rolü 1750-1775 yılları arasında kullanım dışı kalmış, yaylı çalgılar bölümü terk edilerek klarnet , obua , flüt ve fagottan oluşan kendi kendine yeten bir bölüm haline gelmiştir .

Komik opera gibi vokal müzikler popüler olurken, enstrümantal müziğe büyük önem verildi. Enstrümantal müziğin başlıca türleri sonat , üçlü , yaylı dörtlüsü , beşli , senfoni , konçerto (genellikle orkestra eşliğinde virtüöz solo enstrüman için) ve serenat ve divertimento gibi hafif parçalardı . Sonat formu gelişmiş ve en önemli form olmuştur. Senfoniler ve yaylı dörtlülerdeki çoğu büyük ölçekli eserin ilk bölümünü oluşturmak için kullanıldı . Sonat formu, diğer hareketlerde ve uvertür gibi tek, bağımsız parçalarda da kullanılmıştır .

Tarih

Barok/Klasik geçiş c. 1730-1760

Gluck, Joseph Duplessis'in portresinin detayı, 1775 tarihli ( Kunsthistorisches Museum , Viyana)

Yazar ve piyanist Charles Rosen , The Classical Style adlı kitabında , 1755'ten 1775'e kadar bestecilerin daha etkili dramatik olan yeni bir üslup aradıklarını iddia ediyor. Yüksek Barok döneminde dramatik ifade, bireysel duygulanımların temsiliyle ("duyguların doktrini" veya Rosen'in "dramatik duygu" olarak adlandırdığı şey) sınırlıydı . Örneğin Handel'in oratoryosu Jephtha'da besteci, "O, kızını bağışla" dörtlüsünde her karakter için bir tane olmak üzere dört duyguyu ayrı ayrı işler. Sonunda, bireysel duyguların bu tasviri basit ve gerçek dışı olarak görülmeye başlandı; besteciler, tek bir karakter veya hareket ("dramatik eylem") içinde aynı anda veya aşamalı olarak birden fazla duyguyu tasvir etmeye çalıştılar. Böylece Mozart'ın Die Entführung aus dem Serail'inin 2. perdesinin finalinde , aşıklar "neşeden şüphe ve öfkeye geçerek nihai uzlaşmaya" geçerler.

Müzikal olarak konuşursak, bu "dramatik eylem" daha fazla müzik çeşitliliği gerektiriyordu. Barok müziği bireysel hareketler ve büyük ölçüde tek biçimli dokular içinde kesintisiz akışla karakterize edilirken, Yüksek Barok'tan sonraki besteciler bu akışı doku, dinamik, armoni veya tempoda ani değişikliklerle kesmeye çalıştılar. Yüksek Barok'u izleyen üslup gelişmeleri arasında en dramatik olanı Empfindsamkeit (kabaca " hassas üslup ") olarak adlandırıldı ve en iyi bilinen uygulayıcısı Carl Philipp Emanuel Bach'dı . Bu tarzın bestecileri yukarıda tartışılan kesintileri en ani bir şekilde kullandılar ve müzik bazen mantıksız gelebilir. İtalyan besteci Domenico Scarlatti bu gelişmeleri daha da ileri götürdü. Beş yüzden fazla tek hareketli klavye sonatları da ani doku değişiklikleri içerir, ancak bu değişiklikler dönemler halinde düzenlenir, klasik üslubun ayırt edici özelliği haline gelen dengeli cümleler. Bununla birlikte, Scarlatti'nin dokudaki değişiklikleri hala ani ve hazırlıksız geliyor. Büyük klasik bestecilerin (Haydn, Mozart ve Beethoven) olağanüstü başarısı, bu dramatik sürprizleri mantıklı bir şekilde motive etme yetenekleriydi, böylece "anlamlı ve zarif olan el ele verebilir".

JS Bach'ın ölümü ile Haydn ve Mozart'ın (kabaca 1750-1770) olgunluğu arasında, besteciler Bach'ın oğullarının müziğinde görülebilen bu yeni fikirleri denediler. Johann Christian , daha basit dokular ve armoniler içeren ve "büyüleyici, dramatik olmayan ve biraz boş" olan, şimdi Roccoco olarak adlandırdığımız bir stil geliştirdi . Daha önce bahsedildiği gibi, Carl Philipp Emmanuel dramayı artırmaya çalıştı ve müziği "şiddet içeren, etkileyici, parlak, sürekli şaşırtıcı ve çoğu zaman tutarsız" idi. Ve son olarak, JS Bach'ın en büyük oğlu Wilhelm Friedemann, Barok geleneklerini deyimsel, alışılmamış bir şekilde genişletti.

