Sanat - Art

Üst soldan Saat yönünde: Bir 1887 otoportresine tarafından Vincent van Gogh ; bir Chokwe sanatçısı tarafından bir kadın ata figürü ; Sandro Botticelli'nin Venüs'ün Doğuşu'ndan (c. 1484-1486) detay ; ve bir Okinawan Shisa aslanı

Sanat , yaratıcı hayal gücünü ve teknik yeterliliği, güzelliği, duygusal gücü veya kavramsal fikirleri ifade etme amacını içeren geniş bir insan faaliyetleri (veya ürünleri) yelpazesidir .

Sanatı neyin oluşturduğuna dair genel olarak kabul edilmiş bir tanım yoktur ve fikirler zamanla değişmiştir. Üç klasik dalları görsel sanat olan boyama , heykel ve mimari . Tiyatro , dans ve diğer gösteri sanatlarının yanı sıra edebiyat , müzik , film ve interaktif medya gibi diğer medya daha geniş bir sanat tanımına dahil edilir . 17. yüzyıla kadar sanat , herhangi bir beceriye veya ustalığa atıfta bulundu ve zanaat veya bilimden farklı değildi . 17. yüzyıldan sonra, estetik kaygıların ön planda olduğu modern kullanımda, güzel sanatlar , dekoratif veya uygulamalı sanatlar gibi genel olarak kazanılmış becerilerden ayrılır ve ayırt edilir .

Sanatın doğası ve yaratıcılık ve yorumlama gibi ilgili kavramlar, estetik olarak bilinen bir felsefe dalında araştırılır . Ortaya çıkan sanat eserleri , sanat eleştirisi ve sanat tarihinin profesyonel alanlarında incelenir .

genel bakış

Song hanedanı sanatçısı Wang Ximeng'in 12. yüzyıldan kalma bir tablosu olan Bin Li Dağları ve Nehirleri'nin bir bölümünün panoraması .

Sanat tarihi perspektifinde, sanatsal eserler insanlığın neredeyse öteden beri var: Erken gelen tarih öncesi sanat için çağdaş sanatın ; bununla birlikte, bazı teorisyenler tipik "sanatsal yapıtlar" kavramının modern Batı toplumlarının dışına daha az uyduğunu düşünüyorlar. Sanat tanımının erken dönem anlamlarından biri, "zanaatkar" gibi kelimelerle ilişkilendirildiği gibi, kabaca "yetenek" veya "zanaat" anlamına gelen eski Latince anlamıyla yakından ilişkilidir. Bu anlamdan türetilen İngilizce sözcükler arasında yapay , yapay , yapay , tıbbi sanatlar ve askeri sanatlar yer alır . Bununla birlikte, kelimenin etimolojisiyle bir ilgisi olan, kelimenin birçok başka konuşma dili kullanımı vardır .

20. yüzyıl şişesi, Twa halkları, Ruanda, Sanatsal eserler dekoratif değerlerinin yanı sıra pratik işlevlere de hizmet edebilir.

Zamanla, diğerleri arasında Platon , Aristoteles , Sokrates ve Kant gibi filozoflar sanatın anlamını sorguladılar. Platon'daki birkaç diyalog sanatla ilgili soruları ele alır: Sokrates, şiirin ilham perilerinden esinlendiğini ve rasyonel olmadığını söyler . Phaedrus'ta (265a-c) bundan ve ilahi deliliğin diğer biçimlerinden (sarhoşluk, erotizm ve rüya görme) onaylayarak söz eder ve yine de Cumhuriyet'te Homeros'un büyük şiirsel sanatını ve kahkahayı yasaklamak ister. In Ion , Sokrates içeri ifade eden Homer onaylanmamasıyla hiçbir ipucu veren Cumhuriyet . Diyalog İyon düşündürmektedir Homeros 'ın İlyada ilahi düzgün yorumlanabilir yalnızca, ahlaki rehberlik sağlayabilir edebi sanat ilham olarak: İncil Modern Hıristiyan dünyasında bugün olduğu gibi antik Yunan dünyasında işliyordu.

Edebi sanat ve müzik sanatları ile ilgili olarak, Aristoteles epik şiiri , trajediyi, komediyi, Dithyrambik şiiri ve müziği , her biri taklit açısından ortama, nesneye ve tarza göre değişen mimetik veya taklit sanatlar olarak değerlendirdi. Örneğin, müzik ritim ve armoni aracıyla, dans yalnızca ritimle, şiir de dille öykünür. Formlar ayrıca taklit nesnelerinde de farklılık gösterir. Örneğin komedi, ortalamadan daha kötü erkeklerin dramatik bir taklididir; trajedi ise erkekleri ortalamadan biraz daha iyi taklit eder. Son olarak, biçimler öykünme ya da karakter yoluyla, değişiklik ya da değişiklik olmaması ve drama ya da drama olmaması yoluyla taklit tarzlarında farklılık gösterir. Aristoteles, taklitin insanlık için doğal olduğuna ve insanlığın hayvanlara göre avantajlarından birini oluşturduğuna inanıyordu.

Yaratıcı sanat veya güzel sanatlar için bir kısaltma olarak sanat kelimesinin daha yeni ve özel anlamı 17. yüzyılın başlarında ortaya çıktı. Güzel sanatlar, sanatçının yaratıcılığını ifade etmek ya da izleyicinin estetik duyarlılıklarını harekete geçirmek ya da izleyiciyi daha incelikli ya da daha ince sanat eserlerine yöneltmek için kullanılan bir beceriyi ifade eder .

Bu ikinci anlamda, sanat sözcüğü birkaç şeye atıfta bulunabilir: (i) yaratıcı bir becerinin incelenmesi, (ii) yaratıcı becerinin kullanılması süreci, (iii) yaratıcı becerinin bir ürünü veya (iv) yaratıcı beceri ile izleyicinin deneyimi. Yaratıcı sanatlar ( disiplin olarak sanat ), kişisel bir dürtü (etkinlik olarak sanat) tarafından zorlanan sanat eserleri ( nesneler olarak sanat ) üreten ve algılayanın yorumlaması için bir mesaj, ruh hali veya sembolizm ileten ( sanat olarak sanat ) bir disiplinler topluluğudur. tecrübe etmek). Sanat, bireyin düşüncelerini, duygularını, inançlarını veya fikirlerini duyular yoluyla uyaran bir şeydir. Sanat eserleri bu amaçla açıkça yapılabilir veya resimler veya nesneler temelinde yorumlanabilir. Kant gibi bazı akademisyenler için bilimler ve sanatlar, bilimin bilgi alanını temsil ettiği ve sanatların sanatsal ifade özgürlüğünün alanını temsil ettiği kabul edilerek ayırt edilebilir.

Genellikle, beceri yaygın veya pratik bir şekilde kullanılıyorsa, insanlar onu sanat yerine bir zanaat olarak göreceklerdir. Aynı şekilde, beceri ticari veya endüstriyel bir şekilde kullanılıyorsa, güzel sanatlar yerine ticari sanat olarak kabul edilebilir . Öte yandan, el sanatları ve tasarım bazen uygulamalı sanat olarak kabul edilir . Bazı sanat takipçileri, güzel sanatlar ile uygulamalı sanat arasındaki farkın, herhangi bir açık tanımsal farklılıktan çok, sanat hakkında yapılan değer yargılarıyla ilgili olduğunu savundu. Bununla birlikte, güzel sanatların bile çoğu zaman saf yaratıcılığın ve kendini ifade etmenin ötesinde amaçları vardır. Sanat eserlerinin amacı, politik, ruhsal veya felsefi olarak motive edilmiş sanatta olduğu gibi fikirleri iletmek olabilir; güzellik duygusu yaratmak (bkz. estetik ); algının doğasını keşfetmek; zevk için; ya da güçlü duygular yaratmak için . Amaç, görünüşte varolmayan da olabilir.

Sanatın doğası, filozof Richard Wollheim tarafından "insan kültürünün geleneksel sorunlarından biri" olarak tanımlanmıştır. Sanat, duyguların ve fikirlerin ifade edilmesi veya iletilmesi için bir araç, biçimsel unsurların kendileri için keşfedilmesi ve takdir edilmesi için bir araç ve mimesis veya temsil olarak tanımlanmıştır . Mimesis olarak sanatın Aristoteles felsefesinde derin kökleri vardır . Leo Tolstoy sanatı, bir kişiden diğerine iletişim kurmak için dolaylı araçların kullanımı olarak tanımladı. Benedetto Croce ve RG Collingwood , sanatın duyguları ifade ettiği ve bu nedenle sanat eserinin esasen yaratıcının zihninde var olduğu şeklindeki idealist görüşü geliştirdi. Biçim olarak sanat teorisinin kökleri Kant felsefesindedir ve 20. yüzyılın başlarında Roger Fry ve Clive Bell tarafından geliştirilmiştir . Daha yakın zamanlarda, Martin Heidegger'den etkilenen düşünürler, sanatı, bir topluluğun kendisi için kendini ifade etme ve yorumlama için bir ortam geliştirme aracı olarak yorumladılar. George Dickie , bir sanat eserini, genellikle " sanat dünyası " olarak adlandırılan sosyal kurum adına hareket eden nitelikli bir kişi veya kişilerin "takdir adayı statüsü" verdiği herhangi bir eser olarak tanımlayan kurumsal bir sanat teorisi önerdi . ". Larry Shiner güzel sanatı "bir öz ya da kader değil, yaptığımız bir şey olarak tanımladı. Genel olarak anladığımız gibi sanat, ancak iki yüz yıllık bir Avrupa buluşudur."