İlk başta yeni üslup, Barok formlarını (üçlü da capo aria , sinfonia ve konçerto ) devraldı , ancak Barok döneminde yaygın olan doğaçlama süslemelerden ziyade daha basit parçalar, daha notalı süslemeler ve daha vurgulu bölümleme ile bestelendi. parçalar halinde bölümlere ayırın. Ancak zamanla, yeni estetik, parçaların bir araya getirilme biçiminde köklü değişikliklere neden oldu ve temel biçimsel düzenler değişti. Bu dönemin bestecileri dramatik etkiler, çarpıcı melodiler ve daha net dokular aradılar. Büyük dokusal değişikliklerden biri, birden fazla iç içe geçmiş melodik çizginin aynı anda çalındığı Barok'un karmaşık, yoğun polifonik tarzından ve akorların eşlik ettiği net bir tek melodi çizgisi kullanan daha hafif bir doku olan homofoniye doğru bir kaymaydı.

Barok müzik genellikle müzik parçasının yapısına daha az odaklanan birçok armonik fantezi ve polifonik bölüm kullanır ve net müzik ifadelerine daha az vurgu yapılır. Klasik dönemde armoniler daha sade hale geldi. Ancak parçanın yapısı, cümleleri ve küçük melodik veya ritmik motifler Barok döneminden çok daha önemli hale geldi.

Muzio Clementi'nin Sol minör Sonatı, No. 3, Op. 50, "Didone abbandonata", adagio hareketi

Geçmişle ilgili bir diğer önemli kırılma , katmanlama ve doğaçlama süslemelerin çoğunu kesen ve modülasyon ve geçiş noktalarına odaklanan Christoph Willibald Gluck tarafından operanın radikal revizyonuydu. Armoninin değiştiği bu anları daha çok odak noktası haline getirerek müziğin duygusal renginde güçlü dramatik değişimler sağladı. Bu geçişleri vurgulamak için enstrümantasyon ( orkestrasyon ), melodi ve moddaki değişiklikleri kullandı . Zamanının en başarılı bestecileri arasında yer alan Gluck, Antonio Salieri de dahil olmak üzere birçok öykünücü üretti . Erişilebilirliğe yaptıkları vurgu, operada ve şarkılar, oratoryolar ve korolar gibi diğer vokal müzikte büyük başarılar getirdi. Bunlar performans için en önemli müzik türleri olarak kabul edildi ve bu nedenle en büyük halk başarısını elde etti.

Barok ve Klasik'in yükselişi (1730 civarında) arasındaki dönem, çeşitli rakip müzik tarzlarına ev sahipliği yaptı. Sanatsal yolların çeşitliliği Johann Sebastian Bach'ın oğulları : Barok geleneğini kişisel bir şekilde sürdüren Wilhelm Friedemann Bach ; Barok dokuları sadeleştiren ve Mozart'ı en açık şekilde etkileyen Johann Christian Bach ; ve Empfindsamkeit hareketinin tutkulu ve bazen şiddetle eksantrik müziğini besteleyen Carl Philipp Emanuel Bach . Müzik kültürü bir yol ayrımında yakalandı: eski tarzın ustaları tekniğe sahipti, ancak halk yeniye aç kaldı. CPE Bach'ın bu kadar yüksek saygı görmesinin nedenlerinden biri de budur: eski formları oldukça iyi anladı ve onları yeni bir kıyafetle, geliştirilmiş bir form çeşitliliği ile nasıl sunacağını biliyordu.

1750-1775

Haydn portresi, Thomas Hardy , 1792

1750'lerin sonlarında İtalya, Viyana, Mannheim ve Paris'te yeni tarzın gelişen merkezleri vardı; düzinelerce senfoni bestelendi ve müzikal tiyatrolarla ilişkili oyuncu grupları vardı. Opera veya orkestra eşliğindeki diğer vokal müzik, operalar ve kilise hizmetleri için enstrümantal aralar ve tanıtımlar olarak hizmet veren konçertolar ve senfoniler ( uvertürden kaynaklanan) ile çoğu müzikal etkinliğin özelliğiydi. Klasik dönem boyunca, senfoniler ve konçertolar vokal müzikten bağımsız olarak gelişti ve sunuldu.

Mozart, eğlence için tasarlanmış hafif enstrümantal parçalar olan bir dizi divertimentos yazdı. Bu, E-bemol majör K. 113'teki Divertimento'sunun 2. hareketidir.

"Normal" orkestra topluluğu -rüzgarlarla desteklenen yaylılardan oluşan bir yapı- ve belirli ritmik karakterdeki hareketler 1750'lerin sonlarında Viyana'da kuruldu. Bununla birlikte, parçaların uzunluğu ve ağırlığı hala bazı Barok özelliklerle belirlendi: bireysel hareketler hala tek bir "etkiye" (müzikal ruh hali) odaklandı veya yalnızca bir keskin zıt orta bölüme sahipti ve uzunlukları Barok hareketlerden önemli ölçüde büyük değildi. Yeni tarzda nasıl beste yapılacağına dair henüz açıkça ifade edilmiş bir teori yoktu. Bir atılım için olgunlaşmış bir andı.

Tarzın ilk büyük ustası besteci Joseph Haydn'dır . 1750'lerin sonlarında senfoniler bestelemeye başladı ve 1761'de çağdaş tarzda sağlam bir şekilde bir triptik ( Sabah , Öğlen ve Akşam ) besteledi. Kapellmeister yardımcısı ve daha sonra Kapellmeister olarak çıktıları genişledi: Yalnızca 1760'larda kırktan fazla senfoni besteledi. Şöhreti büyürken, orkestrası genişledikçe ve besteleri kopyalanıp yayıldıkça, sesi pek çok kişiden sadece biriydi.

Bazı akademisyenler Haydn'ın Mozart ve Beethoven tarafından gölgede bırakıldığını öne sürerken, Haydn'ın yeni stildeki ve dolayısıyla bir bütün olarak Batı sanat müziğinin geleceğindeki merkeziliğini abartmak zor olacaktır. O zamanlar, Mozart veya Beethoven'ın üstünlüğünden önce ve öncelikle klavye müziği uzmanları tarafından tanınan Johann Sebastian Bach ile Haydn, müzikte onu, belki Barok döneminin George Frideric Handel'i dışında tüm diğer bestecilerin üzerinde tutan bir yere ulaştı . Haydn mevcut fikirleri aldı ve onların işleyişini kökten değiştirdi - ona " senfoninin babası" ve " yaylı dörtlünün babası" unvanlarını kazandırdı .

Onun ileriye doğru ilerlemesi için itici güç olarak çalışan güçlerden biri, daha sonra Romantizm olarak adlandırılacak olan Sturm und Drang veya sanatta "fırtına ve stres" aşamasının, bariz ve dramatik duygusallığın ortaya çıktığı kısa bir dönemin ilk heyecanıydı. stilistik bir tercih. Buna göre Haydn, eserlerinde keskinleştirilmiş karakter ve bireysellik ile daha dramatik kontrast ve duygusal olarak daha çekici melodiler istedi. Bu dönem müzik ve edebiyatta ortadan kayboldu: ancak daha sonra gelenleri etkiledi ve daha sonraki yıllarda estetik beğeninin bir bileşeni olacaktı.

Elveda Senfonisi , No. 45 Fa minör, Haydn'ın yeni tarzın farklı taleplerini şaşırtıcı keskin dönüşler ve işi bitirmek için uzun bir yavaş adagio ile bütünleştirmesini örnekliyor. 1772'de Haydn, melodik fikirlerini bir arada tutabilecek yapısal tutarlılık sağlamak için önceki Barok döneminden topladığı polifonik teknikleri kullandığı Opus 20 altı yaylı dörtlü setini tamamladı. Bazıları için bu, geç Barok karmaşıklığına karşı tepki döneminin Barok ve Klasik unsurların bir entegrasyon dönemine dönüştüğü "olgun" Klasik tarzın başlangıcını işaret ediyor.

1775-1790

Wolfgang Amadeus Mozart, 1819'da Barbara Krafft'ın ölümünden sonra yapılmış tablosu

On yıldan fazla bir süredir bir prensin müzik direktörü olarak çalışan Haydn, beste yapmak için diğer bestecilerin çoğundan çok daha fazla kaynağa ve alana sahipti. Konumu, yetenekli müzisyenleri seçebildiği için müziğini çalacak güçleri şekillendirme yeteneği de verdi. Haydn, kariyerine oldukça erken başlayarak, müziğinde fikir oluşturma ve geliştirme tekniğini ilerletmeye çalıştığından, bu fırsat boşa gitmedi. Bir sonraki önemli buluşu, melodik ve armonik rollerin enstrümanlar arasında geçiş yaptığı Opus 33 yaylı çalgılar dörtlüsünde (1781) oldu: genellikle bir an için melodinin ve armoninin ne olduğu belirsizdir. Bu, topluluğun dramatik geçiş anları ile doruk noktaları arasındaki çalışma şeklini değiştirir: müzik sorunsuz ve belirgin bir kesinti olmadan akar. Daha sonra bu entegre stili aldı ve orkestral ve vokal müziğe uygulamaya başladı.