Sanat, mimesis (gerçekliğin temsili), anlatı (hikaye anlatımı), ifade, duygu iletişimi veya diğer nitelikler açısından karakterize edilebilir. Sırasında Romantik dönem , sanat "insan aklının özel öğretim din ve bilim ile sınıflandırılacak" olarak görülmeye başlandı.

Tarih

Willendorf Venüsü , yaklaşık 24.000–22.000  BP
Metropolitan Sanat Müzesi'nde bir Rönesans oval lavabosu veya tabağının arkası

Homo erectus tarafından oyulmuş bir kabuğun 430.000 ile 540.000 yıl arasında olduğu belirlendi. 130.000 yıllık sekiz beyaz kuyruklu kartal pençesinden oluşan bir set, muhtemelen mücevher olarak kullanmak için neandertaller tarafından manipüle edildiğini gösteren kesik izleri ve aşınmaya sahiptir. Güney Afrika'daki bir mağarada yaklaşık 75.000 yıllık bir dizi küçük, delinmiş salyangoz kabuğu keşfedildi. Boyaları tutmak için kullanılmış olabilecek kapların 100.000 yıl öncesine ait olduğu bulunmuştur.

Heykeller, mağara resimleri , kaya resimleri ve petroglyphs gelen Üst Paleolitik kabaca 40.000 yıl öncesine uzanan bulunmuştur ama, çok küçük onları üretilen kültürler hakkında bilindiğinden böyle sanatın kesin anlamı genellikle tartışmalıdır.

16.000 BP dolaylarında , Lascaux mağaralarından bir atın mağara resmi

Sanattaki birçok büyük geleneğin, büyük antik uygarlıklardan birinin sanatında bir temeli vardır: Eski Mısır , Mezopotamya , Pers , Hindistan, Çin, Antik Yunanistan, Roma ve ayrıca İnka , Maya ve Olmec . Bu erken uygarlık merkezlerinin her biri, sanatında benzersiz ve karakteristik bir üslup geliştirdi. Bu medeniyetlerin büyüklükleri ve süreleri nedeniyle, sanat eserlerinin çoğu hayatta kalmış ve etkilerinin çoğu diğer kültürlere ve sonraki zamanlara aktarılmıştır. Bazıları ayrıca sanatçıların nasıl çalıştığına dair ilk kayıtları da sağladı. Örneğin, Yunan sanatının bu döneminde, insanın fiziksel formuna saygı duyuldu ve kas, duruş, güzellik ve anatomik olarak doğru orantıları göstermek için eşdeğer becerilerin gelişimi görüldü.

Gelen Bizans ve Ortaçağ sanatının Batı Ortaçağ, çok sanat, bu tür resimlerin arka planda altın kullanılması gibi, İncille ve din kültürü ve göksel dünyanın yüksek şan gösterdi kullanılan stilleri hakkında deneklerin ifadesi üzerinde duruldu veya figürleri idealize edilmiş, desenli (düz) formlarda sunan mozaik veya pencerelerde cam. Bununla birlikte, küçük Bizans eserlerinde klasik gerçekçi bir gelenek devam etti ve gerçekçilik Katolik Avrupa sanatında istikrarlı bir şekilde büyüdü .

Rönesans sanatı , maddi dünyanın gerçekçi tasvirine ve insan vücudunun bedenselliğine yansıyan insanın içindeki yerine ve durgunluğu üç boyutlu olarak tasvir etmek için sistematik bir grafik perspektif yönteminin geliştirilmesine büyük ölçüde artan bir vurgu yaptı. resim alanı.

Osmanlı İmparatorluğu Sultanı II . Mahmud'un stilize imzası İslam hat sanatıyla yazılmıştır . "Abdülhamid oğlu Mahmud Han ebediyen muzafferdir" yazıyor.
Kairouan Büyük Camii de Uqba Camisi denilen Tunus'ta, erken harika camilerin en güzel, en anlamlı ve en iyi korunmuş sanatsal ve mimari örneklerinden biridir. Bugünkü haliyle 9. yüzyıla tarihlenen cami, Batı İslam topraklarındaki tüm camilerin atası ve modelidir.

Doğuda, İslam sanatının ikonografiyi reddetmesi , geometrik desenler , hat sanatı ve mimariye vurgu yapılmasına yol açtı . Daha doğuda din, sanatsal tarzlara ve biçimlere de egemen oldu. Hindistan ve Tibet, boyalı heykellere ve dansa vurgu yaparken, dini resim heykelden birçok geleneği ödünç aldı ve ana hatlara vurgu yaparak parlak zıt renklere yöneldi. Çin birçok sanat formunun geliştiğini gördü: yeşim oymacılığı, bronz işçiliği, çanak çömlek ( İmparator Qin'in çarpıcı pişmiş toprak ordusu dahil ), şiir, hat sanatı, müzik, resim, drama, kurgu vb. Çin stilleri çağdan çağa büyük farklılıklar gösterir ve her biri biri geleneksel olarak yönetici hanedandan sonra adlandırılır. Örneğin, Tang hanedanı resimleri tek renkli ve seyrek, idealleştirilmiş manzaraları vurgular, ancak Ming hanedanı resimleri yoğun ve renklidir ve dekor ve kompozisyon yoluyla hikayeler anlatmaya odaklanır. Japonya da stillerini imparatorluk hanedanlarından sonra adlandırıyor ve ayrıca kaligrafi ve resim stilleri arasında çok fazla etkileşim gördü. Tahta baskı , 17. yüzyıldan sonra Japonya'da önemli hale geldi.

Song hanedanı sanatçısı Ma Lin tarafından 1250 dolaylarında tablo. 24,8 × 25,2 cm

18. yüzyılda Batı Aydınlanma Çağı , saat gibi işleyen evrenin fiziksel ve rasyonel kesinliklerinin sanatsal tasvirlerinin yanı sıra, Blake'in Newton'u ilahi bir geometri olarak tasvir etmesi veya David gibi post-monarşist bir dünyanın politik olarak devrimci vizyonlarını gördü. propaganda resimleri. Bu , Goethe'nin romanlarında örneklenen, insanların duygusal yönünün ve bireyselliğinin resimlerinin lehine bunun Romantik reddine yol açtı . 19. yüzyılın sonlarında , diğerleri arasında akademik sanat , Sembolizm , izlenimcilik ve fovizm gibi bir dizi sanatsal hareket görüldü .

20. yüzyıl sanatının tarihi, her biri ardı ardına yıkılan sonsuz olasılıkların ve yeni standartlar arayışının bir anlatısıdır. Bu nedenle İzlenimcilik , Ekspresyonizm , Fovizm , Kübizm , Dadaizm , Sürrealizm vb . parametreleri, icat zamanlarının çok ötesinde korunamaz. Bu süre zarfında artan küresel etkileşim, diğer kültürlerin Batı sanatına eşdeğer bir etkisini gördü. Bu nedenle, Japon tahta baskıları (kendileri Batı Rönesans teknik ressamlığından etkilenmiştir) izlenimcilik ve sonraki gelişme üzerinde muazzam bir etkiye sahipti. Daha sonra Afrika heykelleri Picasso ve bir dereceye kadar Matisse tarafından ele alındı . Benzer şekilde, 19. ve 20. yüzyıllarda Batı, Komünizm ve Post-Modernizm gibi orijinal Batılı fikirlerin güçlü bir etki yaratmasıyla Doğu sanatı üzerinde büyük etkilere sahipti .

İdealist hakikat arayışı olan modernizm , 20. yüzyılın ikinci yarısında ulaşılamazlığının farkına varılmasına yol açtı. Theodor W. Adorno 1970'de, "Artık sanatı ilgilendiren hiçbir şeyin olduğu gibi kabul edilemeyeceği kabul ediliyor: ne sanatın kendisi, ne bütünle ilişkili sanat, ne de sanatın var olma hakkı" dedi. Görelilik , dünya kültürlerinin ve tarihin değişen formlar olarak görüldüğü, ancak şüphecilik ve ironi ile değerlendirilebilecek ve çıkarılabilecek çağdaş sanat ve postmodern eleştiri dönemine yol açan kaçınılmaz bir gerçek olarak kabul edildi . Ayrıca, kültürlerin ayrımı giderek daha bulanık hale geliyor ve bazıları artık bölgesel kültürler yerine küresel bir kültür açısından düşünmenin daha uygun olduğunu savunuyor.