Mozart'ın Don Giovanni operasındaki Commendatore aryasının açılış barları . Orkestra , şarkıcının girişindeki tonik akoru (D minör) çözmeden önce, ahenksiz bir azalmış yedinci akorla (basta B ile G# dim7) baskın bir yedinci akora (basta C# ile A7) hareket ederek başlar.

Haydn'ın müziğe hediyesi, aynı zamanda yeni üslubun hakim estetiği ile uyumlu olan bir besteleme yolu, eserleri yapılandırma yoluydu. Bununla birlikte, daha genç bir çağdaş olan Wolfgang Amadeus Mozart , dehasını Haydn'ın fikirlerine getirdi ve onları günün iki ana türüne uyguladı: opera ve virtüöz konçertosu. Haydn çalışma hayatının çoğunu bir saray bestecisi olarak geçirirken, Mozart şehirlerin konser hayatında halk için çalarak halk başarısı istedi. Bu, operalar yazması ve virtüöz parçalar yazıp icra etmesi gerektiği anlamına geliyordu. Haydn, uluslararası turne düzeyinde bir virtüöz değildi; ne de büyük bir seyirci önünde birçok gece çalabilecek opera eserleri yaratmaya çalışıyordu. Mozart ikisini de başarmak istiyordu. Dahası, Mozart ayrıca daha kromatik akorlara (ve genel olarak harmonik dilde daha büyük karşıtlıklara), tek bir eserde melodiler karmaşası yaratmaya daha büyük bir sevgiye ve bir bütün olarak müzikte daha İtalyan bir duyarlılığa sahipti. Haydn'ın müziğinde ve daha sonra JS Bach'ın çoksesliliği üzerine yaptığı çalışmada , sanatsal yeteneklerini disipline etmenin ve zenginleştirmenin yollarını buldu.

Mozart ailesi c. 1780. Duvardaki portre Mozart'ın annesine ait.

Mozart, yeni besteciyi selamlayan, eserlerini inceleyen ve genç adamı müzikteki tek gerçek akranı olarak gören Haydn'ın dikkatini hızla çekti. Haydn, Mozart'ta daha geniş bir enstrümantasyon, dramatik efekt ve melodik kaynak yelpazesi buldu. Öğrenme ilişkisi her iki yönde de hareket etti. Mozart ayrıca daha yaşlı, daha deneyimli besteciye büyük saygı duyuyordu ve ondan bir şeyler öğrenmeye çalıştı.

Mozart'ın 1780'de Viyana'ya gelişi, Klasik üslubun gelişiminde bir hızlanma getirdi. Orada Mozart, önceki 20 yılda demlenen İtalyan parlaklığı ve Germen uyumluluğunun kaynaşmasını özümsedi. Gösterişli parlaklıklar, ritmik olarak karmaşık melodiler ve figürler, uzun cantilena melodileri ve virtüöz süsleri konusundaki zevki, biçimsel tutarlılık ve içsel bağlılık takdiriyle birleştirildi. Bu noktada, savaş ve ekonomik enflasyon, daha büyük orkestralara yönelik bir eğilimi durdurdu ve birçok tiyatro orkestrasını dağıtmaya veya azaltmaya zorladı. Bu, Klasik üslubu içe doğru bastırdı: daha büyük topluluk ve teknik zorluklar aramaya - örneğin, melodiyi nefesli üflemelere yaymak veya üçte birlik bir uyum içinde olan bir melodiyi kullanmak. Bu süreç, oda müziği adı verilen küçük topluluk müziğine prim verdi. Aynı zamanda, yaylı çalgılar dörtlüsü ve diğer küçük topluluk gruplarına daha fazla destek vererek, daha fazla halka açık performans için bir eğilime yol açtı.

Haydn ve Mozart'ın yüksek bir kompozisyon standardına ulaştığını halkın beğenisi giderek daha fazla tanımaya başladı. Mozart 1781'de 25 yaşında geldiğinde, Viyana'nın baskın üslupları, 1750'lerde erken Klasik üslubun ortaya çıkışıyla tanınabilir bir şekilde bağlantılıydı. 1780'lerin sonunda Mozart ve Haydn'ı taklit eden bestecilerde icra pratiğindeki değişiklikler, enstrümantal ve vokal müziğin göreceli konumu, müzisyenlerden teknik talepler ve üslup birliği oluşmuştu. Bu on yıl boyunca Mozart, en ünlü operalarını, türün yeniden tanımlanmasına yardımcı olan altı geç senfonisini ve hala bu formların zirvesinde duran bir dizi piyano konçertosunu besteledi.

Mozart ve Haydn'ın oluşturduğu daha ciddi tarzın yayılmasında etkili olan bir besteci , imparatorun önünde her birinin piyanoda doğaçlama yaptığı ve bestelerini icra ettiği bir müzikal "düello"da Mozart ile bağlanan yetenekli bir virtüöz piyanist olan Muzio Clementi'dir . . Clementi'nin piyano sonatları geniş çapta yayıldı ve 1780'lerde Londra'nın en başarılı bestecisi oldu. Aynı zamanda Londra'da, Clementi gibi, piyano yapımcılarını enstrümanlarının menzilini ve diğer özelliklerini genişletmeye teşvik eden ve ardından yeni açılan olasılıklardan tam olarak yararlanan Jan Ladislav Dussek de vardı. Londra'nın Klasik dönemde önemi genellikle göz ardı edilir, ancak Broadwood'un piyano üretimi fabrikasına ev sahipliği yaptı ve "Viyana Okulu"ndan daha az dikkate değer olmakla birlikte, gelenler üzerinde belirleyici bir etkiye sahip olan besteciler için bir üs olarak hizmet etti. sonra. Onlar kendi başlarına dikkate değer birçok güzel eserin bestecileriydiler. Londra'nın virtüözlük zevki, tonik ve baskın üzerine karmaşık geçiş çalışmalarını ve genişletilmiş ifadeleri teşvik etmiş olabilir.

1790-1820 civarında

Haydn ve Mozart beste yapmaya başladıklarında, senfoniler tekli bölümler olarak -öncesinde, arasında veya diğer eserlerde aralar olarak- çalınırdı ve bunların çoğu sadece on ya da on iki dakika sürerdi; Enstrümantal grupların değişen çalma standartları vardı ve continuo müzik yapımının merkezi bir parçasıydı.

Aradan geçen yıllarda, müziğin sosyal dünyası dramatik değişimlere sahne oldu. Uluslararası yayın ve turneler patlayarak büyüdü ve konser toplulukları oluştu. Gösterim daha belirgin, daha açıklayıcı hale geldi ve işlerin şemaları basitleştirildi (yine de tam işleyişlerinde daha çeşitli hale geldi). 1790'da, Mozart'ın ölümünden hemen önce, ünü hızla yayılan Haydn, özellikle geç oratoryoları ve Londra senfonileri olmak üzere bir dizi başarıya hazırlanıyordu . Paris, Roma ve Almanya'nın her yerindeki besteciler, form konusundaki fikirleri için Haydn ve Mozart'a döndüler.

Beethoven'ın Portresi, Joseph Karl Stieler , 1820

1790'larda, 1770 civarında doğan yeni nesil besteciler ortaya çıktı. Daha önceki üsluplarla büyümüş olsalar da, Haydn ve Mozart'ın son eserlerinde daha fazla ifade için bir araç duydular. 1788'de Luigi Cherubini Paris'e yerleşti ve 1791'de kendisine ün kazandıran bir opera olan Lodoiska'yı besteledi. Tarzı açıkça olgun Haydn ve Mozart'ı yansıtıyor ve enstrümantasyonu ona henüz büyük operada hissedilmeyen bir ağırlık kazandırdı . Çağdaş Étienne Méhul , 1790 operası Euphrosine et Coradin ile enstrümantal efektleri genişletti ve ardından bir dizi başarı elde etti. Değişime yönelik son hamle , Weber, Berlioz ve Wagner gibi geleceğin romantik bestecileri tarafından derinden takdir edilen Gaspare Spontini'den geldi. Operalarının yenilikçi armonik dili, rafine enstrümantasyonları ve "zincirlenmiş" kapalı sayıları (daha sonra Weber tarafından Euryanthe'de benimsenen ve ondan Marschner aracılığıyla Wagner'e aktarılan yapısal bir model), Fransızca ve Alman romantik operasının başlangıçları vardı.

1814 yılında Hummel

Ludwig van Beethoven , 1794'te repertuarda kalan üç piyano üçlüsü ile numaralı eserlerini piyasaya sürdü. Johann Nepomuk Hummel , diğerlerinden biraz daha genç olmasına rağmen, Mozart altında genç çalışması ve doğuştan gelen virtüözlüğü nedeniyle eşit derecede başarılıydı . Hummel de Haydn'ın yanında çalıştı; Beethoven ve Franz Schubert'in arkadaşıydı . Piyanoya diğer enstrümanlardan daha fazla konsantre oldu ve 1791 ve 1792'de Londra'daki zamanı, Mozart'ın beklenen kadanstan kaçınma tekniklerini deyimsel olarak kullanan üç piyano sonatının, opus 2'nin 1793'te kompozisyonunu ve yayınını oluşturdu ve Clementi'nin bazen modal olarak belirsiz virtüöz figürasyonu. Birlikte ele alındığında, bu besteciler geniş bir üslup değişikliğinin öncüsü ve müziğin merkezi olarak görülebilir. Birbirlerinin eserlerini incelediler, müzikte birbirlerinin hareketlerini kopyaladılar ve zaman zaman kavgacı rakipler gibi davrandılar.