In Sanat Eserinin Kökeni , Martin Heidegger, bir Alman filozof ve seminal düşünür olmanın ve gerçek kavramları açısından sanatın özünü anlatmaktadır. Sanatın sadece bir kültürdeki hakikat unsurunu ifade etmenin bir yolu olmadığını, aynı zamanda onu yaratmanın ve “olan”ın ortaya çıkabileceği bir sıçrama tahtası sağlamanın bir yolu olduğunu savunuyor. Sanat eserleri, yalnızca şeylerin nasıl olduğunun temsili değil, aslında bir topluluğun ortak anlayışını üretir. Herhangi bir kültüre her yeni bir sanat eseri eklendiğinde, var olmanın ne olduğunun anlamı doğal olarak değişir.

Tarihsel olarak, sanat ve sanatsal beceriler ve fikirler genellikle ticaret yoluyla yayılmıştır. Bunun bir örneği, Helenistik, İran, Hint ve Çin etkilerinin karışabileceği İpek Yolu'dur . Greko Budist sanatı bu etkileşimin en canlı örneklerinden biridir. Farklı kültürlerin ve dünya görüşlerinin buluşması da sanatsal yaratımı etkilemiştir. Buna bir örnek , 20. yüzyılın başında James Joyce'un Orta Avrupa'dan yazarlarla tanıştığı ve kültürel bir eritme potası olarak New York şehrinin sanatsal gelişimiyle tanıştığı çok kültürlü liman metropolü Trieste'dir .

Formlar, türler, medya ve stiller

Napolyon I, İmparatorluk Tahtında Ingres tarafından(Fransızca, 1806), tuval üzerine yağlı boya

Yaratıcı sanatlar genellikle medya , tür, stiller ve biçim gibi algısal olarak ayırt edilebilen kategoriler boyunca daha spesifik kategorilere ayrılır . Sanat formu , sanatın yorumlanmasından veya öneminden bağımsız olan unsurları ifade eder . Renk , kontur , boyut , ortam , melodi , boşluk , doku ve değer gibi , öncelikle eserin semantik olmayan yönleri (yani figürler ) olmak üzere , sanatçının benimsediği yöntemleri ve sanat eserinin fiziksel kompozisyonunu kapsar . Form, düzenleme, denge , kontrast , vurgu , uyum , orantı , yakınlık ve ritim gibi görsel tasarım ilkelerini de içerebilir .

Genel olarak sanatla ilgili, sırasıyla biçim, içerik ve bağlama odaklanan üç felsefe okulu vardır. Aşırı Biçimcilik , sanatın tüm estetik özelliklerinin biçimsel (yani sanat biçiminin bir parçası) olduğu görüşüdür. Filozoflar neredeyse evrensel olarak bu görüşü reddeder ve sanatın özelliklerinin ve estetiğinin malzemelerin, tekniklerin ve biçimin ötesine geçtiğini kabul eder. Ne yazık ki, bu gayri resmi özellikler için terminoloji üzerinde çok az fikir birliği vardır. Bazı yazarlar konuya ve içeriğe (yani düz anlam ve yan anlamlara) atıfta bulunurken, diğerleri anlam ve önem gibi terimleri tercih eder .

Aşırı Niyetçilik, yazarın niyetinin bir sanat eserinin anlamında, içeriği veya temel ana fikri iletmede belirleyici bir rol oynadığını, diğer tüm yorumların atılabileceğini savunur. Özneyi temsil edilen kişiler veya fikir olarak, içeriği ise sanatçının bu konudaki deneyimi olarak tanımlar. Örneğin, Napolyon I'in İmparatorluk Tahtındaki kompozisyonu kısmen Olympia'daki Zeus Heykeli'nden ödünç alınmıştır . Başlıktan da anlaşılacağı gibi, konu Napolyon'dur ve içerik Ingres'in Napolyon'u "zaman ve mekanın ötesinde İmparator-Tanrı" olarak temsil etmesidir . Aşırı biçimciliğe benzer şekilde, filozoflar tipik olarak aşırı niyetliliği reddederler, çünkü sanatın birden fazla belirsiz anlamı olabilir ve yazarın niyeti bilinemez ve dolayısıyla alakasız olabilir. Kısıtlayıcı yorumu "toplumsal olarak sağlıksız, felsefi olarak gerçek dışı ve politik olarak akıllıca değil".

Son olarak, gelişen post-yapısalcılık teorisi, sanatın bir eser tarafından harekete geçirilen fikirler, duygular ve tepkiler gibi kültürel bir bağlamda önemini inceler. Kültürel bağlam genellikle sanatçının tekniklerine ve niyetlerine indirgenir; bu durumda analiz, biçimcilik ve niyetçiliğe benzer çizgiler boyunca ilerler. Bununla birlikte, diğer durumlarda, dini ve felsefi inançlar, sosyopolitik ve ekonomik yapılar, hatta iklim ve coğrafya gibi tarihi ve maddi koşullar baskın olabilir. Sanat eleştirisi sanatla birlikte büyümeye ve gelişmeye devam ediyor.

Beceri ve zanaat

Adam yaratılması ile ilgili detay Michelangelo içinde bulunuyor freskte Şistine Chapel (1511) de

Sanat, eğitimli bir yetenek veya bir ortama hakim olma duygusunu çağrıştırabilir . Sanat aynı zamanda bir dilin doğrudan veya derinlikle anlamı iletmek için gelişmiş ve verimli kullanımına da atıfta bulunabilir . Sanat, duygu, düşünce ve gözlemleri ifade etme eylemi olarak tanımlanabilir.

Malzemenin işlenmesi sonucunda ulaşılan, kişinin düşünce süreçlerini kolaylaştıran bir anlayış vardır. Yaygın bir görüş, "sanat" sıfatının , özellikle yüksek anlamıyla, sanatçı tarafından belirli bir düzeyde yaratıcı uzmanlık gerektirdiğidir, bu ister teknik yeteneğin bir göstergesi, ister üslup yaklaşımında bir özgünlük veya bu ikisinin bir kombinasyonu olsun. Geleneksel olarak icra becerisi, sanattan ayrılamaz ve dolayısıyla başarısı için gerekli bir nitelik olarak görülüyordu; Leonardo da Vinci için sanat, diğer çabalarından ne daha fazla ne de daha az, bir beceri tezahürüydü. Rembrandt'ın şimdilerde kısa ömürlü erdemleriyle övülen eseri, çağdaşları tarafından virtüözlüğü nedeniyle en çok beğenildi. 20. yüzyılın başında, John Singer Sargent'ın hünerli performansları, manuel akıcılıkları nedeniyle dönüşümlü olarak hayranlıkla izlendi ve şüpheyle izlendi, ancak neredeyse aynı zamanda, çağın en tanınmış ve gezici ikonoklastı olacak sanatçı Pablo Picasso idi. mükemmel olduğu geleneksel bir akademik eğitimi tamamlamak.

Detay Leonardo da Vinci 'nin Mona Lisa , c. Arasında boyama tekniğini gösteren 1503-1506, Sfumato

Bazı modern sanatların ortak çağdaş eleştirisi , sanatsal nesnenin üretiminde gerekli olan beceri veya yetenek eksikliğine itiraz etme çizgisinde ortaya çıkar. Kavramsal sanatta, Marcel Duchamp'ın " Çeşme "si, sanatçının bulunmuş nesneleri ("hazır") kullandığı ve geleneksel olarak kabul edilen hiçbir beceriyi kullanmadığı eserlerin ilk örnekleri arasındadır. Tracey Emin 's My Bed veya Damien Hirst s' Birisi Yaşam Zihninde Ölümün The Fiziksel İmkansızlığı bu örneği takip ve ayrıca kitle iletişim araçlarını kullanmaktadırlar. Emin, sonucu bir sanat eseri olarak bir galeriye yerleştirmeden önce yatağında uyudu (ve başka faaliyetlerde bulundu). Hirst, sanat eseri için kavramsal tasarımla ortaya çıktı, ancak birçok eserin nihai yaratımını çalışan zanaatkarlara bıraktı. Hirst'ün şöhreti tamamen onun şok edici konseptler üretme yeteneğine dayanıyor. Birçok kavramsal ve çağdaş sanat eserinde fiili üretim, bulunan nesnelerin bir araya getirilmesi meselesidir. Bununla birlikte, çizim ve boyama becerilerinde ve uygulamalı sanat eserleri yaratmada başarılı olmaya devam eden birçok modernist ve çağdaş sanatçı var .

Amaç

1880 dolaylarında yapılmış bir Navajo halısı
Mozarabik Beatus minyatürü . İspanya, 10. yüzyılın sonlarında

Sanat, tarihi boyunca çok sayıda farklı işleve sahip oldu ve amacını tek bir kavramla soyutlamayı veya nicelleştirmeyi zorlaştırdı. Bu, Sanat'ın amacının "belirsiz" olduğu anlamına gelmez, ancak yaratılmak için birçok benzersiz, farklı nedene sahip olduğu anlamına gelir. Sanatın bu işlevlerinden bazıları aşağıdaki taslakta verilmiştir. Sanatın farklı amaçları, motive edilmeyenlere ve motive edilenlere göre gruplandırılabilir (Lévi-Strauss).

Motive olmayan fonksiyonlar

Sanatın güdülenmeyen amaçları, insan olmanın ayrılmaz bir parçası olan, bireyi aşan veya belirli bir dış amacı yerine getirmeyen amaçlardır. Bu anlamda, yaratıcılık olarak Sanat, insanların doğası gereği yapması gereken bir şeydir (yani, başka hiçbir tür sanat yaratmaz) ve bu nedenle faydanın ötesindedir.

  1. Uyum, denge, ritim için temel insan içgüdüsü . Bu düzeyde sanat bir eylem ya da nesne değil, denge ve uyumun (güzelliğin) içsel bir takdiridir ve dolayısıyla insan olmanın faydanın ötesinde bir yönüdür.

    O halde taklit, doğamızın bir içgüdüsüdür. Ardından, 'uyum' ve ritim içgüdüsü vardır, ölçüler açıkça ritmin bölümleridir. Bu nedenle insanlar, bu doğal yetenekle başlayarak, özel yeteneklerini derece derece geliştirdiler, kaba doğaçlamaları Şiiri doğurana kadar. – Aristoteles

  2. Gizemli deneyim. Sanat, kişinin kendini evrenle ilişki içinde deneyimlemesi için bir yol sağlar. Kişi sanatı, müziği veya şiiri takdir ettiğinden, bu deneyim genellikle motivasyonsuz gelebilir.

    Deneyimleyebileceğimiz en güzel şey gizemli olandır. Tüm gerçek sanat ve bilimin kaynağıdır. - Albert Einstein

  3. Hayal gücünün ifadesi. Sanat, sözlü veya yazılı dilin formalitesine bağlı olmayan dilbilgisi olmayan yollarla hayal gücünü ifade etmek için bir araç sağlar. Ardışık olarak gelen ve her birinin belirli bir anlamı olan kelimelerin aksine sanat, dövülebilir anlamlara sahip bir dizi form, sembol ve fikir sağlar.

    Jüpiter'in kartalı [bir sanat örneği olarak], bir nesnenin mantıksal (estetik) nitelikleri gibi, yaratılışın yüceliği ve görkemi kavramı değil, daha çok başka bir şeydir - hayal gücüne uçuşunu bir nesnenin üzerine yaymak için bir teşvik veren bir şeydir. kelimelerle belirlenen bir kavramda ifadeyi kabul etmekten daha fazla düşünceyi kışkırtan bir dizi benzer temsil. Bunlar, mantıksal sunumun bir ikamesi olarak yukarıdaki rasyonel fikre hizmet eden estetik bir fikir sağlarlar, ancak bununla birlikte, aklın sınırlarını aşan benzer temsiller alanına bir bakış açısı açarak zihni canlandırma işlevine sahiptirler. - Immanuel Kant

  4. Ritüel ve sembolik işlevler. Birçok kültürde sanat, ritüellerde, performanslarda ve danslarda dekorasyon veya sembol olarak kullanılır. Bunların genellikle belirli bir faydacı (motive edilmiş) amacı olmasa da, antropologlar genellikle belirli bir kültürde anlam düzeyinde bir amaca hizmet ettiklerini bilirler. Bu anlam, herhangi bir birey tarafından sağlanmaz, çoğu zaman birçok nesil değişimin ve kültür içindeki kozmolojik bir ilişkinin sonucudur.

    Faydacı terimlerle açıklanamayan ve bu nedenle dekoratif, ritüel veya sembolik olarak sınıflandırılan tarih öncesi bağlamlardan elde edilen kaya resimleri veya nesnelerle ilgilenen çoğu bilim insanı, 'sanat' teriminin oluşturduğu tuzağın farkındadır. – Silva Tomaskova

Motive edilmiş işlevler

Sanatın motive edilmiş amaçları, sanatçılar veya yaratıcılar adına kasıtlı, bilinçli eylemlere atıfta bulunur. Bunlar politik değişim yaratmak, toplumun bir yönü hakkında yorum yapmak, belirli bir duygu ya da ruh halini iletmek, kişisel psikolojiye hitap etmek, başka bir disiplini örneklemek, bir ürünü (ticari sanatlarla) satmak ya da sadece bir biçim olarak olabilir. iletişimin.

  1. İletişim. Sanat, en basit haliyle bir iletişim biçimidir. Çoğu iletişim biçiminin başka bir bireye yönelik bir niyeti veya hedefi olduğundan, bu motive edilmiş bir amaçtır. Bilimsel illüstrasyon gibi açıklayıcı sanatlar, iletişim olarak bir sanat biçimidir. Haritalar başka bir örnektir. Ancak içeriğin bilimsel olması gerekmez. Duygular, ruh halleri ve hisler de sanat yoluyla iletilir.

    [Sanat] bir iletişim aracı olarak sembolik anlamları olan eserler veya görüntüler kümesidir. – Steve Mithen

  2. Eğlence olarak sanat . Sanat, izleyiciyi rahatlatmak veya eğlendirmek amacıyla belirli bir duyguyu veya ruh halini ortaya çıkarmaya çalışabilir. Bu genellikle Motion Pictures ve Video Games sanat endüstrilerinin işlevidir.
  3. Avangard. Siyasi değişim için sanat. 20. yüzyılın başlarındaki sanatın tanımlayıcı işlevlerinden biri, politik değişimi sağlamak için görsel imgeleri kullanmak olmuştur. Bu goal- vardı Sanat hareketleri Dadaizm , Sürrealizm , Rus yapılandırmacılık ve Soyut Dışavurumculuk arasında, diğerlerinin-edilir topluca avangard sanat.

    Aksine, Saint Thomas Aquinas'tan Anatole France'a kadar pozitivizmden ilham alan gerçekçi tutum, bana açıkça herhangi bir entelektüel veya ahlaki ilerlemeye düşman görünüyor. Ondan tiksiniyorum, çünkü vasatlık, nefret ve sıkıcı bir kibirden oluşuyor. Bugün bu gülünç kitapları, bu aşağılayıcı oyunları doğuran işte bu tavırdır. Sürekli gazetelerden beslenir ve onlardan güç alır ve en düşük zevkleri gayretle pohpohlayarak hem bilimi hem de sanatı aptallaştırır; Aptallığın sınırında bir açıklık, bir köpeğin hayatı. – André Breton (Sürrealizm)

  4. Bir "serbest bölge" olarak sanat , toplumsal sansür eyleminden uzaklaştırılmıştır. Yeni evrensel değerler üretmek için kültürel farklılıkları silmek isteyen avangard hareketlerin aksine çağdaş sanat , kültürel farklılıklara karşı hoşgörüsünü ve eleştirel ve özgürleştirici işlevlerini (toplumsal sorgulama, aktivizm, yıkım, yapısöküm... ), araştırma ve deney için daha açık bir yer haline geliyor.
  5. Sosyal sorgulama, yıkım veya anarşi için sanat. Siyasi değişim için sanata benzer olsa da, yıkıcı veya yapısökümcü sanat, belirli bir siyasi amaç olmaksızın toplumun yönlerini sorgulamaya çalışabilir. Bu durumda sanatın işlevi basitçe toplumun bazı yönlerini eleştirmek olabilir.
    Roma'da bir duvara sprey boya grafiti
    Grafiti sanatı ve diğer sokak sanatı türleri , genellikle izinsiz olarak herkesin görebileceği duvarlara, binalara, otobüslere, trenlere ve köprülere spreyle boyanmış veya şablonlanmış grafikler ve resimlerdir . Grafiti gibi belirli sanat biçimleri de yasaları çiğnediklerinde (bu durumda vandalizm) yasa dışı olabilir.
  6. Sosyal nedenler için sanat. Sanat, çok çeşitli nedenlerle farkındalık yaratmak için kullanılabilir. Otizm , kanser, insan kaçakçılığı ve okyanus koruma, Darfur'daki insan hakları , öldürülen ve kaybolan Aborijin kadınları, yaşlı istismarı ve kirlilik gibi çeşitli diğer konular hakkında farkındalık yaratmayı amaçlayan bir dizi sanat etkinliği düzenlendi . Trashion gibi sanatçılar tarafından uygulanan moda, yapmak çöp kullanarak Marina enkaz kirliliği hakkında farkındalığı arttıracaktır sanat aracılığı bir örnektir.
  7. Psikolojik ve iyileştirici amaçlar için sanat. Sanat aynı zamanda sanat terapistleri, psikoterapistler ve klinik psikologlar tarafından da sanat terapisi olarak kullanılmaktadır . Teşhis Çizim Serisi , örneğin, bir hastanın kişiliği ve duygusal işleyişini belirlemek için kullanılır. Bu durumda nihai ürün asıl amaç değildir, daha çok yaratıcı eylemler yoluyla bir iyileşme süreci aranır. Ortaya çıkan sanat eseri, öznenin yaşadığı sıkıntılara dair fikir verebilir ve daha geleneksel psikiyatrik tedavi biçimlerinde kullanılmak üzere uygun yaklaşımlar önerebilir.
  8. Propaganda ya da ticaricilik için sanat. Sanat genellikle bir propaganda biçimi olarak kullanılır ve bu nedenle popüler kavramları veya ruh halini ustaca etkilemek için kullanılabilir. Benzer şekilde bir ürünü satmaya çalışan sanat da ruh halini ve duyguyu etkiler. Her iki durumda da, buradaki sanatın amacı, izleyiciyi belirli bir fikir veya nesneye karşı belirli bir duygusal veya psikolojik tepkiye ustaca yönlendirmektir.
  9. Bir fitness göstergesi olarak sanat. İnsan beyninin yeteneğinin, ataların ortamında hayatta kalmak için gerekli olanı çok aştığı iddia edildi. Bunun bir evrimsel psikoloji açıklaması, insan beyni ve ilişkili özelliklerin (sanatsal yetenek ve yaratıcılık gibi) tavus kuşunun kuyruğunun insan eşdeğeri olduğudur . Erkek tavus kuşunun abartılı kuyruğunun amacının dişileri çekmek olduğu ileri sürülmüştür (ayrıca bkz. Balıkçı kaçak ve handikap ilkesi ). Bu teoriye göre, sanatın üstün icrası, eşleri cezbetmesi nedeniyle evrimsel açıdan önemliydi.