Bir önceki dalga ile önemli farklılıklar, melodilerdeki aşağı kaymada, hareket sürelerinin artmasında, Mozart ve Haydn'ın paradigmatik olarak kabul edilmesinde, klavye kaynaklarının daha fazla kullanılmasında, "vokal" yazıdan "piyanist" yazıya geçişte görülebilir. , minör ve modal belirsizliğin artan çekimi ve "doku"yu müzikte bir unsur olarak öne çıkarmak için değişen eşlik eden figürlerin artan önemi. Kısacası, geç Klasik, içsel olarak daha karmaşık bir müzik arıyordu. Müziğin orta sınıf yaşamının bir parçası olarak önemine işaret eden konser topluluklarının ve amatör orkestraların büyümesi, piyano, piyano müziği ve virtüözün örnek teşkil etmesi için gelişen bir pazara katkıda bulundu. Hummel, Beethoven ve Clementi doğaçlamalarıyla ünlüydü.

Barok'un doğrudan etkisi azalmaya devam etti: figürlü bas , performansı bir arada tutmanın bir aracı olarak daha az belirgin hale geldi, 18. yüzyılın ortalarındaki performans uygulamaları sönmeye devam etti. Bununla birlikte, aynı zamanda, Barok ustaların tam baskıları mevcut olmaya başladı ve Barok tarzının etkisi, özellikle de pirincin giderek daha yaygın kullanımıyla büyümeye devam etti. Dönemin bir diğer özelliği de bestecinin bulunmadığı performansların giderek artmasıdır. Bu, gösterimde artan ayrıntı ve özgüllüğe yol açtı; örneğin, ana puandan ayrı duran daha az "isteğe bağlı" kısım vardı.

Bu değişimlerin gücü , besteci tarafından İtalyanca "kahramanlık" anlamına gelen Eroica adının verildiği Beethoven'ın 3. Senfonisi ile belirginleşti . Stravinsky'nin The Rite of Spring'inde olduğu gibi, tüm yeniliklerinde ilk olmayabilir, ancak Klasik tarzın her bölümünü agresif kullanımı, onu çağdaş eserlerinden ayırdı: uzunluk, hırs ve harmonik kaynaklar da. .

İlk Viyana Okulu

1758'de Viyana manzarası, Bernardo Bellotto

Birinci Viyana Okulu , çoğunlukla 18. yüzyılın sonlarında Viyana'da Klasik dönemin üç bestecisine atıfta bulunmak için kullanılan bir isimdir : Haydn, Mozart ve Beethoven. Franz Schubert ara sıra listeye eklenir.

Almanca konuşulan ülkelerde Wiener Klassik (lafzen Viyana klasik dönemi/sanatı ) terimi kullanılır. Bu terim genellikle bir bütün olarak müzikte Klasik çağa, onu halk arasında klasik olarak adlandırılan diğer dönemlerden , yani Barok ve Romantik müzikten ayırt etmenin bir aracı olarak daha geniş bir şekilde uygulanır .

"Viyana Okulu" terimi ilk olarak Avusturyalı müzikolog Raphael Georg Kiesewetter tarafından 1834'te kullanıldı, ancak o sadece Haydn ve Mozart'ı okulun üyeleri olarak saydı. Diğer yazarlar da aynı şeyi yaptı ve sonunda Beethoven listeye eklendi. İkinci Viyana Okulu ile karıştırılmaması için bugün "birinci" ibaresi eklenmiştir .

Schubert bir yana, bu besteciler birbirlerini kesinlikle tanıyor olsalar da (Haydn ve Mozart ara sıra oda müziği ortakları olsalar bile), 20. yüzyıl okullarıyla ilişkilendirilecek şekilde ortak bir çaba içinde olmalarının hiçbir anlamı yoktur. İkinci Viyana Okulu veya Les Six gibi . Beethoven'ın bir süre Haydn'dan ders aldığı doğru olsa da (Berg ve Webern'in Schoenberg tarafından öğretildiği şekilde) bir bestecinin bir başkası tarafından "eğitildiği" önemli bir anlam da yoktur.

Birinci Viyana Okulu'nu Anton Bruckner , Johannes Brahms ve Gustav Mahler gibi daha sonraki isimleri içerecek şekilde genişletme girişimleri yalnızca gazetecilik amaçlıdır ve akademik müzikolojide hiçbir zaman karşılaşılmamıştır.

sonraki besteciler üzerinde Klasik etkisi

Franz Schubert'in Wilhelm August Rieder tarafından 1875 yağlı boya tablosu , kendi 1825 suluboya portresinden sonra

Müzik dönemleri ve onların yaygın tarzları, biçimleri ve enstrümanları nadiren bir anda yok olur; bunun yerine, eski yaklaşım basitçe "eski moda" olarak hissedilene kadar özellikler zamanla değiştirilir. Klasik tarz birdenbire "ölmedi"; daha ziyade, değişikliklerin ağırlığı altında yavaş yavaş ortadan kalktı. Sadece bir örnek vermek gerekirse, Klasik dönemin orkestralarda klavsen kullanımını bıraktığı genel olarak belirtilirken , bu durum 1750'de Klasik çağın başlangıcında birdenbire gerçekleşmedi. Aksine, orkestralar klavseni çalmak için kullanmayı yavaş yavaş bıraktılar. basso continuo , uygulama 1700'lerin sonunda durdurulana kadar.

Felix Mendelssohn
Mendelssohn'un Portresi, James Warren Childe , 1839

Önemli bir değişiklik, "düz" tuşlara odaklanan armonilere doğru kaymaydı : baskın yöndeki kaymalar . Klasik tarzda, majör anahtar minörden çok daha yaygındı, kromatizm "keskin" modülasyon kullanılarak yönetiliyordu (örn. daha fazla keskinlikle). Ayrıca, minör moddaki bölümler genellikle kontrast için kullanıldı. Mozart ve Clementi ile başlayarak, alt baskın bölgede sürünen bir kolonizasyon başladı (Do majör anahtarında d minör veya F majör anahtarları olan ii veya IV akoru). Schubert ile birlikte, alt baskın modülasyonlar, daha önceki bestecilerin kendilerini baskın vardiyalarla sınırlayacakları bağlamlarda tanıtıldıktan sonra gelişti (baskın akordaki modülasyonlar , örneğin, Do majör anahtarında, G majöre modülasyon). Bu, müziğe daha koyu renkler getirdi, minör modu güçlendirdi ve yapının korunmasını zorlaştırdı. Beethoven, dördüncüyü bir ünsüz olarak artan kullanımı ve mod belirsizliği ile buna katkıda bulundu - örneğin, Re minör 9 No'lu Senfoni'nin açılışı .

Ludwig van Beethoven , Franz Schubert , Carl Maria von Weber ve John Field , genç Felix Mendelssohn ile birlikte bu "Proto-Romantikler" kuşağının en önde gelenleri arasındadır . Form algıları, Klasik tarzdan güçlü bir şekilde etkilenmiştir. Henüz "öğrenilmiş" besteciler olmasalar da (başkaları tarafından kodlanmış kuralları taklit ederek), Haydn, Mozart, Clementi ve diğerlerinin eserlerine, karşılaştıkları şekilde doğrudan yanıt verdiler. Orkestralarda ellerinde bulunan enstrümantal güçler de sayı ve çeşitlilik açısından oldukça "Klasik" idi ve Klasik eserlerle benzerlik gösteriyordu.

Bununla birlikte, Klasik üslubun hakimiyetini sona erdirmeye yönelik güçler, yukarıdaki bestecilerin çoğunun, özellikle Beethoven'ın eserlerinde güç topladı. Bunlardan en sık atıf yapılanı harmonik yeniliktir. Ayrıca sürekli ve ritmik olarak tek biçimli bir figürasyona eşlik eden artan odaklanma da önemlidir: Beethoven'ın Ayışığı Sonatı daha sonraki yüzlerce parça için modeldi - burada ritmik bir figürün değişen hareketi işin drama ve ilgisinin çoğunu sağlarken, bir melodi üzerinde sürüklenir. Daha fazla eser bilgisi, daha fazla enstrümantal uzmanlık, artan enstrüman çeşitliliği, konser topluluklarının büyümesi ve giderek daha güçlü piyanonun durdurulamaz hakimiyeti (çelik tellerin kullanımı gibi teknolojik gelişmelerle daha cesur, daha yüksek bir ton verildi, ağır dökme demir çerçeveler ve sempatik titreşen teller) hepsi sofistike müzik için büyük bir dinleyici kitlesi yarattı. Tüm bu trendler "Romantik" stile geçişe katkıda bulundu .