Yukarıda açıklanan sanatın işlevleri, çoğu örtüşebileceğinden, birbirini dışlamaz. Örneğin, eğlence amaçlı sanat aynı zamanda bir ürün, yani film veya video oyunu satmaya da çalışabilir.

Kamu erişim

Metropolitan Sanat Müzesi içinde Manhattan . Müzeler görsel sanatların sergilenmesi için önemli forumlardır .

Antik çağlardan beri, en iyi sanatların çoğu, genellikle büyük ölçekli ve pahalı malzemeler kullanılarak elde edilen kasıtlı bir zenginlik veya güç gösterisini temsil etti. Pek çok sanat eseri, siyasi yöneticiler veya dini kurumlar tarafından görevlendirildi ve daha mütevazı versiyonları sadece toplumdaki en zenginler için mevcut.

Bununla birlikte, toplumun geniş kesimlerinde mülkiyet açısından çok yüksek kalitede sanatın mevcut olduğu birçok dönem olmuştur, özellikle de toprakta kalan çanak çömlek gibi ucuz ortamlarda ve tekstil ve ahşap gibi çabuk bozulan ortamlarda. . Pek çok farklı kültürde, Amerika'nın yerli halklarının seramikleri o kadar geniş bir mezar yelpazesinde bulunur ki , diğer sanat biçimleri olsa da, açıkça bir sosyal seçkinlerle sınırlı değildirler . Kalıp gibi üreme yöntemleri , seri üretimi kolaylaştırdı ve yüksek kaliteli Antik Roma çanak çömlek ve Yunan Tanagra heykelciklerini çok geniş bir pazara ulaştırmak için kullanıldı . Silindir mühürler hem sanatsal hem de pratikti ve Eski Yakın Doğu'da gevşek bir şekilde orta sınıf olarak adlandırılabilecekler tarafından çok yaygın olarak kullanılıyordu . Sikkeler yaygın olarak kullanılmaya başlandıktan sonra , bunlar da toplumun en geniş yelpazesine ulaşan bir sanat formu haline geldi.

Bir diğer önemli yenilik ise Avrupa'da 15. yüzyılda, baskı resmin , çoğunlukla dini olan, genellikle çok küçük ve elle boyanmış ve evlerinin duvarlarına yapıştıran köylüler tarafından bile uygun fiyatlı küçük ahşap baskılarla başladığı zaman geldi . Basılı kitaplar başlangıçta çok pahalıydı, ancak 19. yüzyıla kadar en yoksulların bile basılı illüstrasyonlarla bazılarını karşılayabildiğine kadar fiyatlar giderek düştü. Birçok farklı türden popüler baskılar , yüzyıllardır evleri ve diğer yerleri dekore etmiştir.

Basel'deki ( İsviçre ) Sanat Müzesi , dünyanın en eski halka açık sanat müzesidir.

1661 yılında kenti Basel , içinde İsviçre , sanat aleminde ilk kamu müzesini açtı Kunstmuseum Basel . Bugün koleksiyonu, 15. yüzyılın başlarından günümüze kadar etkileyici bir şekilde geniş bir tarihi alanla ayırt ediliyor. Çeşitli vurgu alanları, türünün en önemli müzelerinden biri olarak uluslararası bir duruş sergilemektedir. Bunlar şunları kapsar: 1400 ve 1600 yılları arasında Yukarı Ren bölgesinde ve 19. ila 21. yüzyıl sanatı üzerine faaliyet gösteren sanatçıların tabloları ve çizimleri.

Kamu binaları ve anıtlar , laik ve dini, doğaları gereği normalde tüm topluma ve ziyaretçilere izleyici olarak hitap eder ve genel halka sergilenir, tasarımlarında uzun zamandır önemli bir faktör olmuştur. Mısır tapınakları tipiktir, çünkü en büyük ve en gösterişli süslemeler yalnızca rahiplerin gördüğü alanlardan ziyade halkın görebileceği yerlere yerleştirilmiştir. Kraliyet saraylarının, kalelerinin ve sosyal seçkinlerin evlerinin çoğu genellikle erişilebilirdi ve bu tür insanların sanat koleksiyonlarının büyük bir kısmı, ya herkes tarafından ya da küçük bir bedel ödeyebilenler ya da bu tür insanların sanat koleksiyonları tarafından görülebilirdi. uygun ekstra aksesuarların (gümüş ayakkabı tokaları ve kılıç) dışarıdaki dükkanlardan kiralanabildiği Versailles Sarayı'nda olduğu gibi, kim olduklarına bakılmaksızın doğru kıyafetleri giymek .

18. yüzyılın büyük bir bölümünde ziyaret edilebilecek olan Paris'teki Palais Royal'in bir kanadında yer alan Orleans Koleksiyonu'nda olduğu gibi, halkın galerilere yerleştirilmiş birçok kraliyet veya özel koleksiyonu görmesine izin vermek için özel düzenlemeler yapıldı . İtalya'da Grand Tour'un sanat turizmi , Rönesans'tan itibaren büyük bir endüstri haline geldi ve hükümetler ve şehirler, önemli eserlerini erişilebilir kılmak için çaba sarf etti. İngiliz Kraliyet Koleksiyonu farklı kalır, ancak Eski Kraliyet Kütüphanesi gibi büyük bağışlar ondan 1753'te kurulan British Museum'a yapıldı . Floransa'daki Uffizi , 1765'te tamamen bir galeri olarak açıldı, ancak bu işlev yavaş yavaş binayı ele geçiriyordu. uzun bir süre önce orijinal memurların ofislerinden. Şimdi Madrid'de Prado tarafından işgal edilen bina , Fransız Devrimi'nden önce kraliyet sanat koleksiyonunun bazı bölümlerinin halka açık sergilenmesi için inşa edildi ve Viyana , Münih ve diğer başkentlerde halka açık benzer kraliyet galerileri vardı . Musée du Louvre'un Fransız Devrimi sırasında (1793'te) eski Fransız kraliyet koleksiyonunun çoğu için bir kamu müzesi olarak açılması, kesinlikle halkın sanata erişiminin gelişmesinde, mülkiyeti cumhuriyetçi bir devlete devretmede önemli bir aşamayı işaret ediyordu. zaten iyi kurulmuş eğilimlerin devamı.

Çoğu modern kamu müzesi ve okullardaki çocuklar için sanat eğitimi programları, sanatın herkese açık olması yönündeki bu dürtüye kadar izlenebilir. Bununla birlikte, müzeler sadece sanata erişilebilirlik sağlamakla kalmaz, aynı zamanda çalışmaların gösterdiği gibi sanatın izleyici tarafından algılanma şeklini de etkiler. Bu nedenle, müzenin kendisi sadece sanatın sunumu için açık bir sahne değil, aynı zamanda modern toplumda genel sanat algısında aktif ve hayati bir rol oynamaktadır.

Amerika Birleşik Devletleri'ndeki müzeler, çok zenginlerden kitlelere hediye olma eğilimindedir. ( Örneğin, New York City'deki Metropolitan Sanat Müzesi , kişisel sanat koleksiyonu müzenin tohumlarını atan bir demiryolu yöneticisi olan John Taylor Johnston tarafından yaratılmıştır .) Ancak tüm bunlara rağmen, 21. yüzyılda sanatın en önemli işlevlerinden en az biri. yüzyıl, zenginlik ve sosyal statünün bir işareti olarak kalır.

Sanatçılar tarafından, bir statü nesnesi olarak zenginler tarafından satın alınamayacak sanat yaratma girişimleri oldu. 1960'ların sonu ve 1970'lerin çoğu sanatının başlıca orijinal motivasyonlarından biri, alınıp satılamayan sanat yaratmaktı. Savaş sonrası büyük Alman sanatçı Joseph Beuys, "sadece nesnelerden daha fazlasını sunmak gerekli" dedi. Bu zaman periyodu performans sanatı, video sanatı ve kavramsal sanat gibi şeylerin yükselişini gördü . Buradaki fikir, eğer sanat eseri geride hiçbir şey bırakmayacak bir performanssa ya da sadece bir fikirse, alınıp satılamayacağıydı. "Bir sanat eserinin bir meta olduğu fikri etrafında dönen demokratik ilkeler, 1960'ların ortalarında filizlenen ve 1970'ler boyunca hasat edilen estetik yeniliği harekete geçirdi. Sanatçılar, genel olarak kavramsal sanat başlığı altında ... performans ve yayıncılık faaliyetlerinin yerini aldı. boyalı veya heykelsi formun hem maddi hem de materyalist kaygılarıyla meşgul olmak için ... sanat nesnesini nesne olarak baltalamaya çalıştı."

Versailles: Louis Le Vau , daha sonra tüm Avrupa'da kopyalanan geniş antreyi oluşturmak için iç avluyu açtı .

O zamandan beri, sanat piyasası video eserlerinin sınırlı sayıda DVD'lerini, özel performans sanat eserlerine davetiyeleri ve kavramsal eserlerden arta kalan nesneleri satmayı öğrendiğinden, bu fikirler bir şekilde kayboldu. Bu performansların çoğu, yalnızca bir fikrin, videonun veya bariz bir çöp parçasının neden sanat olarak kabul edilebileceği konusunda eğitim almış seçkinler tarafından anlaşılan işler yaratır. Statü göstergesi, esere sahip olmak yerine onu anlamak haline gelir ve sanat eseri bir üst sınıf faaliyeti olarak kalır. "2000'li yılların başında DVD kayıt teknolojisinin yaygınlaşmasıyla sanatçılar ve kârını sanat yapıtlarının satışından elde eden galeri sistemi, sınırlı sayıdaki video ve bilgisayar yapıtlarının koleksiyonerlere satışını kontrol etmede önemli bir araç elde etti."

tartışmalar

Théodore Géricault 'ın Medusa'nın Salı , yaklaşık 1820

Sanat uzun zamandır tartışmalıdır, yani bazı izleyiciler tarafından çok çeşitli nedenlerle sevilmemektedir, ancak modern öncesi tartışmaların çoğu belirsiz bir şekilde kaydedilmiş veya modern bir görüşe tamamen kaybolmuştur. İkonoklazm , dini olanlar da dahil olmak üzere çeşitli nedenlerle sevilmeyen sanatın yok edilmesidir. Anikonizm , ya tüm mecazi imgelerden ya da genellikle sadece dini olanlardan genel olarak hoşlanmamaktır ve birçok büyük dinde bir konu olmuştur. Muhammed'in tasvirlerinin özellikle tartışmalı olduğu İslam sanatı tarihinde çok önemli bir faktör olmuştur . Pek çok sanat, yalnızca popüler olmayan hükümdarları, partileri veya diğer grupları tasvir ettiği veya başka bir şekilde temsil ettiği için sevilmemiştir. Sanatsal gelenekler genellikle muhafazakardı ve sanat eleştirmenleri tarafından çok ciddiye alındı , ancak çoğu zaman daha geniş bir halk tarafından çok daha az ciddiye alındı . İkonografik sanatın içeriği yeni motif geç ortaçağ tasvirleri gibi, tartışmalara neden olabilecek Virgin baygınlık sahneleri de İsa'nın çarmıha gerilme . Son Yargı tarafından Michelangelo ihlalleri dahil olmak üzere çeşitli nedenlerle tartışmalı oldu edep çıplaklık içinden ve Apollo İsa'nın benzeri poz.

Tarih boyunca pek çok resmi sanatın içeriği, yalnızca sanatçıdan ziyade patron veya komisyon üyesi tarafından dikte edildi, ancak Romantizmin ortaya çıkışı ve sanat üretimindeki ekonomik değişikliklerle birlikte, sanatçıların vizyonu, çalışmalarının içeriğinin olağan belirleyicisi haline geldi. sanat, çoğu zaman önemini azaltsa da, tartışmaların görülme sıklığını artırıyor. Algılanan özgünlük ve tanıtım için güçlü teşvikler, sanatçıları mahkeme tartışmalarına da teşvik etti. Théodore Géricault 'ın Medusa'nın Salı (c. 1820), kısmen bir son olay üzerinde siyasi bir yorum oldu. Edouard Manet 'nin Kırda Öğle Yemeği (1863), çünkü çıplak kadının skandal düşündü ama bunu erkeklere yanına oturduğunda, çünkü tam olarak yerine antik dünyanın cüppeli değil de, zamanın giyim giyinmişti. John Singer Sargent 'ın Madam Pierre Gautreau (Yetkili X) (1884), çok müstehcen sayılabilir ve sözde yüksek toplum modelin itibarını bozma, kadının kulak lobu renklendirmek için kullanılan kırmızımsı pembe üzerinden bir tartışma yarattı. 19. ve 20. yüzyıllarda natüralizmin kademeli olarak terk edilmesi ve konuların görsel görünümünün gerçekçi temsillerinin tasviri, bir yüzyıldan fazla süren bir tartışmaya yol açtı.

Joseph Beuys'un Performansı , 1978: Herkes sanatçı - Sosyal organizmanın liberter formuna giden yolda .

20. yüzyılda, Pablo Picasso 'ın Guernica (1937) tutuklama kullanılan kübist teknikleri ve sade tek renkli yağlar , küçük, antik Bask şehrin çağdaş bombalama üzücü sonuçlarını tasvir. Leon Golub 'ın Sorgulama III (1981), bir dişi çıplak tasvir, bir sandalyeye bağlanmıştı kapüşonlu tutuklu, bacaklarını gündelik giyim giymiş iki işkencecileri çevrili cinsel organlarını, ortaya çıkarmak için açın. Andres Serrano 'ın Piss Christ (1989) Hıristiyan din için kutsal ve temsil eden bir haç fotoğrafıdır Mesih sanatçının kendi idrar bir bardak su altında lar kurban ve son acı,'. Ortaya çıkan kargaşa, Amerika Birleşik Devletleri Senatosu'nda sanatın kamu finansmanı hakkında yorumlara yol açtı.

teori

Modernizm'den önce, Batı sanatında estetik, gerçekçiliğin veya gerçeğin farklı yönleri arasında doğa ve ideal arasındaki uygun dengeyi sağlamakla büyük ölçüde ilgilendi ; Uygun dengenin ne olduğuna dair fikirler yüzyıllar boyunca değişti. Bu endişe, diğer sanat geleneklerinde büyük ölçüde yoktur. J. M. W. Turner'ın natüralizmi olarak gördüklerini savunan estetik teorisyeni John Ruskin , sanatın rolünü, yalnızca doğada bulunabilecek temel bir gerçeğin yapay olarak iletilmesi olarak gördü.

Sanatın tanımı ve değerlendirilmesi özellikle 20. yüzyıldan itibaren sorunlu hale gelmiştir. Richard Wollheim , sanatın estetik değerini değerlendirmeye yönelik üç yaklaşımı ayırt eder: Gerçekçi , ki burada estetik kalite herhangi bir insan görüşünden bağımsız mutlak bir değerdir; Objektivist aynı zamanda mutlak değer, ancak genel insan deneyimine bağlıdır, burada,; ve mutlak bir değer olmayıp, farklı insanların insan deneyimine bağlı olduğu ve bu deneyimlerle değişiklik gösterdiği Görecelikçi konum .

Modernizmin Gelişi

Gelişi Modernizmin gelişine 20. yüzyılın sonlarında yeniden sanatın işlevinin anlayışında radikal mola için geç 19. yüzyıl kurşun ve postmodernizm . Clement Greenberg'in 1960 tarihli "Modernist Resim" makalesi, modern sanatı "bir disiplinin karakteristik yöntemlerinin disiplinin kendisini eleştirmek için kullanılması" olarak tanımlar. Greenberg bu fikri başlangıçta Soyut Dışavurumcu harekete uyguladı ve düz (illüzyonist olmayan) soyut resmi anlamanın ve haklı çıkarmanın bir yolu olarak kullandı:

Gerçekçi, natüralist sanat, sanatı sanatı gizlemek için kullanarak ortamı gizlemişti; modernizm, sanatı sanata dikkat çekmek için kullandı. Resmin ortamını oluşturan sınırlamalar - düz yüzey, desteğin şekli, pigmentin özellikleri - Eski Ustalar tarafından yalnızca dolaylı veya dolaylı olarak kabul edilebilecek olumsuz faktörler olarak ele alındı. Modernizm altında bu aynı sınırlamalar olumlu faktörler olarak görülmeye başlandı ve açıkça kabul edildi.

Greenberg'den sonra, diğerleri arasında Michael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin ve Griselda Pollock gibi birçok önemli sanat teorisyeni ortaya çıktı . Başlangıçta yalnızca belirli bir sanatçı grubunu anlamanın bir yolu olarak düşünülse de, Greenberg'in modern sanat tanımı, 20. yüzyılın ve 21. yüzyılın başlarındaki çeşitli sanat akımları içindeki birçok sanat fikri için önemlidir.