Bu iki üslup arasındaki çizgiyi çizmek çok zordur: Mozart'ın sonraki eserlerinin bazı bölümleri, tek başına alındığında, 80 yıl sonra yazılan müzikten uyum ve orkestrasyon açısından ayırt edilemez - ve bazı besteciler 20. yüzyılın başlarına kadar normatif Klasik üsluplarda yazmaya devam etti. Beethoven'ın ölümünden önce bile, Louis Spohr gibi besteciler kendilerini Romantik olarak tanımladılar, örneğin eserlerine daha abartılı kromatizm eklediler (örneğin, bir parçanın akor ilerlemesinde kromatik armonileri kullanma ). Buna karşılık, Schubert'in Klasa döneminin kronolojik sonu ve Romantik dönemin şafağı sırasında yazılan 5 No'lu Senfoni gibi eserler , birkaç on yıl önceki kompozisyon stiline geri dönen, kasıtlı olarak anakronistik bir sanatsal paradigma sergiler.

Bununla birlikte, 1820'lerin sonlarında, Beethoven ve Schubert'in ölümlerinin hızlandırdığı Viyana'nın orkestra kompozisyonu için en önemli müzik merkezi olarak düşüşü , Klasik üslubun son tutulmasını ve onun sürekli organik gelişiminin sona ermesini işaret etti. diğerleri. Franz Liszt ve Frédéric Chopin gençken Viyana'yı ziyaret ettiler, ancak daha sonra başka şehirlere taşındılar. Carl Czerny gibi besteciler , Beethoven'dan derinden etkilenirken, içinde yaşadıkları daha geniş müzikal ifade ve performans dünyasını içermek için yeni fikirler ve yeni formlar aradılar.

18. yüzyıl klasik müziğinin biçimsel dengesine ve kısıtlamasına yönelik yenilenen ilgi, 20. yüzyılın başlarında , en azından kariyerlerinde belirli zamanlarda Stravinsky ve Prokofiev'i savunanları arasında sayan Neoklasik tarzın gelişmesine yol açtı.

Klasik dönem enstrümanları

Fortepiano, Paul McNulty'den sonra Walter & Sohn, c. 1805

Gitar

Dört veya beş çift telli veya "kurs" takımı ve özenle dekore edilmiş ses deliği olan Barok gitar, standart altı telli modern enstrümana daha çok benzeyen erken klasik gitardan çok farklı bir enstrümandı. Enstrüman için yayınlanan eğitim kılavuzlarının sayısına bakılırsa - 1760 ile 1860 arasında iki yüzün üzerinde yazar tarafından üç yüzün üzerinde metin yayınlandı - klasik dönem gitar için altın bir çağa işaret ediyordu.

Teller

Barok çağda, topluluklarda kullanılan yaylı çalgılarda daha fazla çeşitlilik vardı, viyola d'amore gibi enstrümanlar ve küçük kemanlardan büyük bas kemanlara kadar değişen bir dizi perdeli keman kullanıldı. Klasik dönemde, orkestranın yaylı bölümü sadece dört enstrüman olarak standartlaştırıldı:

  • Keman (orkestralarda ve oda müziğinde, tipik olarak birinci kemanlar ve ikinci kemanlar vardır, birincisi melodiyi ve/veya daha yüksek bir çizgiyi çalarken ikincisi bir karşı melodi, bir armoni bölümü, perdede birinci keman çizgisinin altında bir bölüm çalar) veya eşlik hattı)
  • Viyola (orkestra yaylı çalgılar bölümünün ve yaylı dörtlünün alto sesi; genellikle parçanın uyumunu dolduran eşlik çizgileri olan "iç sesleri" gerçekleştirir)
  • Çello (Klasik dönem müziğinde viyolonsel iki rol oynar; bazen parçanın bas çizgisini çalmak için kullanılır, tipik olarak kontrbaslarla ikiye katlanır [Not: Çellolar ve kontrbaslar aynı bas çizgisini okuduğunda, baslar aşağıda bir oktav çalar çello, çünkü bas bir transpoze enstrümanıdır] ve diğer zamanlarda alt kayıtta melodiler ve sololar icra eder)
  • Kontrbas (bas, parça için bas çizgisini sağlamak için tipik olarak dize bölümündeki en düşük perdeleri gerçekleştirir)

Barok döneminde, kontrbasçılara genellikle ayrı bir rol verilmezdi; bunun yerine, tipik olarak , çelloların altında bir oktav da olsa , çellolar ve diğer düşük perdeli enstrümanlar ( örn . yazıldığından daha düşüktür. Klasik çağda, bazı besteciler senfonileri için "bassi" olarak adlandırılan sadece bir bas bölümü yazmaya devam ettiler; bu bas bölümü çellistler ve kontrbasçılar tarafından çalınırdı. Klasik çağda, bazı besteciler kontrbaslara kendi yerlerini vermeye başladılar.

nefesliler

perküsyon

klavyeler

Pirinçler

Ayrıca bakınız

notlar

daha fazla okuma

Dış bağlantılar