Andy Warhol gibi pop sanatçıları , sanat dünyasının yanı sıra popüler kültürü de içeren ve muhtemelen eleştiren çalışmalarıyla hem kayda değer hem de etkili oldular . 1980'lerin, 1990'ların ve 2000'lerin sanatçıları, bu özeleştiri tekniğini yüksek sanatın ötesine , moda görüntüleri, çizgi romanlar, reklam panoları ve pornografi dahil olmak üzere tüm kültürel görüntü yapımına genişletti .

Duchamp bir keresinde sanatın herhangi bir etkinlik, her şey olduğunu öne sürmüştü. Ancak günümüzde sadece belirli etkinliklerin sanat olarak sınıflandırılması toplumsal bir inşadır. Bunda doğruluk payı olabileceğine dair kanıtlar var. In Sanatın Buluşun: Bir Kültür Tarihi , Larry Shiner sanat, yani ince modern sanat sisteminin inşasını incelemektedir. Modern sistemimizden (güzel sanatlardan) önceki eski sanat sisteminin, sanatı herhangi bir hünerli insan etkinliği olarak kabul ettiğine dair kanıtlar bulur; örneğin, Antik Yunan toplumu sanat terimine değil, techne'ye sahipti . Techne, ne sanat ne de zanaat olarak anlaşılamaz, çünkü sanat ve zanaat arasındaki farklar, insanlık tarihinde daha sonra ortaya çıkan tarihsel ürünlerdir. Techne resim, heykeltıraşlık ve müziğin yanı sıra yemek pişirme, tıp, binicilik , geometri , marangozluk, kehanet ve çiftçiliği de içeriyordu .

Yeni Eleştiri ve "kasıtlı yanılgı"

20. yüzyılın ilk yarısında Duchamp'ı takiben, estetik teoriyi edebi sanatlar ve görsel sanatlar da dahil olmak üzere çeşitli sanat biçimleri arasında birbirine uygulamaya çalışan genel estetik teorisine önemli bir geçiş gerçekleşti. Bu, Yeni Eleştiri okulunun yükselmesine ve kasıtlı yanılgılarla ilgili tartışmalara neden oldu . Söz konusu olan, belirli biçimi ne olursa olsun, sanatçının sanat eserini yaratmadaki estetik niyetlerinin, sanat eserinin nihai ürününün eleştirisi ve değerlendirilmesi ile ilişkilendirilmesi gerekip gerekmediği ya da sanat eserinin sanat eserinin ortaya çıkıp çıkmaması gerektiği sorusuydu. sanatçının niyetinden bağımsız olarak kendi esasına göre değerlendirilmelidir.

1946 yılında, William K. Wimsatt ve Monroe Bearsley "başlıklı klasik ve tartışmalı Yeni Kritik kompozisyon yayınlanan Kasıtlı Yanılgı onlar alaka karşı güçlü bir tavır içinde", yazarın niyeti edebi eserin analizinde, ya "anlamına amaçlanan" . Wimsatt ve Beardsley için önemli olan tek şey sayfadaki kelimelerdi; Anlamların metnin dışından ithal edilmesi alakasız ve potansiyel olarak dikkat dağıtıcı olarak kabul edildi.

Wimsatt ve Beardsley, "The Intentional Fallacy"nin bir tür kardeş makalesi olan " The Affective Fallacy " adlı başka bir denemede, okuyucunun edebi bir esere yönelik kişisel/duygusal tepkisini bir metni analiz etmenin geçerli bir yolu olarak değerlendirdi. Bu safsata daha sonra edebiyat teorisinin okur-tepki okulundan teorisyenler tarafından reddedilecekti . İronik olarak, bu okulun önde gelen teorisyenlerinden biri olan Stanley Fish , New Critics tarafından eğitilmişti. Fish, 1970 tarihli "Okuyucuda Edebiyat" adlı makalesinde Wimsatt ve Beardsley'i eleştirir.

Gaut ve Livingston tarafından "Sanatın Yaratılışı" adlı makalelerinde özetlendiği gibi: "Yapısalcı ve post-yapısalcı teorisyenler ve eleştirmenler, estetik beğeni ve sanatın sözde özerkliği üzerindeki vurgudan başlayarak, Yeni Eleştiri'nin birçok yönünü keskin bir şekilde eleştirdiler. , ancak biyografik eleştirilerin sanatçının etkinliklerinin ve deneyiminin ayrıcalıklı bir kritik konu olduğu varsayımına yönelik saldırıyı yinelediler." Bu yazarlar şunu iddia etmektedirler: "Formalistler gibi niyet-karşıtları, sanat yapmayla ilgili niyetlerin sanatı doğru bir şekilde yorumlamakla alakasız veya periferik olduğuna inanırlar. Dolayısıyla, bir eser yaratma eyleminin ayrıntıları, muhtemelen kendi içlerinde ilgi olsa da, işin doğru yorumlanması üzerinde hiçbir ilgisi yoktur."

Gaut ve Livingston, niyetçileri biçimcilerden farklı olarak tanımlarlar: "İradeciler, biçimcilerin aksine, niyetlere atıfta bulunmanın, eserlerin doğru yorumunu sabitlemek için esas olduğunu düşünürler." Richard Wollheim'dan alıntı yaparlar , "Eleştirinin görevi, yaratıcı sürecin yeniden yapılandırılmasıdır, burada yaratıcı süreç, sanat eserinin gerisinde durmayan, ancak sanat eserinin kendisinde sona eren bir şey olarak düşünülmelidir."

"Dilsel dönüş" ve tartışması

20. yüzyılın sonu, dilsel dönüş tartışması veya sanat felsefesinde "masum göz tartışması" olarak bilinen kapsamlı bir tartışmayı teşvik etti . Bu tartışma sanat eserinin karşılaşmasını, sanat eseriyle kavramsal karşılaşmanın sanat eseriyle algısal karşılaşma üzerinde egemen olduğu göreli ölçüde belirlediğini tartıştı.

Sanat tarihi dilsel dönüş tartışma ve beşeri bilimler için belirleyici bir diğer gelenek, yani eserleri vardı yapısalcılığının ait Ferdinand de Saussure ve ardından gelen hareketi postyapısalcılığın . 1981'de sanatçı Mark Tansey , 20. yüzyılın son yıllarında sanat felsefesinde hakim olan anlaşmazlık ikliminin bir eleştirisi olarak "Masum Göz" adlı bir sanat eseri yarattı. Etkili teorisyenler arasında Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault ve Jacques Derrida bulunmaktadır . Sanat tarihinde ve tarihsel söylemde dilin, daha spesifik olarak belirli retorik mecazların gücü Hayden White tarafından araştırıldı . Dilin şeffaf bir düşünce ortamı olmadığı gerçeği , Johann Georg Hamann ve Wilhelm von Humboldt'un eserlerinde ortaya çıkan çok farklı bir dil felsefesi biçimi tarafından vurgulanmıştır . Ernst Gombrich ve Nelson Goodman , Sanat Dilleri : Semboller Teorisine Bir Yaklaşım adlı kitabında , 1960'lar ve 1970'lerde sanat eseriyle kavramsal karşılaşmanın, sanat eseriyle yalnızca algısal ve görsel karşılaşmadan daha baskın olduğunu öne sürdüler. Nobel ödüllü psikolog Roger Sperry tarafından yapılan ve insanın görsel karşılaşmasının yalnızca dilde temsil edilen kavramlarla (dilsel dönüş) sınırlı olmadığını ve sanat eserinin diğer psikolojik temsil biçimleriyle sınırlı olmadığını iddia eden araştırma temelinde ona meydan okundu. eşit derecede savunulabilir ve kanıtlanabilirdi. Sperry'nin görüşü, 20. yüzyılın sonunda, Nick Zangwill gibi estetik felsefecilerin, diğer alternatifler arasında ılımlı estetik biçimciliğe dönüşü güçlü bir şekilde savunmasıyla galip geldi .

sınıflandırma anlaşmazlıkları

Orijinal Çeşmesi tarafından Marcel Duchamp tarafından fotoğraflandı, 1917, Alfred Stieglitz de 291 1917 sonrasında Bağımsız Sanatçılar Cemiyeti sergi. Stieglitz bir fon kullanılan Warriors tarafından Marsden Hartley pisuar fotoğraflamak. Sergi giriş etiketi açıkça görülebilir.

Bir şeyin sanat eseri olarak sınıflandırılıp sınıflandırılmayacağına ilişkin anlaşmazlıklar, sanatla ilgili sınıflandırma anlaşmazlıkları olarak adlandırılır. 20. yüzyıldaki sınıflandırma tartışmaları arasında kübist ve empresyonist tablolar, Duchamp 's Fountain , filmler, banknotların üstün taklitleri , kavramsal sanat ve video oyunları yer almaktadır . Filozof David Novitz, sanatın tanımı konusundaki anlaşmazlığın nadiren sorunun özü olduğunu savundu. Aksine, "insanların sosyal yaşamlarında edindikleri tutkulu ilgi ve çıkarlar", "sanatla ilgili tüm sınıflandırma tartışmalarının çok büyük bir parçasıdır." Novitz'e göre, sınıflandırma anlaşmazlıkları, teoriden çok, toplumsal değerler ve toplumun nereye gitmeye çalıştığı konusundaki anlaşmazlıklardır. Örneğin Daily Mail , Hirst ve Emin'in çalışmalarını "1000 yıldır sanat bizim en büyük uygarlaştırıcı güçlerimizden biri olmuştur. Bugün salamura koyunlar ve kirli yataklar hepimizi barbar yapmakla tehdit ediyor" diyerek eleştirdiğinde , öyle değil. sanatla ilgili bir tanım veya teori geliştirmek, ancak Hirst ve Emin'in çalışmalarının değerini sorgulamak. 1998'de Arthur Danto , "bir sanat eserinin sanat eseri olarak statüsünün, bir kültürün doğasında bulunan fiziksel veya algılanabilir niteliklerinden ziyade, ona uyguladığı fikirlerden kaynaklandığını gösteren bir düşünce deneyi önerdi. Kültürel yorum (bir tür sanat teorisi) ) bu nedenle bir nesnenin sanatının kurucusudur."

Anti-sanat , sanatın yerleşik parametrelerine ve değerlerine kasıtlı olarak meydan okuyan sanat için bir etikettir; Dadaizm ile ilişkilendirilen ve I. Dünya Savaşı'ndan hemen önce bulunan Marcel Duchamp'a , buluntu nesnelerden sanat yaptığı sırada atfedilen bir terimdir . Bunlardan biri, sıradan bir pisuar olan Çeşme (1917), sanat üzerinde hatırı sayılır bir önem ve etki elde etmiştir. Anti-sanat, Situationist International , lo-fi Mail sanat hareketi ve Young British Artists'in çalışmalarının bir özelliğidir , ancak kendilerini anti-sanat olarak tanımlayan Stuckistler tarafından hala reddedilen bir formdur .

Mimarlık genellikle görsel sanatlardan biri olarak dahil edilir; bununla birlikte, dekoratif sanatlar veya reklamcılık gibi, örneğin genellikle bir resimde olmayan bir şekilde, pratik kullanım hususlarının gerekli olduğu nesnelerin yaratılmasını içerir.

Değer yargısı

Aborijin içi boş kütük mezarlar. Ulusal Galeri, Canberra , Avustralya.

Yukarıdakilerle bir şekilde ilişkili olarak, sanat sözcüğü , "o yemek bir sanat eseriydi" (aşçı bir sanatçıdır) veya "aldatma sanatı" (aldatma sanatı) gibi ifadelerde olduğu gibi, değer yargılarını uygulamak için de kullanılır. aldatan kişinin yüksek düzeyde beceri düzeyi övülür). Bu, terime öznellik lezzetini veren, yüksek kalite ve yüksek değerin bir ölçüsü olarak bu kullanımıdır. Değer yargıları yapmak, eleştiri için bir temel gerektirir. En basit düzeyde, nesnenin duyular üzerindeki etkisinin sanat olarak kabul edilme kriterlerini karşılayıp karşılamadığını belirlemenin bir yolu, çekici veya itici olarak algılanıp algılanmadığıdır. Algı her zaman deneyim tarafından renklendirilse ve zorunlu olarak öznel olsa da, bir şekilde estetik olarak tatmin edici olmayanın sanat olamayacağı yaygın olarak anlaşılır. Bununla birlikte, "iyi" sanat, izleyicilerin çoğuna her zaman ve hatta düzenli olarak estetik olarak çekici değildir. Başka bir deyişle, bir sanatçının temel motivasyonunun estetik arayışı olması gerekmez. Ayrıca, sanat genellikle sosyal, ahlaki veya düşündürücü nedenlerle yapılmış korkunç görüntüleri tasvir eder. Örneğin, Francisco Goya'nın 3 Mayıs 1808'deki İspanyol silahlı saldırılarını betimleyen resmi, yalvaran birkaç sivili idam eden bir idam mangasının grafik bir tasviridir. Ancak aynı zamanda, korkunç görüntüler Goya'nın kompozisyon ve uygulamadaki keskin sanatsal yeteneğini göstermekte ve uygun sosyal ve politik öfke üretmektedir. Böylece, eğer varsa, 'sanatı' tanımlamak için hangi estetik tatmin tarzının gerekli olduğu tartışması devam etmektedir.

Yeni değerlerin varsayımı ya da neyin estetik açıdan üstün olduğuna dair kabul edilmiş kavramlara başkaldırı, estetik açıdan çekici olanın arayışının tamamen terk edilmesiyle aynı anda meydana gelmek zorunda değildir. Gerçekten de, halk tarafından estetik olarak çekici olarak algılanan şeyin gözden geçirilmesi, estetik duyarlılığın yeniden canlanmasına ve sanatın standartlarının yeni bir takdirine izin verdiği için genellikle bunun tersi doğrudur. Sayısız okul kaliteyi tanımlamak için kendi yollarını önerdi, ancak hepsi en azından bir noktada hemfikir görünüyorlar: estetik seçimleri kabul edildiğinde, sanat eserinin değeri, seçtiği ortamın sınırlarını aşma kapasitesi tarafından belirlenir. sanatçının becerisinin nadirliği veya zamanın ruhu olarak adlandırılan şeydeki doğru yansımasıyla evrensel bir akor vurmak . Sanat genellikle insan duygularına hitap etmeyi ve onlarla bağlantı kurmayı amaçlar. Estetik veya ahlaki duygular uyandırabilir ve bu duyguları iletmenin bir yolu olarak anlaşılabilir. Sanatçılar, izleyicilerini bir dereceye kadar uyandırmak için bir şeyler ifade ederler, ancak bunu bilinçli olarak yapmak zorunda değildirler. Sanat, insanlık durumunun keşfi olarak düşünülebilir ; yani insan olmak budur. Buna ek olarak, Emily L. Spratt, yapay zekanın gelişiminin, özellikle görüntülerle kullanımları açısından, günümüz sanat tarihinde estetik kuramın yeniden değerlendirilmesini ve insan yaratıcılığının sınırlarının yeniden gözden geçirilmesini gerektirdiğini ileri sürmüştür.

Sanat ve hukuk

Önemli bir yasal sorun, sanatta sahtecilik , intihal , kopyalar ve diğer sanat eserlerine güçlü bir şekilde dayanan eserlerdir.

Sanat eseri ticareti veya bir ülkeden ihracat yasal düzenlemelere tabi olabilir. Uluslararası alanda da yaratılan sanat eserlerinin korunmasına yönelik yoğun çabalar vardır. BM , UNESCO ve Blue Shield Uluslararası ulusal düzeyde etkili koruma sağlamak ve silahlı çatışma veya afet durumunda doğrudan müdahale deneyin. Bu durum özellikle müzeleri, arşivleri, sanat koleksiyonlarını ve kazı alanlarını etkileyebilir. Bu aynı zamanda bir ülkenin ekonomik temelini de güvence altına almalıdır, çünkü özellikle sanat eserleri genellikle turistik öneme sahiptir. Blue Shield International'ın kurucu başkanı Karl von Habsburg , Nisan 2019'da Lübnan'daki bir görev sırasında kültürel varlıkların tahribi ile uçuş nedeni arasındaki ek bir bağlantıyı açıkladı: “Kültürel ürünler, Lübnan'da yaşayan insanların kimliğinin bir parçasıdır. belli bir yer. Kültürlerini yok ederseniz, kimliklerini de yok etmiş olursunuz. Pek çok insan köklerinden koparılıyor, çoğu zaman artık hiçbir umutları kalmıyor ve sonuç olarak anavatanlarından kaçıyorlar.”

Ayrıca bakınız

Notlar

bibliyografya

  • Oscar Wilde, Niyetler , 1891
  • Stephen Davies, Sanatın Tanımları , 1991
  • Nina Felshin, ed. Ama Sanat öyle mi? , 1995
  • Catherine de Zegher (ed.). Görünür İçinde . MİT Basını, 1996
  • Evelyn Hatcher, ed. Kültür Olarak Sanat: Sanat Antropolojisine Giriş , 1999
  • Noel Carroll, Bugünün Sanat Kuramları , 2000
  • John Whitehead. Rüzgarı Tutmak , 2001
  • Michael Ann Holly ve Keith Moxey (ed.) Sanat Tarihi Estetik Görsel Çalışmalar . New Haven: Yale University Press, 2002. ISBN  0300097891
  • Parlatıcı, Larry. Sanatın İcadı: Bir Kültür Tarihi . Chicago: Chicago Press Üniversitesi, 2003. ISBN  978-0-226-75342-3
  • Arthur Danto , Güzelliğin Kötüye Kullanımı: Estetik ve Sanat Kavramı. 2003
  • Dana Arnold ve Margaret Iverson, der. Sanat ve Düşünce . Londra: Blackwell, 2003. ISBN  0631227156
  • Jean Robertson ve Craig McDaniel, Çağdaş Sanat Temaları, 1980 Sonrası Görsel Sanat , 2005

daha fazla okuma

Dış bağlantılar